Across Cultures

Barranco, Lima

2012-01-29T00:01:00.010+01:00

These pics were taken in January 2012 in Barranco, Lima.

A suite in Huacho

2012-01-22T00:01:00.032+01:00

In Lima, I regularly visit a restaurant that serves comida criolla, buy Salsa and Merengue CDs (the place where I find them reminds me of places in Bangkok - lots a small stalls that sell everything you can think of at bargain prices), visit bookstores and go for long walks.

My initial plan had been to go up the coast by bus and not to travel more than four hours by day. That however proved not that easy for most of the buses that travel long distances do not stop, and the ones that do "para en toda esquina". And so I decide rather unhappily to embark on the nine-hour trip from Lima to Trujillo.

The day of my departure, I wake up with yet another diarrhea and decide to cancel my trip. Instead I opt for a taxi and head for Ancon, a seaside place just outside Lima. Beto, my driver, seems to be fond of it, I'm not - a very small beach full of umbrellas is not my idea of fun. We continue to Huaral which lies inland, is busy and noisy and, I later learn, has a high-security prison. When we ask for a nearby beach, we get lots of conflicting opinions but a shopkeeper points out a place called Rio Seco, home of a fabulous beach, restaurants, hotels, "hay de todo", she says. When on the Panamericana again we spot the sign Rio Seco we get off the highway and, a couple of meters later, arrive at the beginning of a dirt road. We are doubtful whether this is the right road to a tourist place and ask a worker who passes by. Yes, this is the road to Rio Seco, he says. Are there any restaurants etc? we inquire. There is nothing there, he says.

We continue to Huacho, a desert town by the sea, that reminds me of Asia - chaotic, loud, colourful, and not much decent architecture. It has a population of about 70'000, two nice clean beaches, book and record stores, a big hotel outside of town with a swimmingpool and a very friendly and helpful supervisor by the name of Soledad who offers me a suite for half the regular price - this is my idea of paradise (it does however come with what must be the slowest internet connection in Peru).

I'm not really into history, I say to Soledad when she mentions an Inka-site worth visiting, I'm more interested in how people are living today. What do people in Huacho do? Where do they go, say, on weekends? To the beaches, and to the Laguna Encantada, for instance.

And so I go to see the Laguna Encantada and come back enchanted. There are two other lagunas, Soledad says, one is the Laguna Paraíso, the other the Laguna Albúfera del Medio Mundo ...

PS: There is Swiss time, and there is Peruvian time. I do not understand Peruvian time but it is clearly different from Swiss time. More flexible, I'd say. I'm however not flexible, I'm Swiss (in Switzerland, unpunctuality is considered a character defect), and so I try to reeducate my moto-taxista (moto-taxis have three wheels and can be compared to Tuk Tuks but are less comfortable) who is always late - and I do of course fail miserably.

In Paracas

2012-01-15T00:01:00.015+01:00

Paracas is a rather small place full of tourists who all go by speedboat to nearby islands to watch penguins. I would love to watch penguins but do not see myself in an orange vest squeezed with 31 others into a boat and being sped across the water in order to watch them. Instead I take a taxi to the next town which turns out to consist of a military base, fish factories, and gasoline tanks.

On the outskirts, there are heaps of rubble on the side of the road that is facing the sea. These are remnants of the earthquake in 2007, my taxi driver informs me. Why didn't they put them on the other side of the road? I wonder. He unhappily shrugs his shoulders.

I have dinner with a young Swiss couple who are travelling around the world. The guy eats the same dish as I but it's only me who spends the night commuting between bed and toilet.
The next day, his girlfriend alerts me to three young boys who are cleaning the beach from garbage. Now, look at what they do, she says. Next to the heap of garbage, the boys dig a hole in the sand, put the garbage in and then cover it with sand.

I'm going to see an archeological site. My taxi driver, himself a descendent of Inkas, shows himself impressed by the Inkas' organising ablitities - these however do not seem to have survived: When the TV in my hotel room does not work, I inform the reception. She will send somebody up, the receptionist says. 45 minutes later nobody has shown up. I go tell her again. This time she wakes up a girl who had been sleeping in the storage room and now stands rather helplessly in front of my TV. Let's leave it to tomorrow, I suggest. I will call the guy in charge, she responds and disappears. 20 minutes later I go to check and find the girl half asleep behind the reception. The guy's not answering the phone, she says.

The Reserva Nacional de Paracas "fue creada con el fin de conservar una porción del mar y del desierto del Perú, dando protección a las diversas especies de flora y fauna silvestres que ahí viven ... Es la única área marítima protegida del Perú". I loved it (alone the desert colours!) and visited it three times during my week in Paracas.

I feel like having a tortilla de verduras but can't find it on the menu and so I ask whether they can make me one. The owner, a resolute woman in her forties, says, sure, we can do that but does not look too confident. The couple at the next table smiles in my direction and the lady explains that her buddy knows very well how to do tortillas. They politely refuse my suggestion to move to the kitchen but the lady starts to elaborate in detail how the tortilla needs to be prepared. When she is about in the middle of her explanation, the restaurant owner, who until then had listened attentively, disappears into the kitchen.

Shortly afterwards, my dish is placed in front of me. Save for a few slices of tomato, I can't detect any vegetables on the tortilla but seem to spot ham and things I can't really place. You can count yourself lucky that I'm not a vegetarian, I smile in the direction of the restaurant owner. What exactly, besides ham did you put on it? I did it how the lady had explained it, she said. Onions, potatoes, and then added a bit of everything like, yes, ham and chicken and ... How is it? she inquires, good? Acceptable, I say. She nods in agreement.

The couple behind the reception of my hotel are both sporting a T-shirt that says Manager. They are in their mid-forties, I learn. Are both of you the manager? I ask. I'm doing the administrative work, the woman says, my husband is the captain of the speed boat that goes to the Ballestas Islands. I'm doing this now for 30 years, every day, the captain says and adds, I was born in a boat. No, you were not, his wife says.

At the bus station I hear an announcement that the bus will be thirty minutes late. Are delays a regular occurence? I ask. Almost all of them are late, I'm told, one in three thousand is not. Mine departs late and arrives early.

Flamenco in Lima

2012-01-08T00:01:00.015+01:00

I did not know much about Peru when I arrived in Lima end of December 2011. I did not know that Lima was in the desert, that the country was earthquake prone, I had never heard of Inka Cola or Lucuma ice cream or that there were fifty kinds of potatoes in the country or that it was never raining in Lima only drizzling ... what I however knew was that there would be sunshine and discoveries to be made ...

My first two days I was shown around Lima by Frank, a German friend of my friend Alex, who happened to be visiting the family of his Peruvian wife. From the historical centre to the Casa de la Literatura, from the Cafe Haiti to the Cerro San Cristobal ... I didn't think, listened to what Frank was elaborating on, rarely asked questions, simply went along with everything. It was great, I felt enriched.

A young woman in a bookstore, when asked how she would characterise Peru, said: diverse and chaotic. And pretty loud, I'd say.

The website of my very nice hotel (and that inludes the staff) says that all rooms come with "modern bathrooms with semi-Spanish shower"; I haven't the foggiest idea what a "semi-Spanish shower" could possibly be but mine worked properly.

On my third day I went for long walks in Barranco and Miraflores, it wasn't particularly hot but my face got sunburned! Shortly afterwards I bought a hat: straw on my head obviously helps.

Some of the houses in my neighbourhood are painted in (for Swiss eyes) most extraordinary colours: turquoise, auburn, beige, orange, blue, dark and bright green; the supermarket comes in yellow and looks like a baroque style church or a museum.

My older son is the quiet kind, a very good listener and he says that I'm talking as much as a thousand others, Marianna laughs. She is in her early forties, from Bahia in Brasil, stays in the same hotel in Barranco where I stay and she is (like most Brazilians) indeed quite a talker. In fact, she hardly ever stops except when one night, after dinner in an excellent fish restaurant, she heard sounds across the street that I couldn't place (she could) and said, let's go see that. It was a dance studio where about five young women under the guidance of an impressive teacher who radiated a stunning intensity were dancing flamenco. Powerfully, animatedly, and sensually. And very much in control. A celebration of the moment. I've rarely felt so present, and I'm grateful for experiencing these moments, they were truly exceptional.

The Freedom Fable

2012-01-01T00:01:00.000+01:00

We have embraced this fable since we were first able to understand the simplest ideas. We, as children, have been taught that we are a nation of free people that provides liberty and justice and equal opportunity for all. By the time we have become adults we innocently laud this false freedom, and in its name we become free only to impose all nature of pain and misery on the poorer slaves who themselves have come to believe they are inferior by reason of their inability to acquire their fair share of the promised life. And we support evil wars against other slaves in other lands in the name of their freedom but which wars, in the end, are fought by our children who bleed and die to enrich our master.

Into it.

This reminds me of a discussion I had with an international relations lecturer. They thought the invasion of Afghanistan was just, and a good idea. I was less than enthused. The consequences of war are always civilian casualties, the common folk suffer, the Islamists, yeah some die, some escape, some hide. The commons have to deal with destroyed infrastructure, rampaging armies, bombs missing their targets, bombs deliberately hitting them when they are assumed to be targets.

So that is how a certified and paid lecturer sat in class and told me the death of non-combatants, the destruction of a country was a-okay. I barely passed the unit.

From http://gerryspence.wordpress.com/

Orange Perspectives

2011-12-28T00:01:00.002+01:00

Brasilia - Chandigarh

2011-12-25T00:01:00.013+01:00

There are books I have decided to like before I have even opened them. How come? I do not really know for I haven't a clue how the unconscious works. Yet sometimes there are indicators. In the case of Iwan Baan's Brasilia - Chandigarh, Living with Modernity: the fact that Brasilia (although I've never been there, physically that is) has always fascinated me; that there is a city in India that also originated from the drawing board (that was new to me); and the fabulous idea of publishing photographs of these two sites in one tome (the book was initiated by Lars Müller). And, last but not least, I do admire the work of Niemeyer and Le Corbusier.

From Cees Noteboom (Ex Nihilo: A Tale of Two Cities) I learn that Washington and Canberra were also built from scratch as were Palmanova (in the province of Udine, at the end of the 16th century) and Sabbionetta (built between 1554 and 1571 in the province of Mantua): these were "planned cities, almost abstract places that would escape any rivalry from that which already existed, cities from which the country would be ruled."

When in Southern Brazil, in 2009, I played with the idea of visiting Brasilia but was told that since I was without a car this would not be a good idea. In the words of Noteboom: " ... walking was not the simplest way to get around, as it is in some old cities ... The scale was vast and the distances were a challenge in the heat. My own, human proportions cowered at the violence of these dimensions". What he also detected was this: "From afar, the cathedral, the National Congress Building and the Planalto Palace looked like wondrous sculptures, they had something breathtaking about them. There was something else I hadn't expected: not only the human element, but also the effect of nature. In architectural blueprints, no grass grows between the stones. The concrete shows no sign of efflorescence and rust is not part of the design. People in architectural sketches are faceless outlines ..." Right, so in photographs from real life we then would expect to see signs of efflorescence and rust, signs of life that is? Yes, we would and we do.

By the way, Noteboom's text is not least notable because it also refers to the photos found in the book – and that is rare for texts in photo books.

The town of Chandigarh lies in northwestern India. "Modern architecture was to play a key role in a fundamental transformation of traditional Indian society, and Chandigarh would serve as the stage upon which this development was set in motion", writes Martino Stierli in "Monuments to Modernity". The project was criticised already early on "for its poor adaption to the realities of everyday Indian life and to prevailing cultural conditions". Whenever I come across such arguments I feel like quoting myself: "... we are not condemned to expect from the world what our culture has told us. The culture we grow up in is not a static entity, neither is our identity fixed once and for all." (Hans Durrer: What is Intercultural Communication?)

How does life in the two cities (actually: in Iwan Baan's photographs of the two cities) present itself? Do the similarities or the differences prevail? It's hard to say: one day I saw (I concentrated on) the differences (Chandigarh full of people, Brasilia almost devoid of them), the next day I saw (I concentrated on) the similarities (just a few people in both cities).

"I am most interested in portraying how people are living, thriving, or coping with Modernism today", Iwan Baan says. Did he do this? Is this visible in the photos? I'm not sure. I mean, have a look at the photo below:

I love this pic, mainly because of how the girl in front looks into the camera. But has it anything to do with modernism? Not in my view. But what about the other pics, do some of them show "living with modernity"? In the sense that they show how people appropriate their surroundings, yes, they do.

I do not remember a photo book in which all the photos were to my liking and this tome is no exception. There are many shots that I find thoughtful and asthetically convincing but there are also others that made me wonder why they were chosen. Nevertheless, I had an inspiring time with "Brasilia - Chandigarh" – it made me want to visit these two cities.

Iwan Baan
Brasilia - Chandigarh
Living with Modernity
Lars Müller Publishers 2010

La Ruta del Sol

2011-12-21T00:01:00.006+01:00

Im Jahre 2010 machte sich der Fotograf Frank Gaudlitz nach Südamerika auf, um dort für mehrere Monate auf den Spuren Alexander von Humboldts zu reisen. Finanziell unterstützt wurde das Projekt durch Juergen Ebeldinger, der im Vorwort zu diesem schön gemachten Band schreibt, Gaudlitz schaffe es, „dass wir seinen Bildern glauben, weil sie ehrlich und authentisch sind“.

Da ich nicht wirklich weiss, was ein ehrliches und authentisches Bild ist, vertiefe ich mich in die in diesem Buch abgebildeten Aufnahmen und sehe abwechselnd Landschaftsansichten in schwarz/weiss und Porträts in Farbe – mir gefällt das Konzept.

Die Sonnenstrasse führt durch Kolumbien, Ecuador und Peru; von den Bildern erfahren wir, wo sie aufgenomen worden sind und was sie abbilden. Hier etwa: María Arcelia Rodríguez, 76 und César Efraín Calderón, 73, im kolumbianischen Chillanquer.

Neben den Landschaftsaufnahmen finden sich meist Auszüge aus Humboldts Reisetagebuch aus den Jahren 1801 und 1802. Zur Besteigung des Chimborazo in Ecuador notiert er: "Man trifft keine Indianerin an der Hauptstrasse, die nicht damit beschäftigt ist, Baumwolle zu säubern oder zu spinnen. Und wie würde sich dieser Industriezweig vermehren, wenn diejenigen, die arbeiten (die Indios) durch den Genuss der Früchte ihrer Arbeit angespornt würden. Aber leider! Sie sind Sklaven, ohne Freiheit, ohne Eigentum und ohne eigenes Werkzeug."

Die Porträtaufnahmen sind gestellt, die Abgebildeten setzen sich in Szene. Ein freundliches Gesicht machen nur wenige. Hat der Fotograf den Abgebildeten vielleicht Anweisungen gegeben, nicht zu lachen, möglichst ernst dreinzuschauen? Die Sonnenstrasse scheint eine wenig sonnige, sondern recht triste Sache – jedenfalls auf den Fotos von Frank Gaudlitz.

Matthias Flügge erläutert in seinen „Anmerkungen zu den Fotografien von Frank Gaudlitz“, wie diese zustande gekommen sind: „Wie schon zuvor hat Frank Gaudlitz auch hier selbst oder durch Vermittlung von Begleitern Menschen um ihr Bild gebeten. Die, die zustimmen, stellen sich vor die Kamera. Diese baut der Fotograf in einem solchen Abstand von ihnen auf, dass sie die ganze Figur und einen gut erkennbaren Teil des umgebenden Raumes erfasst. Gaudlitz fotografiert in leichter Untersicht vom Stativ und schaut durch einen Schachtsucher von oben in die Spiegelreflex-Kamera. Das heisst, er verbirgt sich nicht hinter seinem Apparat, der Blickkontakt von Fotografiertem und Fotograf bleibt erhalten.“

Und weiter führt Flügge aus: "Frank Gaudlitz gelingt es, ein gegenseitiges Vertrauen herzustellen, dass es den Menschehn ermöglicht, auf den Bildern die zu sein, als die sie sich gerne sähen. Auch wenn uns manches fremd – im Wortsinn eigentümlich – erscheint: Die Empathie des Fotografen überträgt sich auf die Menschen, mit denen er in Beziehung tritt."

Woher will der Mann das bloss wissen? Sehen kann er das nämlich nicht und zeigen können das die Aufnahmen schon gar nicht. Mit anderen Worten: Menschen, die sich fotografieren lassen, präsentieren sich so, wie sie es wollen – und das kann was ganz anderes sein, als es sich der Fotograf vorgestellt haben mag. Im Falle der hier gezeigten Fotos wundert man sich (genauer: ich wundere mich), dass Menschen so gezeigt werden wollen – wollen sie sich wirklich so sehen? Ich nehme es an und fühle mich davon berührt. Es sind Aufnahmen, die mir von Zutrauen und Hingabe, von Verletzlichkeit, von Menschlichkeit geprägt scheinen: schön, dass es sie gibt.

Frank Gaudlitz

Sonnenstrasse / La Ruta del Sol
Hatje Cantz, Ostfildern 2011

Swiss Hitchhiking

2011-12-18T00:01:00.010+01:00

Two days ago, the train in which I was riding home from work all of a sudden came to a standstill - a heavy storm had disrupted the electrical feeding. An announcement let us know that there should be a bus station nearby. Most passengers began to get off the train. I heard a military officer saying to a lady who seemed to travel in the same direction that I did that maybe we could find a taxi. I approached him and told him that I would also be interested in sharing a taxi.

It was dark, and raining, and windy, when we started to move in the direction of a hotel from where we wanted to order the taxi. When we learned that it would take at least half an hour for the taxi to arrive, we opted for hitchhiking.

Now imagine this: three people in their fifties - an elegantly clad lady, a military officer in uniform and a guy wearing cowboy boots, leather jacket and jeans - hitchhiking after dark in the rain on the main street of a Swiss village. Needless to say chances that somebody would give us a ride were extremely remote.

Car after car, some big and spacious, drove by. Most of them were empty save for the driver. As expected, none of them stopped. But then, after about ten or fifteeen minutes, an old and rather small car with most of its seats packed with stuff, did stop. It belonged to a young woman who asked whether the three of us could manage with the remaining space. We could. When we told her where we needed to go in order to catch our connecting train, she took us there although it wasn't exactly on her way home.

On a day like this life in Switzerland feels good.

In Sinimbu

2011-12-14T00:01:00.001+01:00

On a recent walk along the Rhine – it was a sunny autumn day – , all of a sudden and totally out of the blue, Sinimbu came to mind. Sinimbu is a small town in the Brazilian state of Rio Grande do Sul that I happened to visit a few times when I was teaching English in the nearby town of Santa Cruz do Sul.

What triggered it? No idea really. I can only describe what came to mind.

An impressive church at one end of the town and another impressive church at the other end. An interesting talk in German with the pastor of one of the churches who told me of an exchange programme that gave youngsters in the area the chance to spend a year in Germany.

A warm welcome in the home of one of my students, picking oranges, a wonderful yellow flower called Moreia next to the museum of the casa Engelmann.

And then there was this incidence at the gas station. Southern Brazilians often meet at gas stations where they eat, chat, drink beer, and show off their cars. In Sinimbu, they were having a barbecue! I could even see flames rising from the grill! Nevertheless, I'm sure that gas station is still standing ...

36 Hours

2011-12-11T00:01:00.007+01:00

"36 Hours" is a column that was first published in The New York Times in 2002. It is a guide to getaway weekends in the USA and Canada. "It takes readers each week on a carefully researched, uniquely designed two-night excursion to an embraceable place. With a well-plotted itinerary, it offers up an experience that both identifies the high points of the destination and teases out its particular character", writes editor Barbara Ireland.

"Every 38 Hours follows a workable numbered itinerary," I learn and that "the itineraries do not all follow exactly the same pattern". In other words, this is a practical guide that does not fail to point out that "it is inevitable that some of the featured businesses and destinations will change in time".

I first checked out some of the cities I've been to – only to discover that most of the places mentioned I had not even heard of. And that is exactly what makes this tome useful: it gives you hints and points to potential discoveries. It goes without saying that it at the same time is excellent advertising for the businesses mentioned.

36 Hours is also a picture book and the photographs are most impressive. In fact, most of the time that I spent with this tome I did actually look at the photographs. And, some of them I now can't get out of my mind: The Salt Lake City Public Library, the Quadracci Pavillion at the Milwaukee Art Museum and Homer, Alaska, "a city of about 5,000 people on the Kenai Peninsula" that has been called "the End of the Road, the Halibut Fishing Capital of the World, and the Cosmic Hamlet by the Sea".

The New York Times
36 Hours
150 Weekends in the USA and Canada
Taschen, Cologne 2011

Von Deutschen, Türken & Deutsch-Türken

2011-12-07T00:01:00.009+01:00

Beginnen wir mit den Angaben zum Autor auf dem Klappentext:

"Dr. Mehmet Gürcan Daimagüler MPA, geboren in Siegen als Sohn türkischer Gastarbeiter, studierte Jura, VWL und Philosophie in Bonn, Kiel, Witten-Herdecke, Harvard und Yale. Er ist 'World Fellow' der Yale University und 'Littauer Fellow' der Harvard University. Er war Berater der Boston Consulting Group und ist als Rechtsanwalt und Strategieberater in Berlin tätig. Das 'World Economic Forum' in Davos kürte Mehmet Daimagüler im Jahr 2005 auf Initiative des damaligen Bundeskanzlers Gerhard Schröder zum 'Young Global Leader'."

Mit anderen Worten: ein klassischer Streber, ehrgeizig und überangepasst. Doch schauen wir mal, was der Mann zu berichten hat über „das Märchen von der gescheiterten Integration.“

„Die meisten Einwanderer wollen sich integrieren und Teil der Gesellschaft werden.“ Wirklich? Woher will man das wissen? Genau so wenig wie man das Gegenteil wissen kann. Und vermutlich liegt die Wahrheit irgendwo dazwischen: teilweise will man, teilweise will man nicht, und das ist ja auch grundsätzlich okay so, denn so ist der Mensch nun mal.

Mehmet Gürcan Daimagüler ist in Deutschland geboren, träumt auf Deutsch und ist gern Deutscher. Seit 9/11 gehört er jedoch zu den 'ihr Moslems' (vorher zu den 'ihr Ausländer' oder wahlweise 'ihr Türken'). Und natürlich wird er für alle türkischen Missstände persönlich verantwortlich gemacht. Zugegeben, dass sollte nicht so sein. Ist aber eben so, weil der Mensch nun mal, wie Freud einmal an den Schweizer Pfarrer Pfister schrieb, eine wenig erfreuliche Erscheinung ist (ich zitiere aus dem Gedächtnis). Als Schweizer bin ich übrigens auch persönlich für das Bankgeheimnis verantwortlich – und dieses macht gewisse Leute fast noch wütender als „das türkische Kopftuch“. Kurz und gut: mit den Türken oder den Muslimen (unvergesslich die Schlagzeile, sie liegt schon Jahre zurück, in der Münchner AZ: „Muslim erschiesst Landsmann“) haben solche Feinbildzuschreibungen wenig zu tun. Mit Ignoranz hingegen viel – und dagegen gilt es anzugehen, dafür plädiert Mehmet Gürcan Daimagüler.

Im Grunde ist dieses Buch nichts anderes als die Lebensgeschichte des Autors, eine flüssig und anregend geschriebene. Man kann sich gut vorstellen, dass er beim Schreiben auch einiges über sich selber gelernt hat. Seine Offenheit und Ehrlichkeit sind beeindruckend: „Auch hier fehlte mir einfach die Souveränität zu sagen: Es ist mir egal, was andere von mir denken. Und auch ebenso gleichgültig, ob sie mich für einen totalen Verlierer oder für den Allergrössten halten. Mach einfach, worauf du Lust hast. Das Dumme war nur, dass ich so damit beschäftigt war, mir Gedanken darüber zu machen, ob ich „dazu gehöre“ oder nicht, dass ich total vergessen hatte, was ich eigentlich im Leben erreichen wollte, was mein Ziel war. So sehr ich mich auch anstrengte, es wollte mir einfach nicht mehr einfallen.“

Na ja, sein Ziel war offenbar, „dazu zu gehören“. Und genau darum geht es in diesem Buch. Doch dieses „dazu zu gehören“ ist kein 'Ausländer' oder 'Türken' spezifisches, sondern ein soziales Problem, wenn es denn wirklich ein Problem ist, schliesslich kann es ja durchaus okay sein, nicht dazu zu gehören.

Mehmet Gürcan Daimagüler ist Rechtsanwalt und daher von Berufs wegen ein Rechthaber, einer, der auf die Kraft des Arguments setzt. Und dabei gelegentlich die Realität aus den Augen verliert. Wenn er zum Beispiel unter der Überschrift „Multiple Identitäten“ festhält: „Wenn wir aber ernsthaft grundlegende Probleme lösen wollen wie die Jugendkriminalität oder die gesellschaftliche Segregation, dann müssen wir aufhören, Menschen zu labeln und in Schubladen zu packen.“ Nur ist es eben im richtigen Leben so, dass wir ohne Labels und Schubladen gar nicht auskommen. Diese nicht so wahnsinnig wichtig zu nehmen, scheint mir ein praktikablerer Ansatz.

„Kein schönes Land in dieser Zeit“ ist informativ („Die Deutschen sind totale Vereinsmeier. Und die Türken genauso. Deutsch-Türken sind Weltmeister in Vereinsmeierei“), berührend (etwa: wie des Autors Eltern sich kennengelernt haben), aufrichtig und engagiert (er äusserst sich auch zur Gewalt in seiner Familie sowie seinem eigenen Versagen) und gelegentlich witzig (vor der grössten Nervenheilanstalt der Türkei steht vor dem Eingang „ein riesiges Replikat von Rodins 'Der Denker'“). Ich habe es gerne und mit Gewinn gelesen, auch wenn Sätze wie etwa dieser: „Strukturiert vorgegangen ist jedes noch so grosse Problem rasch lösbar, nicht nur in Jura, sondern überall“ von einer Zuversicht geprägt sind, die sensibleren Menschen etwas arg simpel vorkommen mag.

Mehmet Gürcan Daimagüler

Kein schönes Land in dieser Zeit
Gütersloher Verlagshaus, Gütersloh 2011

Sarganserland

2011-12-04T00:01:00.000+01:00

Copyright @ Hans Durrer

These photographs were taken in October 2011.
The difference between what I saw and what I was able to record does not cease to baffle me. And what you now see is of course again another story.

Under the Nordic Light

2011-11-30T00:01:00.002+01:00

Why am I shown (often but not always) strikingly similar pictures next to each other? I wondered when for the first time leafing through the pages of this tome. Yet the more I scrutinised the pics, the more I started to see the differences. Sometimes they seemed rather minimal, sometimes I asked myself whether I was really looking at the same site. It all felt at times a bit like being challenged: Find out what's wrong with this picture!

But then I learned from Petra Giloy-Hirtz' introduction that "for four years, Becker sought out certain sites over and over again, observing them for days at a time to find out what was typical about them, yet unique and previously unseen." I briefly wondered how one can know what was previously unseen, and by whom, but was then told that "the results are landscape photographs of great beauty, of an untouched and magical nature seemingly from a distant cosmos. And photographs from a changing landscape: cultivated or damaged by human hands".

The only permanent thing is change, the Buddhists say, and this is precisely what Olaf Otto Becker and Hatje Cantz are showing us by juxtaposing photographs of the same site but from a different time. To demonstrate this by using "untouched" nature makes it especially convincing. And fascinating.

Copyright @ Olaf Otto Becker / Hatje Cantz

There is also another kind of pictures to be found in this book. Products of our man-made world. To me, they look totally unreal. They do not seem to belong, they appear as if from outer space. I felt touched by them, I saw them as testimony of how lost we are in this world.

Judging from Gloy-Hirtz intro, Becker had other things in mind when taking these shots. For him they seem to document how "heedlessly" we treat nature. Not that I disagree, I just happen to read his photographs differently.

Olaf Otto Becker
Under the Nordic Light
A Journey through Time / Iceland 1999-2011
Hatke Cantz, Ostfildern 23011
www.hatjecantz.de

Mexicans & Orientals

2011-11-27T00:01:00.005+01:00

The Mexican not only does not open himself up to the outside world, he also refuses to emerge from himself, to „let himself go“.

The impression we create is much like that created by Orientals. They too – the Chinese, the Hindus, the Arabs – are hermetic and indecipherable. They too carry about with them, in rags, a still-living past. There is a Mexican mystery, just as there is a yellow mystery or a black.

Octavio Paz: The Labyrinth of Solitude

Lukas Felzmann: Swarm

2011-11-23T00:01:00.005+01:00

Copyright @ Lukas Felzmann

My main bird-connection is this: In the morning, I regularly put bread crumbs on my balcony. Shortly afterwards quite some birds arrive. Sometimes, in the middle of their picking up crumbs, they all of a sudden, and without an apparent cause (at least for me), leave, all of them together.
My other bird-connection has to do with my occasionally observing swarms: it is a spectacle that fascinates me. It has so far never occurred to me to relate birds to sounds but when reading Peter Pfrunder's introduction to Lukas Felzmann's Swarm, I wondered how it was possible that this had escaped me.

Copyright @ Lukas Felzmann

"We hear them flapping, we hear them screeching. Sometimes quieter and softer, sometimes more intense and more shrill, then the clamor ebbs away into a distant, background noise – and then rises again suddenly ... It might sound like a paradox, but viewing the Swarm photographs of Lukas Felzmann is also an acoustic experience." Although I like this thought, in my experience it mostly is not – nevertheless, I will keep on trying.

Spending time with this tome essentially means to be left wondering for, as Peter Pfrunder rightly states, "the signatures that the birds write in the sky don't allow any kind of clear interpretation." Unfortunately, he then proceeds to give us exactly this kind of interpretation by saying that the photographer "collects signs, bestowed on him by chance – mysterious hieroglyphics for an imaginary archive. And he invites us to read these symbols as aesthetic figures, as a language of the unconscious."

I beg to differ: We are neither shown signs nor symbols, we are shown birds in fascinating formations.

Copyright @ Lukas Felzmann

On the other hand, interpret we must – there is no communication without interpretation. The one that Gordon H. Orians contributes in "The Significance of Grouping in Blackbirds" is especially useful for it is based on observations. I learn that flock movements follow rules that are different from our own social lives – there is no leader.
And then there's Deborah M. Gordon's convincing text "Control without Hierarchy" that extends this point by concluding: "Although we are so accustomed to hierarchy that we think of it as necessary, it is rare in nature."

This could indicate that our obsession with hierarchy might be caused by ego, not by natural necessity.

Also: Lukas Felzman reports how his photographs came about – this is helpful information for it gives the viewer the chance to participate in the photographic process. By the way, most of the birds shown in this tome are red-winged blackbirds and their flight differs from the one of starlings that Felzman had observed in Europe.

And now, just look and see.

Lukas Felzmann
Swarm
Lars Müller Publishers, Baden 2011
www.lars-muller-publishers.com

Anweisungen für den Koch

2011-11-20T00:01:00.004+01:00

Es gibt Bücher, die will man, kaum hat man ein paar wenige Seiten gelesen, unverzüglich weiterempfehlen. Dazu gehört Bernard Glassmans Anweisungen für den Koch. Weil man da so wunderbar nützliche Sätze findet wie etwa diesen: „Der wahre Zen-Koch benutzt, was vorhanden ist, und macht das Bestmögliche daraus, statt sich darüber zu beklagen, was er alles nicht hat, oder dies als Entschuldigung dafür anzuführen, dass das Resultat seiner Bemühungen so kläglich ausgefallen ist.“ Hinzuzufügen wäre höchstens, dass man dafür so recht eigentlich nicht unbedingt ein Zen-Koch zu sein braucht – jeder gute Koch tut das.

„Nothing special“ hat Charlotte Joko Beck eines ihrer Bücher über Zen genannt. Das gilt auch für die „Anweisungen für den Koch“. Eigenartigerweise macht genau dieses „nothing special“ diese Anweisungen speziell – weil wir nämlich immer nach dem Aussergewöhnlichen suchen und wer sucht, der macht, so Krishnamurti, bestenfalls einen Schaufensterbummel ...

Dass sich der Autor dabei besonders gut auszudrücken weiss (oder liegt es an der Übersetzung?), kann man allerdings nicht sagen:

„Ich wollte mein Verständnis von Zen als Leben darzulegen („darlegen“, sollte das wohl heissen), so wie es auch mein Lehrer Maezumi Roshi immer gelehrt hatte, ein Leben, bei dem wir zu allen Zeiten aufgerufen sind, voll zu leben, und unsere Praxis darin besteht, das Glas, das immer wieder schmutzig wird, zu putzen, statt es nicht zu benutzen, und in dem wir unsere Klarheit von der Einheit des Lebens durch unser tägliches Handeln manifestieren.“

Wesentlich besser drückt er es hier aus: „Der Vorgang des Reinigens verändert den Koch ebenso wie die Räume, die gereinigt werden, und die Menschen, die in diese Räume kommen – das gilt für eine Meditationshalle wie für ein Wohnzimmer, eine Küche und ein Büro. Deshalb spielen in Zen-Klöstern Reinigungsarbeiten eine so wichtige Rolle. Dabei ist unwichtig, ob etwas unserer Meinung nach schmutzig oder sauber ist. Wir reinigen einfach alles.“ Der Grund: wer die Küche reinigt, reinigt den Geist.

Die „Anweisungen für den Koch“ postulieren, sich auf die Realität, auf das Hier und Jetzt, einzulassen. Und dazu finden sich in diesem Buch, ausgehend von dem zentralen Prinzip, dass alles miteinander verbunden ist und nichts völlig unabhängig existiert, viele praktische Anregungen. Wie man mit der Bürokratie umgehen soll, zum Beispiel. Oder wie wir durch Angst lernen können. Keine abgehobene Esoterik also, sondern am Realen ausgerichtete praktische Lebenshilfe. „Es ist ungeheuer wichtig, dass wir aus dem spirituellen Bereich immer wieder in die gewöhnliche Welt zurückkehren und darin arbeiten.“ Und das tut man, indem man sich mit den Details beschäftigt, von denen Maezumi Roshi einmal gesagt hat: „Es gibt nichts anderes als Details.“ Ein andermal hat er es so formuliert: „Kleinigkeiten sind nicht klein.“

Wesentlich ist: „Warte nicht, bis du erleuchtet bist.“ Und dies meint: Nicht der Experte ist gefragt im Zen, sondern der Anfänger, denn nur der, der noch nicht allzuviel weiss beziehungsweise viel Wissen angehäuft hat, ist fähig, die Dinge zu sehen, wie sie sind.

„Wir müssen uns von der Vorstellung lösen, dass wir irgendwann einmal keine Probleme haben werden. Erst wenn uns dies gelungen ist, können wir uns mit den wirklich wichtigen Fragen unseres Lebens beschäftigen.“

Was einem dieses Buches unter anderem auch klar macht, ist, dass Zen, wie es Glassman versteht, „sich in vielem an der amerikanischen katholischen Arbeiterbewegung“ orientiert und damit ganz wesentlich soziale Praxis ist. Und die ist schwierig: „Ein Zen-Schüler, der Reiche ablehnt, leidet unter dem gleichen Problem wie ein Reicher, der den Zen-Schüler ablehnt“, behauptet Glassman. Wirklich? Wer bereit ist, sich mit solchen Argumenten auseinanderzusetzen, ist mit diesem Buch bestens bedient.

Summa summarum: eine bereichernde und hilfreiche Lektüre.

Bernard Glassman

Anweisungen für den Koch
Lebensentwurf eines Zen-Meisters
edition steinrich, Berlin 2010
www.edition-steinrich.de

The Nigerian Mindset

2011-11-16T00:01:00.000+01:00

Edun said, „This is the mindset here. I did not have it as I was brought up and educated outside the country, but I soon picked it up. People often say to each other, 'You can be anything here. You can reach any height.' And this mindset is our great strength.“

But Edun, growing up in England, was spared the other side of the Nigerian mindset, the side that fell down a deep well into ancient beliefs and magic, the side that resisted rationality.

V.S. Naipaul: The Masque of Africa

Swiss Autumn

2011-11-13T00:01:00.005+01:00

Southeastern Switzerland, autumn 2011
Copyright @ Hans Durrer

These photographs were taken with a digital camera (a Samsung L77).

The other day, I came across this on the internet: „One of the things about digital cameras that makes them so appealing is the little LCD screen display on the back of them.“
I must admit that I do find the screen display on the back rather disconcerting, I'm never really sure what exactly I'm framing and so to photograph becomes pretty much an intuitive process – and maybe that's what it should be anyway.

Inside Havana

2011-11-09T00:01:00.016+01:00

Let me confess: I approached this tome with a certain amount of scepticism for I've been often to Havana and didn't think it appropriate for the kind of coffee-table book that I expected ... „the charm of a decaying city ...“ and stuff like that. This one however is not of that kind.

Copyright @ Taschen

Okay, a coffe-table book it is. And a remarkable one at that. That comes hardly as a surprise for Taschen-books are almost as a rule remarkable. So why do I feel like pointing it out? Because it shows you a real indoors Havana (some parts of it) and not a polished version of it. That does not mean that what was photographed was not presented in good light – it was! – , that means that we get to see how the interiors of some buildings in Havana actually look. Don't get me wrong, this tome isn't a classical documentary and so you do not get to see Soviet-style apartment blocks or the all-too-familiar shots of a pig in the bathtub. What you however get to see is:

Copyright @ Taschen

An introduction into Cuban ambiance that starts with billboards of Fidel (Patria o Muerte) and Che (Hasta la victoria siempre) as well as a little bit of history (Organización en la Sierra Maestra) presented in the form of a graphic novel, and some basics about Havana.

Then follow a distinguished example of Cuban baroque (La Casa de la Obra Pía), the Palacio de los Capitanes Generales, La Bodeguita del Medio and and and ... good coventional photography, all of it, with an emphasis on place (the people that happen to be in the pictures are shown blurred – in order to not distract from the location shown, I suppose).

Copyright @ Taschen

My favourite shots were the ones where you could see the paint come off the walls (the one above for instance), not least because you would not expect such pics in a coffee-table book.

"Inside Havana" is a truly informative book: you will learn about the hottest spot in town for ice cream (Heladería Coppelia), the Hotel Habana Riviera (where the Mafia met in the 50s and I spent time, in the coffeshop and at the pool, in the late 90s), the Club Náutico (with the most impressive colours) and and and ... the only deplorable thing about this tome is that many of the texts (unfortunately, quite some were printed on strong colours such as red and blue) are barely readable.

Inside Havana

Text by Julio César Pérez Hernández
Photos by Gianni Basso / Vega MG
Edited by Angelika Taschen
Taschen, Cologne 2011

Ohne Business-Plan

2011-11-06T00:01:00.002+01:00

„Gott, gib mir die Gelassenheit, die Dinge hinzunehmen, die ich nicht ändern kann, den Mut, die Dinge zu ändern, die ich ändern kann und die Weisheit, das eine vom andern zu unterscheiden.“ Dieses Gebet stand bei meiner ersten Arbeitsstelle auf meinem Pult, mein Vorgänger hatte es da hinterlassen. Damals interpretierte ich es als Rechtfertigung konservativer Politik (Nur keine Veränderungen!), später nahm ich es resignativ (Man kann eh nichts machen), noch später, sehr viel später, entdeckte ich darin das Wörtchen ‚Mut‘.

Das Leben ist schwierig. Und schwer. Und mühsam. Akzeptiert man dies, wird das Leben zu einer Herausforderung. Einer faszinierenden. So habe ich das zum ersten Mal in Scott Pecks „The road less travelled“ gelesen. Und dann wiederum Jahre gebraucht, bis ich diese Wahrheit auch an mich heranliess, sie schliesslich, immer für Momente nur, zu begrüssen begann. Und weiterhin gilt: diese Momente länger werden zu lassen. Schwierig? Mühsam? Natürlich. Sonst wär’s ja ohne Reiz.

Das Vorbild dabei: das Kind, das laufen lernt. Aufstehen, hinfallen, aufstehen, hinfallen und wieder aufstehen. Immer wieder. Und ohne zu klagen. Bis es lernt, aufrecht zu gehen.
Aber eben, der Mensch wird älter und denkt (natürlich, ich spreche von mir, von wem denn sonst?): ein wenig weniger mühsam dürfte es schon sein, auch wenn ich nicht viele, doch immer häufiger, Momente erlebe, in denen ich mit völliger Klarheit weiss, dass alles genauso ist, wie es sein muss.

„The readiness is all“, sagt Horatio.

Aus:
Hans Durrer
Ohne Business-Plan
oder:
Vom Ende des Wartens

Driesch #7
Zeitschrift für Literatur und Kultur
www.drieschverlag.org

Legal men & morality

2011-11-02T00:01:00.002+01:00

Legal definitions had little to do with morality. It was legal to systemically poison the earth and sell arms to Third World lunatics. Politicians who themselves had avoided active service and never had listened to the sounds a flame thrower extracted from its victims, or zipped up body bags on the faces of their best friends, clamored for war and stood proudly in front of the flag while they sent others off to fight it.
The polluters and the war advocates are always legal men, as the Prince of Darkness is always a gentleman.
The John Gottis of this world make good entertainment. The polluters and the war advocates can be seen at prayer, on camera, in the National Cathedral. Unlike John Gotti, they're not very interesting, but they cause infinitely more damage.

James Lee Burke: Last Car to Elysian Fields

Kevin Erskine: Supercell

2011-10-30T00:01:00.009+02:00

Kevin Erskine (*1956 in Sharpsburg, Illinois) witnessed his first big storm at the age of 12. That was in Hoskins, Nebraska (population 284); it was a category 4 tornado with maximum wind speeds of 340 kilometers per hour. Impressed by the force of nature – „I guess my emotions were a mixture of both fear and awe“, Erskine says – he took up photography „and began to document the otherwordly beauty of the vast storm systems that passed over the family farm“, as Richard Hamblyn writes in his introduction. When Erskine had his first pickup truck at the age of 19, he started chasing storms with his large format camera. A selection of the supercells that he captured can be found in this impressive tome.

Erskine does not see himself a a storm tourist. „I do not chase tornados, I'm looking for the beauty in the storm," he was quoted on Spiegel online. And although his photos often look like being taken from very close, he doesn't really go that close: „I'm using lenses with an extreme wide angle. This makes the storms look closer than they were in reality.“

Richard Hamblyn aptly points out that Erskine documents what Emerson called „the ultimate art gallery above.“ With this in mind I began again to spend time with these beautiful, awe-inspiring photographs. I felt entranced, and my horizon enlarged. „As I started chasing this big weather I became addicted to the beauty of it,“ recalls Erskine. „The ever-changing winds result in unique sky sculptures again and again. Capturing this on a large-format camera is almost a humbling attempt to show the grandeur of Mother Nature.“

The other side of this grandeur is shown on the last double-page where one can see the damage caused by a category 5 tornado in Greensburg, Kansas, in 2007 – smart concept!

PS: Don't miss Redmond O'Hanlons wonderful story „Ascension“ on page 54. It starts like this: „Early one morning in Madhya Pradesh in central India a tourist went for a walk. And disappeared. Several days later one of the search parties found his camera ...“

Kevin Erskine

Supercell
Hatje Cantz, Ostfildern 2011

Socotra

2011-10-26T00:01:00.007+02:00

The other day, when surfing on the interent, I came across the photographer Claudius Schulze and his book „Socotra“ http://lonely-island.com/. I thought the shots stunning and couldn't take my eyes off them. At first I did not bother reading the accompanying text (and that is what I usually do for I want to know what I'm looking at), I simply looked and looked and looked. I surmise this had mainly to do with the impressive colours, and the extraordinary light ... and of course, as always, with reasons that I'm not really aware of ... and then there was also this absolutely fabulous shot on pages 104/105 ...

When I asked Claudius to send me a pic of his choosing (see the one above; I would have chosen completely different ones) and to let me know how it came about, he wrote: „I spent many weeks on the island working on the book. I lived with the natives, shared their rude houses and simple lifestyle. Up in the mountains, semi-nomadic bedouins live. They herd goats on the inaccessible slopes of the Hagghier around their villages. Once, I hiked for several days. When I stayed a night in a small hamlet on Skant they welcomed me with a feast. Late afternoon, the men went out to catch a goat for slaughter. They were running very swiftly over the slopes and I had troubles keeping pace. I will remember the moment for life - the biblical scene, the golden light, the gorgeous landscape – all added up to an intensive otherworldly impression.“

For more infos, go to http://claudiusschulze.com/

Bilder-Propaganda

2011-10-23T00:01:00.001+02:00

Am 21. Juli 2010 erfuhren die Nachrichtenkonsumenten weltweit, dass das Foto, das am Wochenende zuvor auf der Website von BP zu sehen war und zeigte, wie Mitarbeiter in Houston, die auf zehn gigantische Videoschirme mit Bildern von den Ereignissen unter Wasser blicken, gefälscht war. Zwei der Bildschirme seien in Wirklichkeit leer gewesen, erkärte BP-Sprecher Scott Dean und führte aus, ein Fotograf des Konzerns habe das Bild mit Hilfe von Photoshop verändert. In der Folge wurde auch das Original veröffentlicht. BP-Sprecher Dean sagte, der Fotograf habe nur seine Photoshop-Kenntnisse unter Beweis stellen wollen. Die Mitarbeiter seien angewiesen worden, das Bildbearbeitungsprogramm nur für Veränderungen wie Farbkorrekturen oder das Erstellen von Ausschnitten zu verwenden.

Kurz darauf berichtete die Washington Post von weiteren manipulierten Bildern auf der Website des Konzerns. Wiederum war es ein Blogger, der die Fälschung entdeckt und veröffentlicht hatte: Ein Foto auf der Webpage von BP zeigt das Cockpit eines Hubschraubers. Der Blick durch das Fenster zeigt Einsatzschiffe auf dem Meer, die, so muss man anehmen, mit Aufräumarbeiten beschäftigt sind. Das Foto vermittelt den Eindruck, dass sich der Helikopter in der Luft befindet, doch das tut er nicht: Die Farbabstufungen wirken unrealistisch, zudem hat der Blogger in einer Ecke des Fotos einen Teil eines Kontrollturms ausgemacht und daraus gefolgert, dass sich der Hubschrauber bei der Aufnahme gar nicht in der Luft, sondern am Boden befand. Und genau so war es auch, wie BP schließlich zugab.

Spiegel online bezeichnete diese Manipulationen als "PR-Panne", die Wiener Kronen Zeitung sprach vom einem "PR-Debakel" und man darf annehmen, dass wohl die meisten Betrachter dieser Fälschungen diese Einschätzung teilen. Doch eine solche Sichtweise ist irreführend, ja sie ist falsch, denn Bild-Fälschungen sind, im Kontext dieser Ölkatastrophe, zuallererst Lügen und die Leute bei BP, die dafür verantwortlich sind, sind keine PR-Leute, sondern zynische Lügner. Aber ist das nicht sowieso das Gleiche?

Nun, die Wahrheit ist bekanntlich ein weites Feld. Angesichts der Tatsache, dass wir alle wissen, dass mit Fotos gelogen werden kann und häufig auch wird, ist es jedoch einigermaßen erstaunlich, dass wir Fotos überhaupt trauen. Und zwar so lange, bis jemand kommt und uns beweist, dass wir uns getäuscht haben.

Für den ganzen Text, siehe hier

The conjugational formula

2011-10-19T00:01:00.004+02:00

The concept of connotation is often explained by the conjugational formula devised by Bertrand Russell in a 1950s radio interview: I am firm; you are obstinate, he is pigheaded. The formula was turned into a word game at a radio show and newspaper feature and elicited hundreds of triplets: I am slim; you are thin; he is scrawny. I am a perfectionist; you are anal; he is a control freak. I am exploring my sexuality; you are promiscuous; she is a slut. In each triplet the literal meaning of the words is held constant, but the emotional meaning ranges from attractive to neutral to offensive.

Steven Pinker: The Stuff of Thought

Intercultural Competence

2011-10-16T00:01:00.000+02:00

Millions of people, be they business men, diplomats, teachers, laborers, students, immigrants, refugees or aid workers, nowadays live for longer or shorter periods of time in another than their culture of origin. The once clear definitions of ‘us’ and ‘them’ are being blurred (for many); we’re confronted with new challenges, intercultural competence is demanded.
So how does one acquire such competence?

Here is the approach of Knowledge Must, a company with offices in Delhi, Berlin and Chengdu:

„Intercultural competence is something that cannot easily be taught in a lecture-style classroom setting alone. We want our clients to become more aware of cultural differences through a holistic combination of education, training, experience, travel, and work. Ancient scholars such as the Chinese sage Confucius already understood the importance of experiential education: "I hear and I forget; I see and I remember; I do and I understand". Only personal experience through all senses results in a sustainable understanding of other cultures. Learning by doing is the ultimate in intercultural learning!“

Interested in learning more? Check out their site:
http://www.knowledge-must.com/

Moments in Time

2011-10-12T00:01:00.009+02:00

The only permanent thing is change, the Buddhists say. I must admit that I'm rarely aware of it. What helps to become conscious of it is looking at photographs that were taken just moments apart. The ones below were taken by Blazenka Kostolna on 9 October 2011 in Sargans, Switzerland – the weather forecast had predicted a rainy day.

I had originally chosen a different set of images to be displayed. Blazenka however had other priorities – and since these pics show how she sees me, I've decided to put on her selection.

Binyavanga Wainaina

2011-10-09T00:01:00.012+02:00

„Harried reader, I’ll save you precious time: skip this review and head directly to the bookstore for Binyavanga Wainaina’s stand-up-and-cheer coming-of-age memoir, “One Day I Will Write About This Place.” Although written by an East African and set in East and Southern Africa, Wainaina’s book is not just for Afrophiles or lovers of post-colonial literature. This is a book for anyone who still finds the nourishment of a well-written tale preferable to the empty-calorie jolt of a celebrity confessional or Swedish mystery“, Alexandra Fuller wrote in the New York Times. Needless to say, this made me start reading this book with quite some expectations. Were they met? They weren't. Still, this is a good book and definitely worth reading.

Because of its language, its humor, its freshness, its insights. I will come to that in a minute but let me first explain why my expectations were not met. I find detailed accounts of what happened, say, twenty or thirty years ago simply not credible (and also not very interesting). Moreover, I do not warm to made-up stories in „a memoir“ – and to write one at the age of 40 a bit premature. On the other hand, I could have known that before starting the book (it is called a memoir, after all), so why complain?

After quite some pages into the tome, I started to wonder whether others experienced a similar mix of indifference and fascination and learned in the Economist that „a lot of the book consists of previously published essays and travelogues“. That might partly explain why I did not really feel drawn to the author's Kenyan school days, his failed attempts to study commerce in South Africa, his travels around Kenya and to Uganda, where his mother is from. Nevertheless, I like Wainaina's writing style (although I find it more suitable for shorter pieces) and came across lots of fabulous descriptions and insights. Here are some examples:

„Sometimes we like Moi because he fumbles, like all of us. He isn't booming like Kenyatta, or polished and slick like Charles Njonjo. His English stumbles; his Kiswahili is broken and sincere. We have no idea what man and mind he is in his home language, Tugen. That is a closed world to the rest of the country outside his people. We are not curious about that world. We make a lot of jokes about him.“

„It is good to be home. There are potholes everywhere. Even the city center, once slick and international looking, is full of grime. People avoid each other's eyes ... Some people look at my budding dreadlocks and hurry away. I spell trouble: too loud looking and visible. A street kid gives me a rasta salute, and I grin back at him as he disappears between people's legs, a bottle of glue in his mouth, his feet bare and bleeding.“

„If there is a courtesy every Kenyan practises, it is that we don't question each other's contradictions; we all have them, and destroying someone's face is sacrilege. If South Africans seek to fill the holes in their reality through building a strong political foundation, we spend a lot of time pretending our contradictions do not exist.“

When travelling around Kenya, the author comes across „a sign on one of the dusty roads that branches off from the highway, a beautifully drawn picture of a skinny red bird and notice with an arrow: Gruyere.“ Since Gruyère is the name of a Swiss town and a famous cheese, I wondered what this was all about. Binyavanga Wainaina was equally curious and decided to investigate. After a twenty minutes drive on a dusty road, he reaches a tiny village center. „Three shops on each side, and in the middle a large quadrangle of beaten-down dust on which three giant wood carvings of giraffes sit, waiting for transport to the curio markets in Nairobi. There doesn't seen to be anybody about. We get out of the car and enter Gruyere, which turns out to be a pub.“ The owner is Swiss, his wife is Kamba. „We chat, and when I ask her what brought her husband to Mwingi, she laughs. 'You know Europeans always have strange ideas. He is a mKamba now; he doesn't want anything to do with Europe.'“

Binyavanga Wainaina
One Day I Will Write About This Place
Graywolf Press, Minneapolis 2011
www.graywolfpress.org

Hundert Tage Amerika

2011-10-05T00:01:00.008+02:00

Es gibt nur wenige Autoren bei denen ich mir bereits bevor ich das Buch zur Hand genommen habe, gewiss bin, dass mich eine intensive, aussergewöhnliche und bereichernde Lektüre erwartet. Bei den Frauen sind es Janet Malcolm, Alice Munro und Zora del Buono, von deren neuestem Buch „Hundert Tage Amerika“ hier die Rede sein soll.

Bei diesem schön gemachten, im Mare Verlag erschienen Buch, handelt es sich um eine Reisereportage (um eine literarische, habe ich irgendwo gelesen, und mich gefragt, ob es auch unliterarische gibt. Wie auch immer, doch wenn „literarisch“ meint, dass sie gut geschrieben ist – das ist sie zweifelsohne); im Untertitel liest man, dass man von „Begegnungen zwischen Neufundland und Key West“ erfahren wird. „They are very simple over here, sagte mehr als einer in Halifax. Neufundländer gelten als eine Art kanadische Ostfriesen oder Appenzeller, hinterwäldlerisch und einfältig, aber lieb ... Jegliche Verfeinerung urbanen Lebens fehlt, keine Doppelbödigkeiten und kein Chichi, die Dinge sind, wie sie sind: pures Dasein. Nach sechshundert Kilometern und drei Tagen Tischgespräche-Belauschen dann die (simple) Erkenntnis: Frauen reden meist über Kinder, Enkel und Fernsehserien, Männer über Fische.“

Zora del Buono beobachtet nicht nur genau, sie hat auch ein gutes Auge für Skurilles: „Das schottische Ehepaar, sie ganz dick, er ganz dünn, sie reisen mit dem kanadischen Cousin samt Frau, er ganz dick, sie ganz dünn, alle vier sind Wikingerfans, deshalb sind sie hier.“ (...) „Ich bim mit Jim verabredet, dem Besitzer der Lodge ... Doch Jim ist nicht da. Jim war auch gestern Abend nicht da. Er sei beim Fischen, sagt die Frau im anliegenden Restaurant, ein ausgestopfter Elchkopf hinter ihr an der Wand. Es regnet in Strömen, und der Mann ist fischen gegangen.“

Der Text wird gelegentlich unterbrochen mit Sprachübungen wie etwa: „moose – Elch“, oder „Eisberg – iceberg (falsch: ice mountain)“. Auch Fussnoten finden sich ab und zu, zum Beispiel für „Norstead“ ein im Jahr 2000 erbautes Museumsdorf oder für „Elch“, bei dem es sich offenbar um den grössten aller Hirsche handelt. Mir haben diese Unterbrüche und Verweise gut gefallen, weil sie zum einen informativ, und zum andern dem Lesegenuss förderlich waren – es tut dem Auge wohl, wenn ein solch langer Text gestalterisch unterbrochen wird. Über eine Fussnote habe ich mich jedoch geärgert: Moritz Freiherr von Hirsch auf Gereuth sei der „Erbauer der ersten Eisenbahnlinie zwischen Westeuropa und Konstantinopel“ gewesen, lese ich da. Solche Geschichtsschreibung sollte man heutzutage nicht mehr weiterverbreiten, denn erbaut wurde diese Linie zweifellos nicht von diesem Unternehmer, sondern von denen, die für ihn arbeiteten.

Diese Reisereportage unterhält, informiert und klärt auf – ich hatte als Leser das Gefühl an dem vielfältigen Lernprozess, den die Autorin auf dieser Reise gemacht hat, teilnehmen zu dürfen. In Sachen Burka-Tragen, zum Beispiel. Übrigens: auch diesen schönen Satz findet man dazu: „Gegen den Strom schwimmen macht schön, schlank und stark.“

Zora del Buono sei, hat Spiegel Online geschrieben, „eine Erzählerin, die weiss, wie man aus Sätzen Funken schlägt.“ Der Mare Verlag scheint sehr angetan von diesem Satz, weshalb er ihn auch immer mal wieder zu Werbezwecken einsetzt; ich selber halte ihn für irreführend, denn er suggeriert ein sprachliches Feuerwerk und ein solches bietet die Autorin nicht. Was ihr Schreiben stattdessen auszeichnet, ist ein ausgeprägtes Rhythmusgefühl, kompositorisches Geschick, Differenziertheit, Witz, Neugier auf die Welt – man versteht bei der Lektüre von „Hundert Tage Amerika“, dass eine Reportage Kunst sein kann:
„10 000 tote Seeleute. Die Zahl ist ungeheuerlich, und wenn man sich nur kurz die eigene Panik vergegenwärtigt, die einen im Wasser befallen kann (die Erinnerung, wer kennt sie nicht: im Schwimmbad eine fremde Kinderhand auf dem Kopf, die einen nach unten drückt und nicht aufhören will zu drücken; diese Angst vor dem Ersticken, das erleichterte Nach-Luft-Schnappen danach, japsend und beschämt), erscheint das tausendfache Ertrinken im kalten Meer noch viel dramatischer. Sable Island ist das, was man einen Schiffsfriedhof nennt, einen der bekanntesten weltweit, rund 350 Schiffe gingen hier unter, oft war der Nebel schuld.“

Zora del Buono
Hundert Tage Amerika
Mare Verlag, Hamburg 2011
www.mareverlag.de

Fukushima, one month later

2011-10-02T00:01:00.009+02:00

Copyright @ Daichi Koda

Photographer Daichi Koda went to Fukushima a month after a powerful earthquake and tsunami hit Japan and brought much tragedy and loss to Northeastern Japan. It was so devastating that most Japanese couldn't find words for it, they couldn't even cry.

Despite all the useful information provided by various news organisations, Daichi could not really imagine what had happened and was still happening in the affected area. What he was able to learn from the news did not connect to his daily life. He felt he needed to experience the Fukushima-reality himself, not just as a photographer but also as a Japanese.

As expected, he found utter devastation and mostly dead towns. When however he came to the area where entry was banned he encountered people who tried to keep on living on their land, despite the radioactive contamination. Their numbers are increasing.

Daichi took photographs of them. They do not show the terrible catastrophe and incredible tragedy that we associate with Fukushima. Instead they show how people continue to go about their lives on their contaminated land. For them, it is still a land to live on.

For the picture gallery, go to
http://www.daichikoda.com/fla_fukushima/fallout.html

Ways of Perception

2011-09-28T00:01:00.002+02:00

There are loads of books on intercultural communication. I would say it's a jungle out there, and you can very easily get lost, waisting your time with going through piles of worthless reading. Durrer's book is much more than it promises. It goes way beyond visual and intercultural communication. And in that it is a beacon in the jungle. The book will shed light on various verbal and non-verbal forms in which communication takes place and thus, will ultimately make you more aware when you communicate across cultures. But be aware - the prize for being a better communicator is high. It is not about learning in terms of expertise of any otherness but rather of involving yourself, self-awareness, and ultimately self-knowledge. The cocktail you get with Durrer's book is rich both in its depth and linguistic versatility. What a pearl - enjoy!

Norbu on www.amazon.co.uk (4 June 2011)

Hans Durrer
WAYS OF PERCEPTION. On Visual and Intercultural Communication
White Lotus Press, Bangkok, 2006, ISBN 974-4800-92-5
Orders can be made at ande@loxinfo.co.th

How photography transformed the world

2011-09-25T07:54:00.003+02:00

... photography was a profound transformation of the world it entered. Before, every face, every place, every event, had been unique, seen only once and then lost forever among the changes of age, light, time. The past existed only in memory and interpretation, and the world beyond one's own experience was mostly stories. The rich could commission paintings, the less rich could buy prints, but a photograph reproduced its subject with an immediacy and accuracy art made by hand lacked, and by the 1850s it offered the possibility of mass reproductions, images for everyone. Every photograph was a moment snatched from the river of time. Every photograph was a piece of evidence from the event itself, a material witness. The youthful face of a beloved could be looked at decades after age or death or separation had removed that face, could be possessed like an object. Daguerreotypes, which were soon sold in elaborately molded cases with cut-velvet linings facing the image that sat within, were alluring objects. Soon countless were lining up to possess images of themselves, their families, their dead children, to own the past.

Rebecca Solnit: Rivers of Shadows. Eadweard Muybridge and the technological Wild West

Communicating across cultures

2011-09-21T00:01:00.015+02:00

In winter 2009, in a restaurant in Colonia, Uruguay, I was approached by a young man who asked me whether I would like to be sketched by him. Quite automatically I said no. He inquired at another table but didn't appear successful. All of a sudden I changed my mind, got up, and asked him to portray me. It took him between five and ten minutes. We were talking the whole time. He was a journalist, became particularly interested in my thoughts on photography and subsequently wrote a piece about me that was eventually published in the local paper.

A guy in his seventies, sitting at the next table, joined in our conversation which gradually became more animated until the two of them were almost at each other's throat. The reason? It had something to do with politics.

When communicating across cultures, one should refrain from discussing politics, religion and sports, some interculturalists say. That might also be good advice for people from the same culture, one feels like adding. And, what should we talk about then? Up to you, I'd say, and that might of course include politics, religion and sports – for the what is far less important than the how.

Kate Brooks

2011-09-18T00:01:00.008+02:00

Die meisten Fotobücher – und dies schliesst die fotojournalistischen mit ein – zeigen viele Bilder, nicht besonders erhellende Bildlegenden (etwa: Mexiko 1957), wenn es denn überhaupt welche hat, und Texte, die mit den Abbildungen meist nur ganz entfernt zu tun haben (anders gesagt: ziemlich willkürliche Kontextualisierungen). Dass es auch anders geht, zeigt Kate Brooks' „Im Licht der Dunkelheit“ eindrücklich.

Kate Brooks © Newsha Tavakolian

Der Einstieg ist ganz besonders gelungen, weil man nicht darauf vorbereitet (und auch erstaunt und fasziniert) ist, dass ein Band mit Fotos von Kriegsschauplätzen seinen Anfang mit der Schilderung einer englischen Hochzeit nimmt.
Obwohl: Eine besonders begabte Schreiberin ist Brooks nicht, auch intellektuell (im Sinne von detailliert analysierend und hinterfragend) ist sie nicht (jedenfalls nicht in den hier vorliegenden Texten) und genau dies spricht für dieses Buch: in unprätentiöser Sprache wird aufnotiert, was Kate Brooks tut, ihr durch den Kopf geht, sie sich überlegt. Und löst damit ein, was der Untertitel verspricht: „Ein fotografisches Tagebuch seit 9/11“, auch wenn „Kriegstagebuch“ treffender gewesen wäre.

„Am 2. Oktober verliess ich Moskau in Richtung Pakistan. In meinem Rucksack befanden sich einige Kleidungsstücke, meine Kameras, ein Filmscanner und 800 Dollar Bargeld. Für diesen Einsatz waren insgesamt vier Tage veranschlagt.“ Kaum war sie in Islamabad angekommen, kam jedoch alles ganz anders: „Mein Auftrag wurde verlängert, und es sollten bald noch andere folgen.“

Im Dezember 2001 macht sie sich zusammen mit einem Fixer (einer Mischung von Dolmetscher und Mittelsmann, ohne den Ausländer vor Ort meist aufgeschmissen wären) auf nach Afghanistan. Wenig überraschend findet sie sich da immer wieder in Situationen, die ihr Angst einjagen. „Ich stellte mir vor, wie meine Eltern am Boden zerstört erfuhren, dass ihre 24jährige Tochter in den Bergen von Afghanistan getötet worden war, als sie Gott versprach, sie würde mit dem Rauchen aufhören, wenn sie überlebte.“

Es sind Sätze wie dieser, die dieses Kriegstagebuch so überzeugend machen. Dieses Aufschreiben, was ist, aufrichtig und schnörkellos, vermittelt dem Leser eine Vorstellung der Situation vor Ort, wie es Nachrichten und Reportagen, die meist dramaturgischen Gesetzen und den Vorstellungen von Redakteuren in einem fernen Bürogebäude gehorchen müssen, nur selten können.

So schildert Kate Brooks die Auswirkungen einer schweren Autobombe im Irak (oberes Bild): „Ich bog um die Ecke. Die Szene vor meinen Augen war ein Bild des Grauens. Brennende Autos. Verkohlte menschliche Überreste überall auf der Strasse. Ein Mann hielt ein verstümmeltes Bein in die Höhe und blickte mich fragend an, als erwarte er von mir eine Antwort. Hysterische Menschen versuchten voller Hektik, den Sterbenden zu Hilfe zu eilen. Andere waren ausser sich vor Schmerz und versuchten wütend, mich anzugreifen. Ein Polizist verhinderte, dass die Menschen auf mich einschlugen, weil ich Fotos machte, und zwang mich, alle paar Sekunden weiterzuziehen, um ihren Schlägen zu entgehen. Beiläufig liess er seine Erkennungsmarke sehen, die ihn als Polizist auswies.“ Und so liest sich die informative Bildlegende: "Bei einem Autobombenanschlag am Grabmal des Imam Ali in Nadschaf, der stattfand, als die Gläubigen nach dem Freitagsgebet die Grabstätte verliessen, verloren schätzungsweise 135 Menschen ihr Leben. Ziel des Anschlags war ein prominenter schiitischer Geistlicher."

Kate Brooks sind viele eindrückliche und teilweise bewegende Aufnahmen gelungen, die ihre anhaltende Wirkung nicht zuletzt deswegen entfalten, weil sie in Verbindung mit aussagekräftigen Bildlegenden dargeboten werden. Es ist nicht immer einfach, sich auf diese zum Teil furchtbaren Zeitzeugnisse einzulassen, doch es ist notwendig. Wer glaubt, dass sich Bombenangriffe und Autobomben rechtfertigen lassen, sollte sich ansehen, was sie bei dem zehnjährigen Noor Mohammed (ein amerikanischer Bombenangriff im Tora-Bora-Gebirge) und bei der libanesischen Fernsehjournalistin May Chidiac (eine Autobombe) angerichtet haben. „Jeder Fotojournalist“, schreibt Brooks, „trägt zum kollektiven Gedächtnis menschlichen Bewusstseins bei.“ Es wäre schön, wenn es so wäre. Gewiss ist, dass „Im Licht der Dunkelheit“ einen Platz in diesem kollektiven Gedächtnis verdienen würde.

PS: „Ich danke dem späten Tim Hatherington ...“, heisst es unter anderem in der Danksagung. Ich nehme an, dass der Dank in der englischen Originalausgabe an den „late Tim Hetherington“ ging. Und das meint nicht den späten, sondern den verstorbenen Tim Hetherington ...

Kate Brooks

Im Lichte der Dunkelheit
Ein fotografisches Tagebuch seit 9/11
Benteli Verlag, Sulgen 2011

On optimism

2011-09-14T00:01:00.005+02:00

One of his greatest assets is optimism - that is, he sees a profitable outcome in practically every life situation, including disastrous ones. Years ago he spilled toxic pesticide into a cut on his hand and suffered permanent heart and liver damage from it. In his opinion, it was all for the best because he was able to sell an article about the experience ("Would You Die for Your Plants?") to a gardening journal.
Susan Orlean: The Orchid Thief

English Encounters

2011-09-11T00:01:00.004+02:00

Trains from Gatwick to Reading were not running due to a tree on the tracks, passengers were advised to travel via Clapham Junction, the announcement said. It sounded like the tree would be there for quite a while.

I travelled together with a clergyman in his seventies who as a young boy felt attracted by the singing in church. To him, to say mass was a performance, and he loved it. Practising rituals does advance spirituality, he said.

The next day, in a second-hand bookstore in Falmouth, I bought Alan Bennett's „Four Stories“, my first book by this author. One of the stories happened to be about a memorial service and once again I was told that what is taking place in church is a performance: „Whatever else it is“, he had told the Board, „a congregation is first and foremost an audience. And I am the stand-up. I must win them over.“ It was so obvious that I could not stop wondering that I had never thought of it.

When looking for an internet-café, I was told to go to the public library. It was closed. I asked an elderly man who also had wanted to get into the library whether my hotel was in walking distance. It wasn't and he offered to give me a lift. After he and his wife dropped me off at the hotel, I found out that I had been booked into another hotel.

In Reading, people seemed to be from everywhere. I thought the waitress looked Finnish, I asked her whether she was. Finished? she wondered. Are you from Finland? I tried again. Poland, she said. The receptionists of my hotel were from Perú and Argentina, the people running the Thai Corner restaurant very Thai (very sweet, that is), and the English staff at Waterstones helpful but not able to come up with the book I was looking for (Janet Malcolm's "Iphigenia in Forest Hills: Anatomy of a Murder Trial").

In Guildford, the train to Gatwick filled up. A large group of young men, all sporting the same T-shirt and beer cans stormed the until then quiet wagon I was in. Are you some sort of club? I asked the guy sitting next to me. A stag party, the guy over there gets married and so we're going to a beer festival in Cologne. When's your flight? I inquired. At two ten, with Easyjet. Are you on the same flight? Fortunately not, I replied. He and his colleague grinned.

The purpose of the news

2011-09-07T00:01:00.001+02:00

I would argue that the primary purpose of the news derives from the journalists' functions as constructors of nation and society, and as managers of the symbolic arena. The most important purpose of the news, therefore, is to provide the symbolic arena, and the citizenry, with comprehensive and representative images (or constructs) of nation and society.
Herbert J. Gans, Sociologist

Leonardo da Vinci

2011-09-04T00:01:00.008+02:00

Leonardo da Vinci hat mich immer schon fasziniert. Ein Universalgelehrter, kein Spezialist. Kaum vorstellbar im heutigen Zeitalter der Experten, wo man diesen Zeichner, Maler, Bildhauer, Konstrukteur und Naturphilosophen (die Aufzählung ist weder abschliessend noch vollständig) vermutlich als jemanden eingeschätzt hätte, der sich nicht entscheiden könne.

Meine da Vinci Faszination gründet unter anderem auf die Tatsache, dass sich Freud (dem wir die Erkenntnis verdanken, dass der Mensch nicht Herr in seinem eigenen Haus ist – eine Erkenntnis übrigens, die kaum zu Konsequenzen geführt hat) für Dmitri Mereschkowskis historischen da Vinci Roman begeisterte sowie auf den ihm zugeschriebenen Satz aus einem amerikanischen Mediationsbüchlein, der auf grundsätzlich Wesentliches verweist: „Oh Lord, thou givest us everything, at the price of an effort.“ Übrigens: der Mann arbeitete nicht selten 18 Stunden pro Tag.

Copyright@Taschen

Der nun vorliegende zweibändige Überblick „mit großen, ganzseitigen Detailansichten von Leonardos Meisterwerken lässt den Leser die feinsten Facetten seines Pinselstrichs erkunden“ , schreibt der Verlag.

Es gibt bekanntlich ganz verschiedene Arten sich mit Bildbänden auseinanderzusetzen. Ich entscheide mich fürs Erste zum ziellosen Blättern im ersten der beiden Bände, den Gemälden. Meine Augen bleiben bei verschiedenen Madonnen hängen, beim Abendmahl und bei Aussagen wie diesen: „Es gibt vielleicht auf der ganzen Welt kein anderes Beispiel eines solch universalen, solch erfinderischen Geistes, der gleichzeitig so unfähig war, sich selbst zufriedenzustellen, so voller Sehnsucht nach dem Unendlichen, so natürlich verfeinert, so weit seinem Jahrhundert und den folgenden voraus. Seine Figuren drücken unfassbare Empfindsamkeit aus und erscheinen unglaublich durchgeistigt; sie überborden von unausgedrückten Ideen und Empfindungen.“ (Hippolyte Taine, 1866). Mit diesen Sätzen im Kopf gucke ich mir noch einmal das „Porträt der Ginevra de' Benci, um 1478-1480“ an und sehe nun genau das, was Hippolyte Taine mir vorgegeben hat, und zwar ganz besonders gut, weil mir auch grossflächige Ausschnitte davon gezeigt werden.

Band zwei, das zeichnerische Werk, wird von Frank Zöllner und Johannes Nathan kenntnisreich eingeleitet (Band eins von Frank Zöllner). Besonders auffällig ist die enorme Vielfältigkeit sowohl in technischer, formaler als auch inhaltlicher Hinsicht. So finden sich etwa Studien zu Reitermonumenten und Pferden, zu Technik und Mechanik, Architektur, Pflanzen wie auch Zeichnungen zu Anatomie und Kartographie. Speziell beeindruckt war ich von den Gewandstudien. Johannes Nathan weist in seinem Begleittext darauf hin, dass die Zuschreibung von Kunstwerken der Renaissance noch heute Schwierigkeiten bereitet, da im 15. Jahrhundert Werke nicht signiert wurden. Man behilft sich mit Zeichenstil, verwendeten Materialien sowie Quellenzeugnissen.

Die beiden Bände sind in drei Teile gegliedert. Teil 1 behandelt Leonardos Leben und Werk in zehn Kapiteln, wobei alle seine Gemälde eingehend beschrieben und gedeutet werden – eine wunderbar lehrreiche Lektüre. Teil 2 besteht aus einem Werkverzeichnis der Gemälde. Teil 3 ist ein ausführliches Verzeichnis seiner Zeichnungen; eine Auswahl von 663 aus Tausenden ist nach Kategorien geordnet (Architektur, Proportionen, Figuren etc.) aufgeführt.

„Der grosse Leonardo blieb überhaupt sein ganzes Leben über in manchen Stücken kindlich; man sagt, dass alle grossen Männer etwas Infantiles bewahren müssen. Er spielte auch als Erwachsener weiter und wurde auch dadurch manchmal seinen Zeitgenossen unheimlich und unbegreiflich“, wird Freud in Band eins zitiert. Beispiele dafür liefern diese beiden schön gestalteten Bände zuhauf.

Leonardo da Vinci
Band 1: Sämtliche Gemälde
Band 2: Das zeichnerische Werk
von Frank Zöllner & Johannes Nathan
Taschen, Köln 2011

The good photograph

2011-08-31T00:01:00.007+02:00

Photography is a truly democratic medium - anybody can take a good picture. Even chimpanzees can do a good picture, David Bailey once said. And then added, smilingly: "But I can do two." Right. But consider this:

In January 2005, a team of Malian and U.S. photographers guided twenty-two sixth graders from Mali in an exploration of the power of photography through camera basics, then the students put to work their newly acquired skills and portrayed the people and traditions of their community, two small villages 500 miles southwest of Timbuktu, Damy and Kouara. Forty-nine black and white images from the project were on display at the Fowler Museum at UCLA from 19 December 2007 to 11 March 2008 in the exhibition "Visual Griots of Mali." Some of these impressive shots you will find here

It looks like it does not seem to take much to take good pictures - sometimes a bit of guiding will do, sometimes you won't even need that.

So what then distinguishes a photographer from someone who simply is taking good photographs? Working on the images, I remember the angry comment of a student. And the preparation that goes into the picture taking, I would add.

But that surely isn't picture taking, that is picture making.

Well, quite some say, all photography is picture making: what you choose to focus on, what to frame, what film you use, what angle, what light you select etc.

Not so, others argue, this is nothing but the art of taking pictures; making pictures is different, it comes after the picture has been taken, and means to photoshop, or to working on a negative.

Whatever you want to call it: it is possible that an amateur can shoot a perfect picture. So what then is the difference between a good shot of an amateur and a good shot of a professional? There isn't any. Nevertheless, in real life there are only few amateurs who sometimes come up with a good shot.

Since anybody can take a good photo, what then makes somebody a photographer? Well, said one of the students during a workshop on visual literacy in Nykarleby, Western Finland: I can also bake and occasionally come up with new creations yet I wouldn't call myself a baker because of it. Put differently: A baker's life revolves around baking, a photographer's life around photography.

The point is not what somebody is potentially able to do, the point is what (s)he does.

***

I must admit that I'm often not terribly interested in what a photographer wants to show me, what his intention was, or what goal he pursued. I'm more interested in what a photo does to me. In this respect, this picture here
is singular. It hit me, it hurt me, I felt irresistibly drawn to what Roland Barthes called „this mark made by a pointed instrument“. How come? I can't really say but I guess it has something to do with the fact that I grew up in the time of the Vietnam War and always had great sympathy for (and romantic notions of) Southeast Asians. Then I learned that it shows an unidentified child prisoner of the Khmer Rouge, photographed before execution, the date is not known. It was taken by an unknown photographer at the Tuol Sleng torture center. I can't recall another photo (except the one of Kim Phuc) that left me so deeply moved. And, how do I explain that? I surmise it has probably less to do with what the picture shows and more with what I bring to it. In other words, it has to do with the pictures (the film, really) it conjures up in my head, and with what these pictures create – feelings of pity, and of helplessness, the wish to have been able to protect the girl as well as anger, contempt and revulsion towards her executioners.

But is this picture a good photograph?
To me it is – because I can't take my eyes off it, because it touches me deeply, because it makes my mind wander, and wonder. And, because it is one of these rare pics that have left their mark on me, that have become part of my visual memory, and that continue to accompany me.

But couldn't a bad photograph have the same effect?

Only in theory.

Jan Cornelius & Miroslav Barták

2011-08-28T00:01:00.012+02:00

Ich google mich selbst. Wenn ich schlimme Sehnsucht nach meinem Freund habe, google ich auch ihn.
Aus dem Internet-Chat

Google sei Dank bin ich heute nicht nur cleverer, sondern auch gebildeter denn je! Früher wusste ich nicht, wer Goethe oder Mozart waren, aber heute weiß es Google für mich. Wozu sich denn solche Dinge merken, wenn die Wahrscheinlichkeit eines Tages Alzheimer zu bekommen relativ groß ist. Wer es nicht glaubt, der sollte mal Google fragen!

Auch wird mein Alltag durch Google erheblich erleichtert. Heute Morgen zum Beispiel stieg ich aus dem Bett und wusste nicht, wie das Wetter war, weil die Jalousien geschlossen waren. Da schaltete ich den PC ein, gab bei Google den Begriff Wetter plus Wohnort ein, und schon fand ich heraus, dass draußen die Sonne schien. Danach frühstückte ich gemütlich vor dem PC, und da ich ein Mensch bin, der über den eigenen Monitorrand hinausschaut, ergoogelte ich die aktuellen Preise der Butter in Buenos Aires und Sankt Petersburg, und verglich sie mit dem Preis der Butter, die ich mir gerade aufs Brot geschmiert hatte. Ja klar, bei uns war die Butter wieder mal am allerteuersten. Doch immer nur klagen hilft nicht, also ergoogelte ich die Kontaktadresse der Kanzlerin und schickte ihr eine E-Mail-Beschwerde.

Auf der schwierigen Suche nach mir selbst habe ich mich früher des öfteren auf die Couch des Psychoanalytikers gelegt. Wenn ich jedoch heute etwas über mich erfahren möchte, dann frage ich Google, denn, um die Datenschützer zu zitieren: „Google weiß mehr über dich als du selbst“.

Ja, Google weiß alles. Google ist mein bester Freund, und ich verbringe täglich viele schöne Stunden mit ihm, so um die 8 bis 10, daher ist meine Frau ziemlich eifersüchtig. Nun ja. Sorry, dass ich es jetzt so sagen muss, aber Google ist einfach tausendfach gebildeter und unterhaltsamer als sie. Von seinem Bekanntheitsgrad mal ganz zu schweigen. Gestern gab ich den Begriff Google bei Google ein und landete damit sage und schreibe zweimilliardenfünfzigmillionen Treffer. Dann ergoogelte ich meine Frau und landete null Treffer. Wozu sie dann überhaupt noch ernstnehmen? Ich gehe ab jetzt einfach mal davon aus, dass es sie gar nicht gibt.

Jan Cornelius & Miroslav Barták
Über Google, Gott und die Welt
Satirische Streifzüge
Mit Cartoons von Miroslav Barták
Pop Verlag, Ludwigsburg 2011
ISBN: 978-3-86356-017-5

Für weitere Infos über Jan Cornelius, der übrigens auch ein ausgezeichneter Übersetzer ist, siehe http://jancornelius.de/

The path to material success

2011-08-24T00:01:00.002+02:00

So David Truscott, who did not understand x and y, is a flourishing marketer or marketeer, while he, who had no trouble understanding x and y and much else besides, is an unemployed intellectual. What does that suggest about the workings of the world? What is seems most obviously to suggest is that the path that leads through Latin and algebra is not the path to material success. But it may suggest much more: that understanding things is a waste of time; that if you want to succeed in the world and have a happy family and a nice home and a BMW you should not try to understand things but just add up the numbers or press the buttons or do whatever else it is that marketers are so richly awarded for doing.
J.M. Coetzee: Summertime

Eastern & Western Values

2011-08-21T00:01:00.008+02:00

The culture we are born into shapes the way we look at the world. Culture, this work claims, is man-made and tends, on the one hand, to secure the predominant social practises, its function is to stabilise the existing order; on the other hand, it is an expression of what its members aspire to be. The notions of ‘Orientalism’ (how the West sees the East) and ‘Asian values’ (how Asia sees herself) are explored before criteria such as rationality, justice, democracy, individual liberty, separation of church and state, and tolerance, that are generally perceived as European, but also as Western, are examined. Despite them having the same roots, European and Western values vary not inconsiderably because they are interpreted (and practised) not in the same way in Europe and in the US. The reason (also for the differences between Eastern and Western values), it is claimed, lies in the politics of power: differences in values are emphasised and thus enforced for political purposes. Furthermore, cultural values, it is argued, are not ‘naturally’ there, they are constructed ideologies and need to be put back in their place for it is our natural commonalities that (should) essentially matter.

Hans Durrer
"Truth is one, the sages speak of it by many names“
On Eastern and Western Values
Grin Verlag; www.grin.com
ISBN (eBook): 978-3-640-97222-7
ISBN (Book): 978-3-640-97313-2

Alex Webb: Karibik

2011-08-17T00:01:00.017+02:00

.„Die Karibik war und ist Irrtum, Klischee und Projektion. Aus der Sicht derer, die sie entdeckten, wie derer, die sie heute besuchen“, schreibt Nikolaus Gelpke im Vorwort. Wahre Worte, auch wenn sie auf praktisch jede andere Gegend des Planeten genauso zutreffen. Das Klischee will die Karibik als Paradies, doch sie ist nur ein scheinbares und so recht eigentlich kann man dies nicht viel besser illustrieren, als es Gelpke mit diesen Worten tut: „... die Werbung für 'Bounty'-Schokoriegel und das 'Baccardi Feeling' lässt uns glauben, die Glückseligkeit fände sich an den Stränden der Antillen – dabei stammen die Bilder von den Seychellen.“

Die Bilder von Alex Webb sind sehr anders als die Baccardi-Bilder, obwohl auch sie zumeist in Szene gesetzt sind. Bei einigen ist die Inszenierung offensichtlich, bei anderen nicht. Es wäre hilfreich gewesen, etwas darüber zu erfahren, doch dass Fotografen darüber aufklären, wie die Bilder entstanden sind, ist dermassen selten, dass es schon fast als exotisch gelten muss. Der diesem sehr schön gestalteten Band beigegebene Text hat jedoch – es ist dies bei Fotobüchern schon fast die Regel – so ziemlich gar nichts mit den Fotos zu tun, liefert aber einen guten und knappen historischen Überblick.

© Alex Webb/Magnum/Ag. Focus

Die Fotos werden ohne Text und ohne Bildlegenden präsentiert, dem Betrachter wird gerade einmal gesagt, in welchem Land die Aufnahmen gemacht worden sind. Doch für einmal ist dies durchaus gerechtfertigt, denn diese Fotos können in der Tat für sich alleine stehen.

Was macht sie aus? Zuallererst die Farben, diese ungeheuer satten karibischen Farben. Dann Webbs Auge für Komposition – dieser Mann ist ein ungemein talentierter Gestalter, ein Bilder-Arrangeur, ein Regisseur. Beim Betrachten dieser Fotos spürt man, dass man etwas Ausserhalb-des-Gewöhnlichen anschaut und das ist umso bemerkenswerter, weil doch Alex Webb so recht eigentlich ganz Gewöhnliches fotografiert.

Da ich selber schon oft auf Kuba war, habe ich mir die kubanischen Bilder mit ganz besonderem Interesse angeschaut. Und viele der Szenen, auch wenn ich sie so nicht selber gesehen habe, wieder erkannt. Weil Webb einen das kubanische Lebensgefühl erahnen lässt. Andrerseits: hätte ich, wenn es mir nicht gesagt worden wäre, wirklich gemerkt, dass diese Bilder in Kuba aufgenommen worden sind? Hätten sie nicht ebenso gut Haiti,Trinidad und Tobago oder Nicaragua zeigen können? Möglich, der Band heisst ja Karibik, und die Gemeinsamkeiten sind augenfällig

© Alex Webb/Magnum/Ag. Focus

Der Verlag beschreibt die Bilder als "undogmatisch und jenseits von Dokumentation". Mir ist nicht klar, was ein undogmatisches (oder ein dogmatisches) Bild sein soll (das sind nichts anderes als recht willkürliche Zuschreibungen, die mit den Bildern an sich nichts zu tu haben), doch dass Fotos "jenseits von Dokumentation" sein können, scheint mir absurd, denn es ist gerade das Wesen der Fotografie, zu ratifizieren, was sich vor dem Kamerauge befindet - und das ist nichts anderes als Dokumentation, ob inszeniert oder nicht spielt dabei keine Rolle.

Summa summarum: hier wird eindrücklich vorgeführt, wie man mit der Kamera gestaltet. Tut man das so gekonnt wie Alex Webb, kommt dabei eine echte Perle heraus. Das klingt zwar wieder wie so ein typisches Karibik-Klischee, nur eben, es ist es nicht, es ist was ganz anders: Fotografie vom Feinsten.

Karibik
Alex Webb
Herausgegeben von Nikolaus Gelpke
Text von Karl Spurzem
Mare Verlag, Hamburg 2010

A Farang in Bangkok

2011-08-14T00:01:00.002+02:00

After some months in Europe, a Farang (as foreigners of Western descent are called in Thailand) returns to Bangkok (where he lives several months of the year) and meets his Thai friend for lunch. He brings a small present along, since he knows that this is expected. He has heard of the custom that one should never open a present in front of the giver (to avoid embarrassing him in case of obvious disappointment), yet he also knows that not everybody adheres to these ‘rules’. His friend unwraps the parcel and shows herself delighted. Although he’s not sure if she’s really delighted (for he has heard that the Thai have a thousand different smiles. As another Thai friend once put it: ‘the reason the Thai smile so much is because a smile is never out of place’), he is now given his parcel, unwraps it, shows his delight (he likes all Thai gifts) – the ambiance remains relaxed. While they wait for the food to arrive, she asks him about the hotel where he is always staying. He complains about minor things. It is obvious that she does not find it appropriate to complain when meeting for lunch. He stops. The food arrives. She starts commenting on the food. He knows that she expects him to say only things that would not interfere with the process of eating – when eating, one is supposed to enjoy it, that is the Thai way, that is what Thai culture expects him to conform to. Two French men at a table close by are engaged in a lively discussion while at the same time eating. That is the way he is accustomed to, that would be his way of doing things. His friend briefly looks to the other table, frowns, and continues to silently eat her meal, interrupted only by casual comments regarding the dishes on the table. He does the same, he finds the two French men indeed way too loud.

This is a possible illustration of the saying that ‘When in Rome, do like the Romans do’. In other words, do what you think that is expected of you. On the other hand, and this is also what this example, hopefully, has illustrated: intercultural interaction can be a learning process that might direct one to re-think one’s own positions.

Hans Durrer

Ways of Perception. On Visual and Intercultural Communication
White Lotus Press, Bangkok, 2006
ISBN 974-4800-92-5

Pigeon English

2011-08-10T00:01:00.012+02:00

Harri Opoku ist elf, gerade aus Ghana angekommen und lebt mit seiner Mutter und seiner älteren Schwester im 9. Stock eines Londoner Hochhauses. Als eines Tages ein Nachbarjunge auf offener Strasse erstochen wird und sich niemand darum kümmert, beschliesst Harri, zusammen mit seinem Freund Dean, detektivisch aktiv zu werden, denn die Polizei („Die finden doch nicht einmal ihren eigenen Arsch im Dunkeln“) wird den Täter eh nie finden Soweit die Rahmenhandlung.

Die Geschichte, die hier erzählt wird, handelt hauptsächlich davon, wie Klein-Harri die Welt um ihn herum entdeckt. Und das liest sich dann zum Beispiel so: „In England gibt es für alles höllenviele verschiedene Wörter. Damit du, wenn du eins vergisst, immer noch Ersatz hast. Das ist unheimlich praktisch. Schwul, doof und bescheuert heissen alle das Gleiche.“ Oder so: „Früher hat mich beim Fussball nie einer angespielt. Ich hatte gedacht, sie hassen mich. Dann hab ich rausgefunden, dass ich das falsche Kommando benutzt hab. Statt 'Pass!' zu rufen, muss man 'Hintermann' rufen. Abgesehen davon sind die Regeln so wie da, wo ich früher gelebt hab. Vilis spielt mich immer noch nicht an, aber das ist mir egal. Wo er herkommt (Lettland), verarbeiten sie Schwarze zu Teer und belegen damit die Strassen. Das sagen alle. Ich will den Ball von ihm überhaupt nicht haben, soll er ihn doch behalten. Ich mach immer noch die Augen zu, bevor ich den Ball köpfe. Ich kann nicht anders. Ich denke immer, es würde weh tun."

Es sind Harris vielfältige und witzig dargebotene Einsichten, die dieses Buch speziell machen. „Mr Frimpong ist der Älteste in der Kirche. Auf einmal wusste ich, wieso er lauter als alle anderen singt: weil er schon am längsten auf eine Antwort von Gott wartet. Er glaubt, Gott hätte ihn vergessen.“ Oder: „Ausserhalb der Schule brauchst du die Uhrzeit nicht zu wissen. Dein Magen sagt dir, wenn Essenszeit ist. Du gehst nach Haus, wenn du genug Hunger hast, so einfach ist das.“

„Pigeon English“ liest sich über weite Strecken wie eine Sozialsatire, doch man wird den Verdacht nicht los, dass das, was hier beschrieben ist, wohl ziemlich akkurat wiedergibt, wie heutzutage das Aufwachsen in den von Immigranten und Arbeitslosen bevölkerten englischen Vorstädten aussieht. „Von meinem Balkon kannst du nur den Parkplatz und die Mülltonnen sehen. Der Fluss ist nicht zu sehen, weil die Bäume im Weg sind. Du siehst Häuser und noch mal Häuser, Reihen und Reihen davon, wie ein Nest von Schlangen. In den kleineren Wohnungen leben ältere Leute und die Nicht-ganz-Richtigen. (Nicht-ganz-Richtige nennt Jordans Mamma Leute, die sie nicht alle haben. Manche von ihnen werden so geboren, und manche von ihnen sind so, weil sie zu viel Bier getrunken haben. Manche sehen genau wie echte Menschen aus, nur dass sie nicht rechnen oder vernünftig reden könne.)“

Stephen Kelman weiss, wovon er schreibt: er ist in Luton, einem Arbeiterviertel im Norden von London aufgewachsen. Dem Londoner Guardian sagte er: „Für Leser und Autor ist der Aussenseiter (Harri Opoku) ein Instrument, das uns erlaubt, die Welt auf unvertraute Art und Weise zu sehen, und dies ist für mich, worum es der Literatur primär gehen sollte.“

Das ist Kelman mit „Pigeon English“ gut gelungen. Ich bin mir übrigens ziemlich sicher, dass mir bei meinem künftigen U-Bahn-Fahrten dies durch den Kopf gehen wird: „Seid ihr mal in der U-Bahn gewesen? Da sind überall Tausende von Menschen, die alle zu schnell gehen. Sie reden nicht mit dir, sie stossen dich nur aus dem Weg.“

Stephen Kelman

Pigeon English

Berlin Verlag, Berlin 2011

Aficionados of the American desert

2011-08-07T00:01:00.004+02:00

@ Joe Fletcher for The New York Times

Nowadays, most journalism I scan and skim; it is rare that I read a piece from beginning to end. One of these rare pieces has been "In the High Nevada Desert, Sleeping in Star-Surround" by Joyce Wadler (The New York Times, 3 August 2011). Here's how it begins:

Neighbors are few out here in the high desert of Nevada, where Fabrizio Rondolino, an Italian journalist, built his dream home. There was a fellow one lot over who, after reportedly hearing instructions from above, built a chapel. But possibly the voice subsequently hollered down, “Just kidding!” for while the chapel remains, the owner’s trailer is gone. There is also the Shady Lady Ranch, a bordello (legal in these parts) about seven miles down the road. Being an outgoing and friendly sort, Mr. Rondolino took his wife and two daughters, both under 21 at the time, to say hello, soon after they bought their land a few years ago.

“I was locking the car, and my wife and two girls ring the bell,” Mr. Rondolino remembers. “And the guy opened the door, and they saw two girls and a lady.” The man seemed to think they were looking for a job, and he told them several times that no under-age girls were allowed in the house. Then Mr. Rondolino arrived and informed him they were the new neighbors. The man wasn’t very friendly, Mr. Rondolino recalls. He said, “Good luck,” and that was that.

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Diplopie

2011-08-03T00:01:00.009+02:00

Roland Barthes behauptet in seinen Mythen des Alltags von 1957 sowie in Die Fotografie als Botschaft von 1961, Schockfotos (Brände, Schiffbrüche, Katastrophen, gewaltsame Tode aus dem wirklichen Leben), seien „strukturbedingt insignifikant“, hätten also mithin „keinerlei Wert“, vermittelten „keinerlei Wissen“. Das ist ein ziemlicher Schmarren. Clément Chéroux drückt sich gewählter aus: „... um ihm eventuell zu widersprechen, ist es entscheidend, sie in historischer Perspektive zu untersuchen. Man muss sich demnach nicht nur fragen, was sie darstellen, sondern auch ermitteln, durch wen sie verbreitet wurden, mit welcher Kenntnis der jeweiligen Situation, oder wie sie wahrgenommen worden sind.“ Ein einigermassen schwieriges Unterfangen: wie will der Mann nur messen, wie Bilder wahrgenommen werden?

Es sei gleich gesagt: ich bin dieses Buch mit einiger Skepsis angegangen. Zuerst einmal verstand ich den Titel nicht. Diplopie stamme aus der Medizin und meine „doppelt sehen“, so der Autor: im Falle des 11. September beziehe sich das auf die endlosen Wiederholungen der immer gleichen Bilder. Trotzdem, einen gelungenen Titel kann ich das nicht finden. Dann störte mich, dass in der Bibliographie David Friends Watching the World Change. The Stories Behind the Images of 9/11 fehlt. Das fand ich nicht nur erstaunlich, sondern befremdlich, zumal dort vieles, das in Diplopie angesprochen wird, eingehendst behandelt wurde – meine Einschätzung von Friends Buch findet sich hier

Doch zu Diplopie: Chéroux stellt, wenig überraschend, eine Gleichförmigkeit der Berichterstattung fest. Die Zahlen überraschen dann aber doch: „86% – also fünf Sechstel – der Darstellung der Attentate auf den Titelseiten der amerikanischen Zeitungen vom 11. und 12. September in nur sechs Bildtypen erfolgte, die sich auf dreissig verschiedene Bilder verteilten.“ Allgegenwärtig dabei war die Rauchwolke. Die Uniformität beschränkte sich übrigens nicht auf die amerikanische Presse – die bestimmenden Bilder auf den Titelseiten der arabischen Zeitungen waren dieselben.

„Eine Fülle von Bildern und das Gefühl, immer dasselbe zu sehen“, kommentiert Chéroux treffend. Nun war es ja nicht so, dass ein Mangel an Fotos geherrscht hätte. Ganz im Gegenteil. Wohl selten wurden an einem Tag so viele Bilder geschossen. „In der Stunde nach dem ersten Schlag, haben wir zwischen 60 und 100 Kameras verkauft“, berichtete der Geschäftsführer eines Drugstores in unmittelbarer Nähe der Zwillingstürme. Zahlreiche Aufnahmen wurden den Medien angeboten – doch die Redaktionen zeigten sich nicht interessiert.

Trotzdem: Schockbilder (eine abgetrennte Hand; Leute, die sich von den Türmen hinunterstürzten) wurden durchaus veröffentlicht, doch verhältnismässig wenige – die brutalsten Bilder wurden nicht gezeigt. Wie kam das, was war der Grund? Selbstzensur, Medienkonzentration – rund drei Viertel der Bilder der Attentate wurden von AP verbreitet. Chéroux nennt das Öko-Zensur – ein unglücklicher Ausdruck, denn mit Öko assoziiert man im Deutschen Ökologie und nicht Ökonomie, wie Chéroux und/oder der Übersetzer und/oder das Lektorat anzunehmen scheinen.

Es lässt sich übrigens durchaus etwas dagegen tun, gegen diese Medien- und damit Bilderkonzentration. Schon mal von A Democracy of Photographs gehört? Bei diesem Projekt konnten „Fotografen jeden Alters, jeden Könnens, jeder Kultur“ teilnehmen. „Ihre Bilder wurden nicht ausgewählt, sondern alle im gleichen Format abgezogen und ohne Nennung des Namens in derselben Art und Weise ausgestellt.“

Der zweite Teil dieses Essays beschäftigt sich, hauptsächlich anhand der Iwojima Flagge und derjenigen der Feuerwehrmänner von Ground Zero, mit der weltweiten „Verbreitung des Hollywood-Gedächtnisses“. Dabei legt der Autor dar, wie „die Standardisierung des visuellen Angebots“ auch auf der Ebene der Geschichte passiert. Möge dieser Essay dazu beitragen, dass wir auf solche Propaganda nicht hereinfallen.

Clément Chéroux

Diplopie
Bildpolitik des 11. September
Konstanz University Press, Konstanz 2011

The Swiss Sun

2011-07-31T00:01:00.001+02:00

The sun is coming up, we say. But is it?

As always, it depends.

From my window - I live in Eastern Switzerland - I can see how it starts to lighten the top of a nearby mountain, then the sunlight slowly spreads downwards until the whole mountain and the low lying plain basks in it.

In other words, where I am the sun is not coming up, it is coming down.

Katja Snozzi

2011-07-27T00:01:00.006+02:00

Das Bild entstand während einer buddhistischen Gebetsstunde; es zeigt ein Mädchen aus Thailand, das in einem SOS-Kinderdorf lebt.

Die Fotografin Katja Snozzi hat über 30 Jahre lang die Welt bereist. Vor kurzem hat sie dem Tages-Anzeiger dazu ein Interview gegeben. Auf die Frage, wie es damals als Frau war, meinte sie: „Problemlos! Bei den männlichen Kollegen war ich immer voll akzeptiert und hatte auch in heikleren Ländern nie Probleme. Man muss einfach offen auf die Menschen zugehen.“
Das ganze Interview findet sich hier

Katja Snozzis Aussstellung

MONDOMOMENTI

ist im Palazzo Casorella in Locarno zu sehen.
Sie dauert vom 29. Juli bis zum 21. August.

Öffnungszeiten: 10–12 Uhr / 14–17 Uhr.

http://www.katjasnozzi.ch/

Sibylle Bergemann

2011-07-24T00:01:00.009+02:00

© Sybille Bergemann/ostkreuz
Hatje Cantz Verlag

I must admit that I do have quite some reservations when it comes to polaroids by professional photographers for, in my view, polaroids are almost by definition the kind of pics everybody's equally good or bad at. Photography's mechanical nature is never more apparent than in polaroids and it is difficult if not impossible to see a difference between a mediocre polaroid by Walker Evans or by some amateur photographer.

This said, let me hasten to state that I do find Sibylle Bergemann's polaroids extraordinary. They seem like paintings to me, I do not tire to look at them – they radiate a poetic quality. Also, I believe it is the first time that I look at polaroids not as ordinary and rather unremarkable snapshots but as carefully crafted compositions. There might be many reasons for this but one of them surely is Sibylle Bergemann's "good eye".

The topics vary – portraits, a pair a high heels, a door, a table, sun umbrellas at a beach etc. etc.; two of the shots are in black and white. Many of the scenes seem to be from movies, others show portraits of costumed handicapped actors and again others, well, actually, it is not so terribly relevant what Sibylle Bergemann shows us but how she does it. So how does she do it then? No idea, really, but I can tell you what her polaroids do to me – they make me feel what I see.

What the Polaroid offers is „the blending of layers, the lack of defined borders, the bluriness“, as Jutta Voigt in her informative and beautifully crafted introduction states. And this is precisely what Sibylle Bergemann appears to have been fond of. „When I take one hundred pictures on a topic, for which the blurry image conveys the greatest truth, then I simply offer the blurry photograph“, she once said in an interview.

Most photo books come with texts that have nothing to do with the pictures shown. Jutta Voigt's text (in English as well as in German) is one of the rare exceptions. This is how it begins:
„The moment was not enough for her, it had to be eternity. Or at least a wink of eternity. Bergemann's images are here to remain. Even the Polaroids, which are said to fade the moment the light of the world touches them. The photograph of the nightly streetcar in Lisbon. Muted colors emanating intensity. The red upholstery is reflected on a street wet with rain in a foreign city, a solitary man sits alone in a rail car – it has the look of a film scene or perhaps the photographer's memory of the subway between Pankow and Thälmannplatz during the time of the Berlin Wall – there the upholstery was also red leather, and the handrails made of brass; in remembrance, yesterday comes into contact with today. Susan Sontag described photographs as 'transmuting, in an instant, present into past.'“

This book is a gem: intriguing pictures accompanied by convincing writing.

Sibylle Bergemann
Die Polaroids / The Polaroids
Hatje Cantz, Ostfildern 2011

Eva Gabrielsson & Stieg Larsson

2011-07-20T00:01:00.007+02:00

Writers do not lead interesting lives, they sit at home and write. Moreover, what they want to say they usually say in their books. So why then would I bother to read a book about the life of Stieg Larsson, the author of the fabulously successful Millenium Trilogy, by his partner, Eva Gabrielsson? Because of these words Larsson once said to her: ''To exact revenge for yourself or your friends is not only a right, it's an absolute duty.'' I was curious to learn what made him think like that.

I loved The Millenium Trilogy, it transported me into a world that I felt was as real as imagination can be. And, I especially loved Lisbeth Salander and her ways of exacting revenge. Why is that? In our present climate of understanding (psychologists and social workes have to make a living) revenge has acquired a very bad name, it has become largely a dirty word. Often for good reasons, just think of honour killings and the like. What however has been overlooked is that revenge (as moral justice) is sometimes necessary – and this is what The Millenium Trilogy, in my reading, is largely about.

Gabrielsson, who later became an architect, and Larsson met at a meeting in support of the Front National de Libération in Vietnam in Umea; at that time they led the life of political activists, they wanted to change the world. Larsson failed the entrance exam for a journalism school yet eventually obtained his baccalaureate degree and earned a living doing odd jobs before joining TT, a big Swedish news agency, where he became an expert on right-wing Swedish extremism. He worked twenty years for TT but was never given a regular journalist's job because his bosses thought that „Stieg Larsson cannot write“.

For Larsson, according to Gabrielsson, writing The Millenium Trilogy was like therapy. ''He was describing Sweden the way it was and the way he saw the country: the scandals, the oppression of women, the friends he cherished and wished to honor.'' We also learn that some of the characters had been modeled after real people although not necessarily after the ones who believed they recognised themselves. I thought it especially interesting that Lisbeth Salander might take after Pippi Longstocking for „the main thing about Pippi is that she has her own ideas about right and wrong – and she lives by them, no matter what the law or adults say.“

Larsson died before The Millenium Trilogy was published, it so far sold more than 50 million books. Since Sweden has no automatic right of inheritance provision for common-law spouses, we get to hear quite a bit about the battle over the inheritence between Gabrielsson on the one side, and Larsson's father and brother on the other. We however also get informed about things that we might deem not terribly relevant in regards to the trilogy yet that I thought absolutely fascinating - the fact, for instance, that the Stockholm archipelago comprises 24,000 islands.

In sum: A good read for aficionados of The Millenium Trilogy.

Eva Gabrielsson with Marie-Françoise Colombani
„There Are Things I Want You to Know“ About Stieg Larson And Me
Seven Stories Press, New York 2011

Intercultural Interactions

2011-07-17T00:01:00.004+02:00

The only certainty, when interacting across cultures, is that there will be misunderstandings. Therefore, learning about the host country as much as possible seems crucially important. That however does not seem to be enough for, as Cushner and Brislin (in: Intercultural Interactions: a practical guide, 1996: 21) state, “there seems to be little correlation between the mere accumulation of information and people’s subsequent ability to function effectively in another context”, which is why it is even more important to understand oneself – one’s abilities, limits, weak and strong points; moreover, openness and willingness to learn (that includes the willingness to be changed) are required – for the Socratic-maxim ‘Know Thyself’ seems key to successful intercultural interactions. Yet in order to get to know oneself, one often needs to leave home and embark on foreign shores – that may seem like a circle, but a vicious one it is not: quite the contrary.

Hans Durrer

Ways of Perception. On Visual and Intercultural Communication
White Lotus Press, Bangkok, 2006
ISBN 974-4800-92-5

50 Photo Icons

2011-07-13T00:01:00.013+02:00

Bilder erzählen keine Geschichten, wir brauchen Bildlegenden, also Worte, die uns erklären, was wir sehen, weil wir sonst nur sehen, was wir schon wissen. Wir können nämlich nur er-kennen, was wir kennen, wie das Goethe einmal gesagt haben soll.

Entscheidend beim Bilder-Lesen ist also die Information zum Bild, denn diese, und nicht etwa das Bild, bestimmt unser Sehen. Hans-Michael Koetzle nennt es „die Geschichte hinter den Bildern“ und das ist nicht nur unglücklich gewählt, sondern falsch und müsste richtiger heissen: Die Geschichten hinter dem Bild (oder den Bildern), denn es gibt davon immer mehrere, und zwar zu jedem Bild.

Dennoch: Schön, dass es dieses Buch gibt, denn Foto-Bücher, denen erklärende, den Kontext herstellende Texte beigegeben sind, gibt es erstaunlich wenige. Obwohl, die meisten Bilder und Texte in diesem Band sind bereits erschienen, ebenfalls bei Taschen (im Jahre 2002 steht in meinem Photo Icons Band 2 zu lesen). Ich erwähne dies deshalb, weil man sich gewünscht hätte, die bereits publizierten Texte wären à jour geführt worden. Ich denke da etwa an den Text über Robert Capas spanischen Loyalisten. Ich verweise hierzu auf die vor einigen Jahren bekannt gewordenen Aussagen der Fotografin Hansel Mieth, einer Freundin Capas, von denen man hier gar nichts liest. Näheres dazu findet man in meinem Buch Inszenierte Wahrheiten

Aufschlussreich ist auch, was Koetzle zu Thomas Hoepkers „Blick von Williamsburg, Brooklyn, auf Manhattan, am 11. September 2001“ zusammengetragen hat: er erzählt uns von den Umständen des Zustandekommens dieses Bildes. Das ist verdienstvoll, doch leider erfahren wir von der sehr kontrovers geführten Diskussion über das Bild so ziemlich gar nichts. So schrieb zum Beispiel Walter Sipser, der rechts aussen auf dem Bild („eine Gruppe ausgelassener Jugendlicher“, nimmt Koetzle da wahr) zu sehen ist: „Had Hoepker walked fifty feet over to introduce himself he would have discovered a bunch of New Yorkers in the middle of an animated discussion about what had just happened. He instead chose to publish the photograph that allowed him to draw the conclusions he wished to draw ...“

Copyright @ Taschen

So sehr ich die vielfältigen Informationen zu den Bildern, die der Autor liefert, schätze, je länger ich mich mit dem Buch beschäftigte, desto skeptischer wurde ich. Mit einigen der Bilder hatte ich mich nämlich bereits selber (und eingehend) beschäftigt – und fand dann Koetzles Akzentsetzung nicht immer überzeugend. Auch begann ich mich zu fragen, ob die Auswahl (Sandy Skoglund? Bettina Rheims?) wirklich geglückt war. Doch so recht eigentlich sind das Details. Entscheidend sind nämlich möglichst vielfältige Informationen zu den Bildern – und die liefert der Autor.

Im Vorwort weist Koetzle auch auf John Szarkowskis „Looking at Photographs“ hin, doch eigentlich nur, um zu sagen, der vorliegende Band gehe über dessen feuilletonistischen Ansatz hinaus. Nun ja, die beiden Bände haben dermassen wenig miteinander zu tun (wenn man's recht bedenkt: überhaupt nichts), dass diese Aussage einigermassen erstaunt.
.

Summa summarum: Trotz der Einwände überzeugt dieses Buch nicht zuletzt, weil sowohl Porträts, Landschaften, Akte und Momentaufnahmen berücksichtigt worden sind. Sich damit zu beschäftigen, lohnt, wenn wir uns immer vor Augen halten, dass die Kontexte, die Hans-Michael Koetzle hier beschreibt, obzwar breit recherchiert, gleichwohl nur eine mögliche Variante der Geschichte hinter dem Bild darstellen, denn Kontext, und dies kann nicht genug betont werden, ist auch immer konstruiert. Doch eben selten so um Fakten bemüht, informativ und anregend wie in diesem schön gemachten Band.

Hans-Michael Koetzle
50 Photo Icons
Die Geschichte hinter den Bildern
Taschen, Köln 2011

Secret Language

2011-07-10T00:01:00.004+02:00

„Language is a means of communication, but a good deal of language use is deliberately obscure if not actually encrypted in some form of cipher or code. This book explores the reasons for obscurity and secrecy, and touches on some of the fascinating beliefs that underlie the contraints of using language freely“ promises the author of „Secret Language“, Barry J. Blake, Emeritus Professor of Linguistics at La Trobe University. So, does he live up to his promise? He does, he does, with lots of fascinating examples yet it nevertheless strikes one as a bit ironic that a secret language (the one employed by linguists) is introduced to elaborate on secret language.

Do you know what an anagram is? It is „a word made up of the letters of another word, so that reside is an anagram of desire and vice versa“ Blake lets us know. I especially warm to astronomers that anagrams to moon starers and to Meg, the arch tartar and that great charmer that both anagram to Margaret Thatcher. And then there are palindromes (words that read the same in either direction – madam, peep etc.), semordnilaps, acronyms, acrostics etc. etc. – linguistics is a secret language indeed. In fact, every discipline (law, medicine etc.) invents its own language – not because it is necessary (as the usual claim goes) but to protect itself.

Blake's „Secret Language“ is about word games, ambiguity and solving riddles, ciphers and codes used by governments, hidden meanings in the Bible, words to avoid, texts of power etc. etc.

Ever wondered what „scuba“ stands for? It is derived from „self-contained underwater breathing apparatus“. Did you know that in Chinese culture the number 4 is considered unlucky? In Mandarin, depending on the pronounciation, it can mean four or death. Ever heard of the Jewish practice to change the name of a dangerously ill person? Or, that „in many parts of the world there are strict rules governing conduct towards in-laws“? Or, ever asked yourself what language was used by God, Adam, Eve, and the serpent?

One of my favourite sections is „Oxymora and Other Contradictions“. Since it is brief, let me quote it in its entirety:

„The oxymoron is a traditional rhetorical device in which the modifier in a construction appears to contradict the modified, and the listener or reader has to try and resolve the anomaly. In a typical example an adjective appears to contradict a noun, as in democratic tyrant. English contains a number of lexicalized examples such as bitter sweet, deafening silence, hasten slowly, and perhaps timeless moment, which has some currency in the media. There is an unwitting irony in some phrases used in advertising and the media such as essential luxury and instant classic, but most oxymora are deliberate attempts at irony. Sometimes the irony is only apparent when a phrase is listed with other oxymora. For instance, there does not usually seem to be anything incongruous about the term political science, but when it is given in a list of oxymora, one can see a certain irony. Other examples often presented in an ironic sense include business ethics, honest politician, and government efficiency.“

Great, isn't it?

Barry J. Blake
Secret Language
Codes, Tricks, Spies, Thieves, and Symbols
Oxford University Press, Oxford 2011

Das Kloster Disentis

2011-07-06T00:01:00.004+02:00

Das ist doch Bruder Lukas, schiesst es mir beim Betrachten dieses hervorragend gelungenen Umschlagfotos durch den Kopf. Das kann unmöglich sein, korrigiere ich mich sofort, denn so wie auf dem Foto sah der damals, vor gut fünfundvierzig Jahren aus, als ich selber in Disentis Klosterschüler war. Doch er ist es.

Ich habe gemischte Erinnerungen an meine drei Disentiser Jahre, die nicht so guten überwiegen: ich litt unter Heimweh, fand die Berge und das Kloster bedrückend. Mein heutiger Blick auf das Klostergebäude (durch die Linse des Fotografen Giorgio von Arb) ist hingegen durchaus wohlwollend und die eindrücklichen Aufnahmen von Arbs lassen mich eine Spiritualität erahnen, mit der ich das Disentiser Klosterleben bisher nicht in Verbindung gebracht habe. Das spricht sehr für diese Bilder, ja ein grösseres Lob kann ich ihnen kaum machen, denn sie bringen es fertig (sicher, auch weil ich dazu bereit bin) die noch aktuellen Disentis-Bilder in meinem Kopf (in einem Fernsehbeitrag: der Abt beim Gleitschirmfliegen) in den Hintergrund zu drängen und mir das „ora et labora“ der Benediktiner vor Augen zu führen.

Einige der Klosterbewohner werden auch in Worten vorgestellt. Die gut geschriebenen Texte stammen von Erwin Koch und machen auch sprachlich klar, wie unterschiedlich die einzelnen Bewohner sind. Von Bruder Urs Probst, 57, dem Finanzverwalter, Pförtner und Sekretär des Abts, erfahren wir, dass er den Wunsch hat, einmal Lokführer zu sein. Und dass ihm „das ewig Gleiche“ (das Gebet um 5 Uhr 30, 7 Uhr 30, 11 Uhr 45, 18 Uhr, 20 Uhr) Halt gebe und Flügel verleihe. Abt Daniel Schönbächler, 68, Lehrer und Persönlichkeitsentwickler, lässt unter anderem wissen, dass der Benediktiner sein Gelübde nicht auf den Orden, sondern auf sein Kloster ablegt: „Einmal Disentiser, immer Disentiser.“ Ganz zum Wohlgefallen von Bruder Gerhard Alig, 41, Bäcker, Konventbruder und Zeremoniar, der meint: „Hier bin ich, hier bleibe ich. Das ist das Schöne am Benediktinischen. Zeit seines Lebens bleibt man Mönch seines Klosters, hüpft nicht durch die Gegend wie die Kapuziner.“

An einige der Porträtierten erinnere ich mich, die meisten sind mir jedoch fremd. Diejenigen, an die ich mich erinnere, zeigen mir Fotograf und Autor anders, als ich sie bisher wahrgenommen habe: älter und hinfälliger natürlich, aber auch humorvoller, gelassener, ja ergebener. Indem meine Augen ihr Älterwerden registrieren, werde ich mir auch meines eigenen bewusst.

Doch nicht nur Mönche und Brüder werden porträtiert. Es finden sich in diesem eindrücklichen Werk auch Aufnahmen vom Internatsleben (gemischte Klassen, die Schule wird von einer Rektorin geleitet– das war zu meiner Zeit noch anders), einer Bauplatzbegehung, vom Hochfest, von Prozessionen etc. etc. und ein ganz wunderbarer Schnappschuss (mit der etwas eigenartigen Legende: Dorfkinder im Altarraum), der zwei Erstkommunikantinnen zeigt, die eine gähnend, die andere sich womöglich fragend, was es da zu fotografieren gibt.

Es ist dies ein in vielfältigem Sinne wesentliches Buch. Weil es einem bewusst macht, dass wirkliche Freiheit in der Beschränkung zu finden ist; weil es uns die Vergänglichkeit vor Augen führt, weil es uns darauf aufmerksam macht, dass das Klosterleben keineswegs fad und farblos ist. „Im Kloster ist jeder Tag anders – obwohl im Kloster jeder Tag gleich ist“, sagt Bruder Magnus Bosshard, 69, ein ehemaliger Werber. Diese Wahrheit glaubt man beim Betrachten dieses schönen Bandes zu spüren.

Ein Buch über die Welt
Das Kloster Disentis
Fotografie Giorgio von Arb
Text Erwin Koch
Benteli, Bern-Sulgen-Zürich 2010

Catherine Opie

2011-07-03T00:01:00.012+02:00

It was the cover photo that triggered my interest in this book. After having gone through it several times, it is still this cover photograph to which I'm returning again and again.

It was taken, I learn, on 20 January 2009, when Barack Obama was sworn in as the forty-fourth president of the United States. 1,5 million Americans had come to Washington DC to witness the event. The woman on the photo – it took me some time to realise that there are also other people to see – must have been one of them. We are not told who she is.

Concentrating on the other people on this pic (that continues on the back cover and is also shown inside the book) let me wonder what my eyes were showing me: two of them were dressed as if expecting rain, one has his/her mouth and nose covered with a cloth. The text accompanying the image (in fact, all the images of the inauguration) said that „people stood for hours in twenty-degree weather, waiting for the ceremony to begin. Festooned with images of Obama, people openly shared their excitement with tears and embraces.“ While this has probably been that way, the pictures displayed here do not show it. To me, these people looked rather tense and apprehensive.

„I think that's another thing I'm trying to say in the work: we are a collective force. We have real moments of political difference – I'm not trying for some completely utopian 'can't we all just get along' moment – but I'm interested in the possibility of this energy, and how we might be able to hone that energy in a different way“ Catherine Opie is quoted on the back cover. Does she succeed in visualising this idea? Well, she shows different collective forces (from the Tea Party Movement to the Michigan Womyn's Music Festival) that are united by a common cause/interest – I do not think that this translates her idea into convincing images.

The book is published in conjunction with the exhibition „Catherine Opie: Empty and Full“ at the Institute of Contemporary Art, Boston (15 April – 5 September 2011) and accompanied by a foreword by Jill Medvedow and features a discussion between the artist and the ICA/Boston Chief Curator Helen Molesworth.

„When I tell people that I'm working on a show with Cathy Opie, almost everyone responds: 'Oh, she's tough,' or 'Those are hard pictures'. True enough. She certainly has made a series of now iconic images that document her involvement in an SM leather scene“. This is how Helen Molesworth begins her introduction and I automatically thought this is a mistake, this is a text for a different book. Yet I was wrong, it is isn't – for Opie's Self Portrait/Pervert („a picture of her sitting with a leather hood over her face, the word pervert cut into her chest in a florid script, and dozens of needles inserted at regular intervals up her arms“, as Molesworth describes it) can also be found in this tome as well as pictures of sunrises and sunsets taken aboard a Korean container ship.

I spent quite some time with these sunrises (that are placed at the beginning of the book) and sunsets (that can be found at the end). My first reaction was: now, these are really nothing special at all. Yet the longer I contemplated them, the more I realised that they did not show me how the sea on this journey from Busan in Korea to Long Beach in California looked like but how Opie made it look like. As Anna Stothart, Curatorial Assistant at ICA/Boston penned: „Opie placed her camera on a tripod and aimed it in the direction of the sun. As the ship tilted to the right and then to the left, she would wait for the horizon line to enter her viewfinder, and when the boat was level, she would click the shutter.“ This information made my perception of these seemingly unremarkable shots change: I began to include my idea of the before and after the shots and thus imagined the process of how they were taken – and then came to see very special moments.

Catherine Opie: Empty and Full

Hatje Cantz Verlag, Ostfildern 2011

The act of seeing

2011-06-29T00:01:00.001+02:00

The most political decision you make
is where you direct people's eyes.
In other words, what you show people,
day in and day out, is political ...
And the most politically indoctrinating
thing you can do to a human being
is to show him, every day,
that there can be no change.

Wim Wenders: The Act of Seeing

Knowledge? Argument!

2011-06-26T00:01:00.001+02:00

In his years in prison, Charlie Redtail had read much and he thought it a humorous irony that he should educate himself only to be put to death. But life was an irony. A paradox. One lived, one learned, and at the peak of one's knowledge, one died. It should be the other way around, he thought. Indeed, it was the other way around. The child was born with all knowledge, and it became one's life's work to discover the knowledge born within.
He read the books in the prison library, those on philosophy and politics. History books and books on sociology. He had learned that what most called knowledge was argument. Even the scientists couldn't agree on most things. The politicians and religious writers were bent by their politics and their religions and could not give straight answers.
Gerry Spence: Half-Moon and Empty Stars

Werbung für mich selber

2011-06-22T00:01:00.005+02:00

«Einer der spannendsten Schweizer Foto-Theoretiker ist Hans Durrer ...»
www.photoscala.de

«Manchmal landen Bücher genau im richtigen Zeitpunkt auf meinem Schreibtisch. Das war der Fall bei der Neuerscheinung 'Inszenierte Wahrheiten - Essays über Fotografie und Medien'. Verwirrt von den erschreckenden Bildern und Nachrichten aus Fukushima sog ich die Essays wie ein Schwamm auf. Seither lese ich die Zeitung anders, blicke mit anderen Augen, vielleicht auch etwas reflektierter, auf die grossformatigen Katastrophenbilder. (...) Die kurzen und prägnanten Texte von Durrer zeigen, warum Bilder Worte brauchen. Die Essays sind zum Teil witzig, mit interessanten Beispielen aus Durrers Arbeit und seinen Seminaren über visuelle und interkulturelle Kommunikation. Zum Denken angeregt hat mich ebenfalls die Frage nach der objektiven Berichterstattung. Es gibt sie nicht! Es gibt nur das Bemühen, im Journalismus Distanz, Unabhängigkeit und Neutralität zu wahren. JournalistInnen leben ja oft vom Unglück anderer, im Gegensatz etwa zum Arzt, und es gilt: je fürchterlicher, desto besser. Trotzdem sind die 'Inszenierten Wahrheiten' keine Hetze gegen den Journalismus. Ein Lesetipp für alle Medienschaffenden und Medieninteressierten!»
Syndicom

... aussergewöhnlich an den Essays ist die Breite, Intensität und das persönliche Engagement des Autors, das stets präsent ist, namentlich dann, wenn Durrer auch seine Befindlichkeit als Publizist einfliessen lässt, der sich mit den Mechanismen, wie Bilder wirken, auseinander setzt. Wer so kenntnisreich argumentiert, schöpft aus einem Fundus, der weit über das fotografische und journalistische Metier hinaus geht.
Henri Leuzinger in www.fotointern.ch

...rundet sich das Bild, welches Durrer in seinen Essays zeichnet, und es ist ein Bild, das sich zum einen auflöst in unendlich vielen Facetten ein und derselben Misere: der Misere des Ausgeliefertseins, und das zum anderen in komprimierter Form eine klare Aussage trifft: die der Aufforderung zum intellektuellen Widerstand gegen oktroyierte Bilder und deren textuelle Interpretation.
www.deutscher-buchmarkt.de

Hans Durrer
Inszenierte Wahrheiten
Essays über Fotografie und Medien
Rüegger Verlag, Glarus/Chur 2011

Umfang: 122 Seiten, broschiert
Preis: Fr. 24.00 / € 15.50 (D)
ISBN-Nr.: 978-3-7253-0966-5

The limits of photography

2011-06-19T00:01:00.001+02:00

... there are things it is nearly impossible to photograph: the subtle workings of the human heart, the wandering paths desire and fury take, the bonds of love and blood that tie people together, the decisions that tear them apart, the way that the most unprepossessing landscape can become home and thus speak of stories, traditions, gods that strangers cannot decipher from the rocks and streams.
Rebecca Solnit: Rivers of Shadows. Eadweard Muybridge and the technological Wild West

Linda McCartney

2011-06-15T00:01:00.004+02:00

"Photographs", writes Martin Harrison, a historian of art and photography and an exhibition curator, "inherently provide us with privileged access to spheres of memory, and this anthology constitutes a memorable cumulative record of fleeting instants mediated through the eyes of a unique camera-woman. Linda's compelling photographs acquire fresh layers of meaning and increased significance with the passing of time“.

True, although a bit vague, I'd say. "A memorable cumulative record of fleeting instants?" This remark of Adam Johnson (in: Parasites Like Us) comes to mind: "Moments are fleeting? I sounded as dramatic and fake as the romantic poetry glued to English teachers' in-boxes."

So, let's try another approach. Interested in rock music and pop culture? Then this work is a must! Because you'll get to see rare and, at times, formidable shots of Janis Joplin, Brian Jones, Frank Zappa, Michael Jackson and and and ... Yet it is not only musicians that are shown on these pages, there is also, for instance, a truly touching shot of Johnny Depp and Kate Moss (London, 1995) and one of Steve McQueen and Ali McGraw (Jamaica, 1973) and again and again quite wonderful pictures of horses.

Copyright @ Taschen

Photographs are essentially triggers. When looking at this pic of John Lennon, I was reminded of the time when I wore glasses such as his, looked often at least as pensive as him while trying to figure out who of the Beatles I should decide to like best.

At that time I wanted to be a musician – it was the time when everybody (by this I mean: the ones who I then took seriously) wanted to be musicians. For music is the celebration of the moment - and photographs provide us with the illusion that we can freeze the moment. Since, as the Buddhists say, the only permanent thing is change, to stop time isn't really possible yet photographs make it appear so.

Occasionally, I felt like tearing a pic from the book, put it into a frame and onto my wall - the one of Twiggy (London, 1969), for instance. At other times, I wondered why some images (quite ordinary family shots) had been included.

Anyway, photographs allow us to be voyeurs. As A.M. Homes (in: The Mistress's Daughter ) once penned: "It's easier to really look at someone in a photograph than in real life - no discomfort at meeting the other person's eye, no fear of being caught staring."

It is a pleasure to look at the world through Linda McCartney's lens.

Linda McCartney
Life in Photographs
Taschen, Cologne 2011

Yanick Lahens

2011-06-12T00:01:00.006+02:00

Yanick Lahens, geboren 1953 in Port-au-Prince, gelte als eine der wichtigsten literarischen Stimmen Haitis, lässt mich der Verlag wissen. „Beim Einschlafen frage ich mich, was ich wohl schreiben könnte, angesichts dieser riesigen Herausforderung, die da auf uns eingestürzt ist", fragt sie sich nach dem Erdbeben vom 12. Januar 2010. Die Antwort findet sich in diesem schmalen und berührenden Buch.

„Am 12. Januar 2010 um 16 Uhr 53, als die Dämmerung schon auf der Suche nach ihren Farben von Ende und Anfang war, wurde Port-au-Prince vierzig Sekunden lang von einem jener Götter besessen, die, wie es heisst, Fleisch essen und Blut trinken. Gewaltsam besessen die Stadt, bevor sie mit zerzausten Haaren, verdrehten Augen, gespreizten Beinen, klaffendem Geschlecht zusammenbrach, die Eingeweide aus Schrott und Staub, ihre Adern mit ihrem Blut offengelegt. Ausgeliefert, nackt und bloss war Port-au-Prince, aber nicht schamlos. Schamlos war die erzwungene Entblössung. Schamlos war und ist die skandalöse Armut.“

Lahens beschreibt nicht nur, wie sie selber das Beben erlebt hat, sie lässt uns auch wissen, dass der Ingenieur und Seismologe Claude Prépetit während mehrerer Monate im Radio vor einem Erdbeben gewarnt hatte, erzählt vom Tropenhimmel in dieser Jahreszeit („Sterne in Hülle und Fülle. Ein Geschenk. Schönheit, für die man gar nichts tun muss. Und nur reine Freude als Gegengabe. Der Himmel scheint sich zu senken, sich uns freundlich zuzuneigen, damit wir seine Sterne berühren.“) und wie die meisten Leute nach dem Beben fantasierten („Ich spüre Erschütterungen, die keine sind.).

„Und plötzlich tut sich der Boden auf“ ist ein höchst informatives und notwendiges Buch, denn was Fernsehbilder zeigen (können/wollen) und was für Bilder die Menschen vor Ort konkret vor Augen haben, ist nicht dasselbe. So wurde etwa die Hilfe der kubanischen und der dominikanischen Ärzte kaum oder gar nicht in den Massenmedien erwähnt. Genauso wenig hörte man von der gegenseitigen Hilfe der Haitianer, „über soziale Grenzen und Hautfarben hinweg. Ein Wunder. In einem Land, in dem so starke Ausgrenzung herrscht und Apartheid. Ansatzpunkte wären also da. Man müsste nur ansetzen.“

Man erinnert sich vermutlich nicht mehr, doch es ist die Rede gewesen von Hilfsgeldern in Höhe von jährlich zwei Milliarden Dollar. Was Lahens wie folgt kommentiert: „Wir wissen, die versprochene Hilfe wird nicht kommen. Aus lokalen Gründen, aber auch, weil die internationale Gemeinschaft immer schon widersprüchliche Beziehungen zu Haiti hatte. Die alte Leier. Wir kennen sämtliche Strophen und den Refrain.“

Ich lese, dass es in Haiti „zwischen sechs- und achttausend, bis zu zehntausend sogar, je nachdem, welcher Quelle man glaubt“, NGOs gibt und dass, wenn sich eine NGO irgendwo einmietet, die Mieten rasant ansteigen. Klar, dass NGOs nicht die Lösung sind (ausser für deren Mitarbeiter) dürfte mittlerweile bekannt sein, doch was ist/wäre denn dann die Lösung für dieses so arg gebeutelte Land? Eine solche Lösung findet sich in diesem Buch nicht, dafür aber liefert es vielfältige Denkanstösse und Anregungen, denn „die Literatur hat die grosse, wunderbare Macht, uns, weit über jede fachliche Erklärung und sachliche Information hinaus, das Wesen der Welt zu vermitteln.“

Yanick Lahens
Und plötzlich tut sich der Boden auf
Haiti, 12. Januar 2010
Rotpunktverlag, Zürich 2011

Sites & Signs

2011-06-08T00:01:00.010+02:00

Usually, it gets on my nerves when I do not know what I'm looking at. And, I've never really understood why photography books come without captions or why I have to go the very end of the book in order to learn what my eyes are registering. Yet sometimes it does not really matter to have more information than what can be seen on the photograph. I'm not saying that it does not matter at all, I'm only saying it is not necessarily essential information. This was my experience with the photographs in George Aerni's „Sites & Signs“.

Copyright @ Georg Aerni

I did not wonder what my eyes were showing me, I simply enjoyed the compositions, and the colours, and felt fascinated what they did to me - I felt entranced, and I felt calm.
And then, after quite some time, I asked myself where these photos were taken and learned that Georg Aerni had been pretty much all over the world - from Hong Kong to Mumbai to Flüelen, Bodio and the Glacier de Moiry.

Copyright @ Georg Aerni

Henry James proposed asking of art (I'm never sure whether photography is art but, for the sake of argument, let's say it is): What is the artist trying to do? Does he do it? Was it worth doing? Needless to say, I can only guess what Georg Aerni was trying to do - and I haven't the foggiest idea. From Nadine Olonetzky I learn that Aerni's theme is "the photographic examinations of the topography of cities, agglomerations, and human-designed landscapes". Although a bit vague, that makes sense to me. So, was it worth doing? Since I very much like "Aerni's eye" - absolutely!

Copyright @ Georg Aerni

What I felt to be rather peculiar was that there aren't any people to see on these photographs - except on the Mumbai pics. What's even more peculiar is that only so few people are to be seen on these Mumbai pics for it is surely the masses of Indians that make Indian cities, well, so Indian. Yet, and quite obviously so, this book isn't about portraying life in the city of Mumbai (or Tokyo or Paris) but is, in the words of Stephan Berg, "a precise observation and surveying of reality until the point at which something foreign, artificial, staged, and unreal becomes apparent behind it."

There's a third text in this beautifully done tome that however - contrary to the two texts already mentioned - only marginally refers to the pictures shown: "Cultivated Deserts" by Moritz Küng, who compares Aerni's later city photographs with the works of J.G. Ballard. I'm a great fan of Ballard's works yet such an interpretation strikes me as rather far-fetched ... but then again: we always see in pictures what we want to see.

Georg Aerni
Sites & Signs
Scheidegger & Spiess, Zurich 2011

Afro-Cuba

2011-06-05T00:01:00.008+02:00

When, some years ago, I was rather often in Cuba, I from time to time got to hear about Santeria, and about Voodoo. I thought it all strange and it did not really interest me although I was aware that it (all sorts of superstition, really) played a big part in Cuban life. That however slightly changed when one of my former teachers, who I liked and respected, moved from Switzerland to Havana and started to become interested in these magical worlds. Nevertheless, my own interest remained brief and consisted mainly of reading a small booklet she had translated from Spanish into German. I did not really know what to make of it.

When coming across Anthony Caronia's AFRO-CUBA, I've decided to give it another try.
„My fascination with the African world began when I was twelve“, Caronia tells us. What this connection really is, he doesn't know. “My africanism grew stronger with the years. It started to make sense to me when, as an adult, I traveled to Brazil with a girlfriend.“ At a CANDOMBLE ceremony in Rio de Janeiro her felt immediately at home. „It was like meeting my past.“ And, he wants to do a photo book about the ORIXÁS. When however his major contact and supporter, the Brazilian historian and activist, Beatriz Nascimento, died, he abandoned the project.

With an Italian friend he goes to Cuba where he becomes a disciple. In his second year, he starts his photography work. „None of the photographs were taken withouth the ORISHA'S consent ... No secret has been revealed in this book without permission. The photographs in this book show only a fraction of what I experienced and witnessed, because many things could not be photographed. I was not only a witness of everything I have registered here as a photographer; I was also moving within the faith and had profound respect for it.“

There are great shots (all in black and white) found in this tome, and also some disturbing ones (the sacrifice of animals, for instance - „Animal blood is often used as a gift to the SANTOS and MUERTOS, either to give thanks or as a donation in order to receive what was requested“). Others are joyful and again others I've found funny – for example, the one of which the caption says: „Possessed MAYOMBERO blessing a devotee with liquor“ and that shows a guy blowing some liquid from his mouth and into the face of another guy.

Although "Cuba is the whitest of the Caribbean Islands" and "there are many white SANTEROS with black AHIJADOS", hardly any white people are shown.

It goes without saying that in order to not go nuts, we need rituals. Anthony Caronia invited us to look at some such rituals and in doing so permitted us to get a glance of a world unknown to most of us. When I put the book finally aside, I still did not know what to make of all this. Yet the words of Tzvetan Todorov, that curator and art critic Ania Rodriguez refers to in her informative and helpful introduction – „We are enriched through knowledge of others: here, giving is taking“ – are still with me. And some of the pictures too – my personal favourite you will find on page 27.

Anthony Caronia
AFRO-CUBA
Mystery and Magic of Afro-Cuban Spirituality
Benteli, Bern-Sulgen-Zürich, 2010

Sieben Magnum Fotografen

2011-06-01T00:01:00.009+02:00

Das DU vom Mai 2011 wartet mit etwas sehr Speziellem auf. Das tut das DU immer, höre ich die Verantwortlichen bereits sagen und so will ich präzisieren: für an der Reportage Interessierte.

„Ohne das Wechselspiel zwischen Bild und Text wäre die Kunst der Reportage nicht denkbar“, lese ich im Vorspann zu Barbara Bastings informativem Einführungstext, der, und das spricht in besonderem Masse für ihn, nicht nur auf die Fotografien Bezug nimmt, sondern sich mit diesen – und damit der Bildsprache – auseinandersetzt. Das ist selten. Meistens ist es nämlich so, dass die Texte, welche Fotos beigegeben werden, die Fotos gar nicht brauchen und auch gänzlich unabhängig von diesen gelesen werden können

Gezeigt werden Aufnahmen von sieben Magnum-Fotografen, die von ganz unterschiedlichen Texten sehr verschiedener Autoren begleitet werden. So schreibt etwa John Steinbeck:

„... heutzutage sind Nachrichten keine Nachrichten mehr, zumindest nicht jene, die die meiste Aufmerksamkeit erregen. Nachrichten sind ein Fall für Spezialisten geworden. Ein Mann, der an einem Schreibtisch in Washington oder New York sitzt, liest die Agenturtelegramme und ändert sie so ab, dass sie seinem persönlichen Denkmuster und seinem Namenszug entsprechen. Was uns oft als Nachrichten präsentiert wird, sind überhaupt keine Nachrichten, sondern die Meinung von einem halben Dutzend Experten, was diese Nachrichten bedeuten.“

Und so macht er sich zusammen mit Robert Capa im Jahre 1948 nach Russland auf, um Fragen nachzugehen wie diesen: „Was tragen die Leute dort? Was tischen sie zum Abendessen auf? Feiern sie Feste? Welches Essen gibt es dort? Wie lieben sie, und wie sterben sie?“ etc. etc.

Bob Adelmann zeigt einfühlsam, wie er die privaten Welten des Einzelgängers Raymond Carver bebildert; Carl de Keyzers Bilder aus dem Kongo werden von einer Textmontage von David Van Reybrouck begleitet. Im ersten Fall ordnen sich die Bilder dem Text unter; im zweiten ist es umgekehrt.

Der Journalist Scott Anderson und der Fotograf Paolo Pellegrini demonstrieren überzeugend, dass das Zusammengehen von Text und Bild Ereignisse wirkungsmächtiger darzustellen imstande ist, als das Text oder Bild alleine vermöchten. So lesen wir neben dem Bild eines vollständig zerstörten Autos: „Dieser Mercedes, der zu Beginn der Kämpfe von israelischen Raketen zerstört wurde, stand am Rande einer Nebenstrasse, die nach Tyros führt. Den zerfetzten Bündeln im Kofferraum und auf dem Rücksitz nach zu schliessen, hatten die Insassen rückwärts zu fliehen versucht, als das Auto getroffen wurde. Wir fuhren mehrmals täglich daran vorbei, und obschon wir wussten, dass dem nicht so war, kam es uns immer vor, als liege auf den Sitzen eine zusammengesunkene Leiche.“

Die Paarung Anderson/Pellegrini ist die kongenialste in diesem Heft, andere Paarungen sind eigentlich keine oder wenn, dann nur ganz am Rande: Raymond Depardon zeigt Bilder von seiner Rund-um-die-Welt-Reise in vierzehn Tagen, Paul Virillo steuert dazu einen Text bei über die posturbane Revolution im 21. Jahrhundert. Mir erschloss sich nicht so recht, was die Bilder mit dem Text oder der Text mit den Bildern zu tun hatte.

Claudia Glenn Dowling beschreibt in einem anregenden und informativen Text, was wir auf den Aufnahmen von Chen-Chi Chang sehen und was wir darauf nicht sehen: wie die taiwanische Firma Lotus 2000 in Ho-Chi-Minh-Stadt junge vietnamesische Frauen mit taiwanischen Männern zusammenbringt.

Zum Schluss zeigt uns der Fotograf Mark Power wie er das heruntergewirtschaftete England wahrnimmt. Der Text dazu, nein, ein wirklicher Text ist das nicht, also: die paar Worte dazu stammen von Daniel Cockrill. Barbara Basting meint: „Weil das grafische Element in Cockrills Lyrik eine wichtige Rolle spielt, schärft sie den Blick auf die Fotografien zusätzlich. Diese Grafik stammt von Dominic Brookman. Der Grafiker wird zum dritten Autor des Buches, indem er das Zusammenspiel von Bild und Text auf eine neue Ebene stellt.“ Treffende Worte, die den Blick auf die Bilder schärfen. Und genau deswegen brauchen Bilder Worte.

DU Mai 2011
Doppelter Blick
Sieben Magnum-Fotografen unterwegs mit sieben Autoren
http://www.du-magazin.com/

In Western Finland

2011-05-29T00:01:00.020+02:00

My taxi driver from Vaasa airport to the city center is in his mid-thirties. Tomorrow, I will have half a day to spend in Vaasa, what would you suggest me to do? I ask him. Sleep, he laughs. Although he has lived all his life in Vaasa, he has been all over the country and seen lots of woods. It looks pretty much the same everywhere, except in the North where you will find hills, he says.

Light patterns in Nykarleby

The guy from the B&B in Nykarleby (I'm the only guest) takes me to the supermarket where I can choose what I would like for breakfast. To my considerable surprise I discover Alpen, Swiss Style Muesli, that I, many years ago, enjoyed in London but have never found in Switzerland.

The most impressive thing at this time of the year is that it doesn't really get dark - there is daylight around the clock. Well, it gets somewhat dark between two and four in the morning, I'm told, but who is awake then anyway ...

Outside my B&B in Nykarleby

I'm conducting a workshop on visual literacy. One afternoon I ask: Since anybody can take a good photo, what then makes somebody a photographer? Well, says one of the students, I can also bake and occasionally come up with new creations yet I wouldn't call myself a baker because of it. Put differently: A baker's life revolves around baking, a photographer's life around photography.

The day before I leave I get to see an exhibition of students' works in Jakobstad. To some of the photographs I felt immediately drawn, others aroused my curiosity, and again others left me indifferent. I especially warmed to some winter shots. What made you take them? I asked the student. I wanted to document what I first laid eyes on when coming to Nykarleby for I knew that later on I wouldn't really see these scenes anymore, she said. In other words, our photographs do not only show how things once have looked but also document how we once looked at, and were seeing, them.

Patterns in Jakobstad

The best time of the Finnish year are the three summer months – I've heard that several times – when after considerable hibernating, Finns wake up to life. So what do you do then? I ask my driver on the way from Jakobstad to Vaasa airport. For one or two weeks we go abroad and then we go to our summer houses on the archipelago – this is what almost all Finns around here do. Sounds pretty good to me.

What photos do not show

2011-05-25T00:01:00.001+02:00

This is where I sat on the morning of 25 March 2011.

And this is what my eyes were showing me.

What the pictures do not show is what was on my mind:
I was entirely focussed on the singing of the birds inhabiting the trees in front of me.

Indian Memories

2011-05-22T00:01:00.005+02:00

Photos trigger memories, so what memories does this photo of the Taj Mahal trigger?
The hordes standing in line at the entrance - and my guide who saw to it that I could jump the queue.
The many who took photographes inside despite an announcement that said that it was prohibited.
A brief conversation with a visitor from Mali who said that she had come here because she had always wanted to see the Taj Mahal.
Images from dirty and crowded Agra - the friendly waitress at Pizza Hut, the smart rikscha driver who guided me from one leather factory to the next, the kiosk owner who tried to sell me a coke for four times the regular price, the excellent chicken curry at a restaurant I would have not dared enter had my guide not convinced me, and sitting in traffic surrounded by constant noise.

It does not cease to amaze me how many of my memories triggered by this photograph seem to have nothing to do do with what the photograph shows.

In 81 Tagen um die Welt

2011-05-18T00:01:00.004+02:00

„Der Globalisierung auf der Spur“, liest man im Untertitel. Um dies zu tun, haben sich acht schreibende Reporter der ZEIT sowie acht Fotografen auf eine Weltreise gemacht, und zwar in acht verschiedenen Etappen. Die erste (an einer Erdgas-Pipeline nach Osten) führte von Bayern nach Moskau und ist, wie alle andern Etappen auch, mit einer Karte und gerade mal einem Foto bebildert. Die zweite berichtet von einem russischen Fotomodell in Indien (von Omsk über Moskau nach Mumbai). Dann geht es mit einem Rikscha-Zieher durch Kalkutta, per Containerschiff nach China, von dort mit einem Chinesen in die USA, weiter auf den Spuren des Klimawandels nach Südamerika (Genauer: von Sacramento über Phoenix und Cancún nach Manaus). Die siebte Etappe führte dann mit brasilianischen Missionaren von São Paulo über Rio nach Nairobi und die letzte Etappe handelt von E-Mails aus Afrika nach Deutschland.

Ein origineller Ansatz, und wie ist er umgesetzt? Mit auf konventionelle Art gut geschriebenen Texten wie sie ZEIT-Leser von ZEIT-Journalisten erwarten dürfen. Sie sind angenehm zu lesen, tun niemandem weh (wieso sollten sie das auch?), plätschern gefällig dahin. Doch ob man die Globalisierung nach dieser Lektüre besser versteht? Schwer zu sagen, denn so recht eigentlich verstehe ich gar nicht, was das sein soll, diese sogenannte Globalisierung.

„Vielleicht ist das Globalisierung: ein diffuses Gefühl von Verwirrung. Dass immer weniger Menschen wissen, wohin sie gehören, weil das Glück immer woanders zu warten scheint“, lese ich im Bericht über Uliana, das russische Fotomodell in Mumbai. Wissen wirklich immer weniger Menschen wohin sie gehören? Gerade im Falle von Uliana ist es doch fast schon überdeutlich, dass sie ganz klar weiss, wohin sie gehört – zu ihrem Freund nach Omsk. Zudem: dass das Glück immer woanders zu warten scheint, hat wenig mit der Globalisierung, doch viel mit der Natur des Menschen zu tun – immer will man, was man nicht hat. Wie der Fotograf Vikram Bawa beobachtete: „ ... im Westen jetzt viele Yoga praktizieren und ayurvedisch essen. In Indien dagegen wollen viele leben wie im Westen.“

Bei der Globalisierung gehe es um Glauben, Gefühle, Gedanken, lese ich im Vorwort. Und von diesen erzählen diese Geschichten. Eine ganz besonders schöne ist die Liebesgeschichte von Chuck und Norma – schon alleine dieser wegen sei dieser Band empfohlen.

Nur eben: Was Globalisierung ist, weiss ich auch nach Lektüre dieser Geschichten nicht so recht. Könnte es sein, dass das journalistische Personalisieren von Abstraktem uns gewisse Vorgänge, Abläufe etc. letztendlich nicht wirklich schlüssig nahebringen kann?

Stefan Willeke (Hg.)

In 81 Tagen um die Welt

Berliner Taschenbuch Verlag, 2007

How photographs should not be interpreted

2011-05-15T00:01:00.012+02:00

„Aghast, Hillary Clinton clutches her hand to her mouth. Obviously, she observes a matter of life and death“, commented psychologist Martin Schuster the above photograph for the German weekly Der Spiegel, and continued: „Many fold their arms or hide them behind their backs. Given the situation shown, it is possible to interpret this as discomfort or even as sense of guilt.“
In the Zurich daily Tages-Anzeiger communication consultant Marcus Knill stated: „The picture is reminiscent of a group who watches an important soccer game or a brutal movie. Yet this is about watching an execution, and that live – very much like on an execution square in the Middle Ages. A similar photo could have been taken in the White House on the occasion of the Columbia-disaster in 2003.“ And, Miriam Meckel, professor of communication at the University of St. Gallen, wrote that the media reactions to Clinton's photo suggest that she is not allowed to show her fear.

To interpret photographs in such ways does not tell us anything about the photographs, it only tells us something about the interpreters. As the Talmud states: We do not see things as they are. We see things as we are.
We do know now what was on the minds of the interpreters when they were looking at this pic – quite some things that were not visible on the picture shown. Needless to say, this isn't exactly helpful – if we're interested in the picture, that is.
By the way, according to the Washington Post, Clinton said she has "no idea" what exactly she and the team were viewing at the moment official White House photographer Pete Souza took the photo: "I am somewhat sheepishly concerned that it was my preventing one of my early spring allergic coughs," she said. "So, it may have no great meaning whatsoever."

In order to understand photographs we need to know how they came about, we need to ask questions such as these: How, when, where and for what purpose were they taken? Sure, not all of these questions can be easily answered but asking them will certainly alter our perception.

The photo shown here is a document that was offered to the press. In other words, it is primarily a propaganda tool. And this means: the communication advisors of the White House have offered this pic to the press because they welcome interpretations of the above kind – for to read into a picture what is not there (discomfort, sense of guilt, execution square in the Middle Ages, Columbia-disaster etc) was the perfect distraction from the pictures that were talked about intensely and that the communication advisors were not willing to show: the pics of the dead Osama bin Laden.

The above pic shows a classical photo op: the ones portrayed, who know about the power of pictures (like all successful politicians, they are PR-professionals), were given the opportunity to present themselves they way they wanted to be perceived.

And, the communication experts fell for it.

Baobab Trees

2011-05-11T00:01:00.002+02:00

I think it was in the title of a novel about an African woman that I first came across the name Baobab tree. I didn't give it much thought then but imagined it to be big. My first real Baobab tree I saw in Malawi or Zimbabwe. Or was it in Mozambique? I only remember that it was a huge tree, its trunk was immense, lots of people were hanging around it and I was told the tree was famous.

Baobab Tree, Mali @ Elaine Ling

When looking at Elaine Ling's Baobab trees I do experience very different sensations from the ones back then when I encountered my first one. Elaine's come in shapes and forms that are unfamiliar to me, and they are situated in spacious landscapes.

Baobab Tree, South Africa @ Elaine Ling

I feel reminded of paintings when looking at them. Sure, the frames contribute to that yet it is not only the frames, it's also to do with the skillful handling of light, and with the geometry of the images - I marvel at the various possibilities of growth that these trees are showing. Antonio Machado's words, "no hay camino, se hace camino al andar", do not only apply to human beings, they also apply to Baobab trees.

Dominique Manotti

2011-05-08T00:01:00.008+02:00

Es sei gleich gesagt: das ist ein super Krimi, da stimmt nun wirklich alles und das liegt nicht unbedingt am Plot – da geht es, zur Zeit Mitterands, um illegale Waffenverkäufe an den Iran, ein über der Türkei explodierendes Flugzeug, klassische Polizeiarbeit und politische Mauscheleien – sondern an der Art und Weise wie die Autorin zu erzählen weiss: ungeheuer intensiv, intelligent, immer wieder überraschend und so atmosphärisch, dass man Paris und Französisches gleichsam riechen kann. In mir jedenfalls kam der Wunsch auf, unbedingt wieder einmal französische Luft zu schnuppern und das will was heissen, denn ich bin nicht frankophil – doch vielleicht werde ich es noch.

Dieses wirklich aussergewöhnliche Buch beschreibt das französische Politikerleben als ein Pendeln zwischen Luxusbordell, Geliebter, Kokain, Machtspielen und kriminellen Machenschaften; schildert die Faszination von Pferderennen, erzählt von verratenen Freundschaften und beschreibt auch den Alltag der Polizistin Noria Ghozali (im Kommissariat: „drei kleine fotokopierte Plakate: 'Keine Kanaken bei der Polizei', dazu eine Zielscheibe auf einer Silhouette, die der ihren gleicht.“) – ich glaubte nach der Lektüre die Welt, in der sich niederrangige Polizisten bewegen, ganz gut zu verstehen: „Und heute wie an jedem Tag Formulare in dreifacher Ausfertigung, davon eins für die Versicherungen, Routine. Routine ist an diesem Morgen auch das Verschwinden von 174 Pekingenten, die in Privatküchen im Vierten Bas-Belleville in Schwarzarbeit zubereitet wurden und für die dort florierenden Chinarestaurants bestimmt waren. Vergeltungsmassnahme, Erpressung. Eintreiben von Schutzgeldern, Beutezug von Hungernden. Im hiesigen Chinatown fühlt sich keiner aus dem Kommissariat so richtig wohl.“

Es ist Manottis so recht eigentlich unvergleichlicher Erzählstil, der diesen Krimi speziell macht und herausragen lässt. „Und so hatte Bornand ihn 1982 in den Beraterstab des Elysée berufen. Er war dem Ruf gefolgt, doch nicht für lange: Zu viele Stümper, hatte er gesagt, zu viele Bürokraten, zu viele Chefs, zu wenig Action und zu wenig Sonne. Und hatte daraufhin seine eigene private Sicherheitsfirma ISIS gegründet, mit Sitz in Beirut, deren Stern über den gesamten Mittleren Osten strahlte.“

Der Verlag preist diesen Titel als „die brillante Chronik einer authentischen Staatsaffäre“ an. Basiert das Ganze also auf einer wahren Geschichte? Anzunehmen ist das nicht, sonst wäre es ja kein Krimi. Doch dann schreibt auch die französische Verlegerin: „Ihre kühlen, präzisen Sätze zoomen ganz dicht ran wie eine minimalistische Kamerafahrt [was das wohl ist?], die mit den Augen der handelnden Figur blickt und ihr gleichzeitig ins Hirn guckt. Alles ist echt.“ Alles ist echt? Sollte das so gemeint sein, dass genau so, wie hier beschrieben, das politische Geschäft vor sich geht, glaubt man das sofort. Dominique Manotti beschreibe „den Krimi der Wirklichkeit“ meint die Verlegerin; überzeugender ist das schon lange nicht mehr gelungen.

Übrigens: man stösst dabei auch auf solch nachdenklich machende Sätze wie diese: „Madame, für die Frauen beginnt die Freiheit oft mit einem Verrat. Glauben Sie mir, ich weiss, wovon ich spreche“, sagt die ihrer Familie, die sie malträtierte, entkommene Polizistin Noria Ghozali.

Dominique Manotti
Roter Glamour
Ariadne Kriminalroman
Argument Verlag, Hamburg 2011
http://www.argument.de

Picture Perfect

2011-05-04T00:01:00.004+02:00

First things first: this is a book for people whose reference points are North American. The ones who aren't terribly familiar with, or interested in, say, Candid Camera or America's Funniest Home Videos - yes, I'm speaking of myself - will again and again be annoyed by such a limited world-view. "Quite apart from its scientific interest, the daguerreotype won instant popularity in America as a means of portraiture." As everywhere else, right? "North American Life in the Age of the Photo Op" would have been a more appropriate title.

This said, let us turn to some aspects that might be of relevance to readers with no special interest in the particularities of North American media culture.
There exists nowadays "a new form of image consciousness - a photo-up culture", Adatto writes: "Today we pride ourselves on our knowledge that the camera can lie, that pictures can be fabricated, packaged, and manipulated ... If one side of us appreciates, even celebrates, the image as an image another side yearns for something more authentic. We still want the camera to fulfill its documentary promise, to provide us with insight, and to be a record of our lives and the world around us. But because we are so alive to the pose, we wrestle with the reality and the artifice of the image in a more self-conscious way than our forebears."

Indeed. And now, what consequences does that have?
Kiku Adatto elaborates on sound-bite democracy and we learn that "it was not uncommon in 1968 for candidates to speak uninterrupted for over a minute on the evening news (21 percent of sound bites); in 1988, it never happened." She also points out "the danger that politicians and the press could become caught up in a cycle that leaves the substance of politics behind, that takes appearance for reality, perception for fact, the artificial for the actual, the image for the event." Given the fact that Ronald Reagan, Arnold Schwarzenegger and George W. Bush - impersonators of presidents and governors respectively - held influential political office, I must admit that I find this rather dated. In other words, this is not a danger, this is reality.

There's the telling story of a 1984 piece on Ronald Reagan by Lesley Stahl "which criticized at length Reagan's manipulation of television imagery during the campaign. Stahl was surprised that the Reagan White House loved the story. Grateful that the piece included almost five minutes of potent Reagan visuals, a presdientail aide seemed oblivious to Stahl's critical narrative.'They don't listen to you if you are contradicting great pictures,' the aide told Stahl. 'They don't hear what you are saying if the pictures are saying something different.'"
"Image outlives fact," as the photographer Lisa Kahane pointed out; in the words of Kiku Adatto: "Network reporters and producers think that covering the construction of images for television will alert viewers to the contrivance of those images, and so expose the artifice of the campaigns. They think that revealing the media advisers and handlers and spin-control artists manipulating the levers of illusion will dissolve the illusion and replace it with reality. But it does not work that way."

How come? We prefer illusions over reality, in fact, we need illusions because we can't stand reality - and there is no better illusion than a photograph that seemingly can bring to a standstill what we know to be a constant flow.

Adatto opens her concluding chapter with this illuminating paragraph:
"Today we are aware, as never before, of the artifice that constitutes the pose. We are as fascinated by how images are made as we are by what they mean. In popular culture, politics, and everyday life we have elevated the image-making process to a subject in its own right. In some moods we are connoisseurs of the slickly produced image, whether in political ads, celebrity photos, or popular movies. In other moods we are outraged by the distortions and deceits that images purvey."

Right, I couldn't agree more. And also with Adatto's conclusion that we "are fascinated with copies of copies, images of images. If Daguerre's generation, in its naïveté, failed to glimpse the potential of the camera to distort reality rather than record it, we, in our sophistication, may risk losing the capacity to behold 'the spirit of fact' to which the perfect picture can still aspire."

I only wonder whether our fascination with "copies of copies, images of images" is really something new? As Ludwig Feuerbach, 1804-1872, (in: David Levi Strauss: The highest degree of illusion) stated: "But certainly for the present age, which prefers the sign to the thing signified, the copy to the original, representation to reality, the appearance to the essence ... illusion only is sacred, truth profane. Nay, sacredness is held to be enhanced in proportion as truth decreases and illusion increases, so that the highest degree of illusion comes to be the highest degree of sacredness."

Kiku Adatto
Picture Perfect
Life in the Age of the Photo Op
Princeton University Press, 2008

We see things as we are

2011-05-01T00:01:00.010+02:00

We do not see things as they are.

We see things as we are.

The Talmud

Cynthia Stewart is a passionate photographer. "That overwhelming sense of the transcience of life made her marvel at her camera: a box she could put a moment inside of; a contraption that could catch and keep what was fleeting". In order to record the growing up of her daughter Nora, she went with her Nikon around her neck wherever Nora went.

On 28 September 1999, two policemen came to see Cynthia at the farmhouse about a mile from the center of Oberlin, Ohio, where she lived with her partner David and their daughter Nora. Cynthia was informed that "they had some of her photographs down at the station" and that "there are serious questions about those pictures, ma'am."

This is what had happened: "When her daughter was small, Cynthia had started a bath-time game to make sure she had washed and rinsed properly. Nora would stand in the tub, and Cynthia would name each part of her body, asking if she had rinsed there. Nora would answer by pointing the showerhead at that part of her body and spraying. The rinsing went from head to foot, including her buttocks and genitals. Sometimes as she rinsed, pretending to be a Power Ranger, Nora would assume poses that made her look like a superhero. A couple of times in the past, Cynthia had photographed the rinsing game."

The police and the county prosecutor judged these photos pornographic - Cynthia was arrested, taken away in handcuffs, threatened to have her daughter removed from her home, and charged with crimes that carried the possibility of sixteen years in prison. Only in America, the land of hypocrites, I briefly thought (as if in other countries people were different) but this misses the point completely because not only her friends but most of the community defended Cynthia and fought for her.

Lynn Powell, a poet and a neighbour, who became instrumental in organising a community response against the county prosecutor, wrote a fascinating book about the case. Framing Innocence is a must read. In the apt words of Anne Higonnet on the book jacket: "Bad law and great community - some of the worst and some of the best aspects of America are wisely brought together in this important book."

***

"Beauty lies in the eyes of the beholder", as the saying goes. Not only beauty, one feels like adding, everything else too. In the case of pictures this means: We see in a picture what we want to see - regardless of what the picture shows. This, however, is not where it all ends, this is where it all begins.

The legal subtleties of what exactly constitutes pornography ("I know it when I see it", "the average person with average sex instincts") aside, how one interprets a picture does only in part depend on what the picture shows, it also depends on who, and in what frame of mind, - Cynthia Stewart considered the rinsing game pictures of her daughter "really no big deal", her lawyer "was not so sure", and the prosecutor thought them pornographic - looks at it, and where (in a porn mag or in a gallery), and under what circumstances (in a family album, as evidence in court), and, of course, in what mood.

"What makes a photograph indecent?" Powell asks. "Is it the situation in which it was shot? Or is it what you can imagine looking at the photograph? How you can interpret or misinterpret that photograph? And if you can look at a photograph and see something obscene, no matter who you are...is it obscene? Or is it only obscene of the photographer meant it to be obscene?" Pretty abstract, and pretty impossible to answer, I'd say. It is the concrete situation, it is the practical reality, that is more likely to provide an answer we can live with.

How we approach the world tells us generally more about ourselves than about the world, or about pornography. And this is good news for it means that attitudes can be altered. As I penned on another occasion: "... we are not condemned to expect from the world what our culture has told us. The culture we grow up in is not a static entity, neither is our identity fixed once and for all. We get older, might decide to live in foreign cultures, might even acquire knowledge that teaches us that some of the things we were once taught are quite possibly wrong in themselves, not only wrong in a given context." (Durrer, 2006). In other words, we do have the ability to change our point of view. Not that we would want to ... yet sometimes we become ready for it.

A good example of this readiness is the guardian ad litem appointed to the case by Children's Services, a Christian fundamentalist who had dedicated herself to combating child pornography. In the words of Powell: "She turned this town upside down investigating the family, she spent time with the family, and she marched down to the police station and demanded to see the photographs. And when she looked at those photographs, even though her ideology and her lifestyle was fundamentally different from Cynthia's, she looked at those photographs and she said, 'Wait a minute. That's not child pornography, that's a little girl taking a bath.' She did a 180-degree turnaround and became that family's strongest advocate."

As Horatio says in Hamlet: "The readiness is all."

Lynn Powell
Framing Innocence
A Mother's Photographs, a Prosecutor's Zeal,

and a Small Town's Response.
The New Press, New York, 2010
ISBN 978-1-59558-551-6

Framing the World

2011-04-27T00:01:00.004+02:00

Hans Durrer's essays on photography remind us, in a world of increasingly ubiquitous images, that the magic, mystery and subjective meaning of photographic images continue to be compelling. His essays help us question our assumptions about what we see, especially in the media. He gives us a perspective which encourages us to remember that what we see is not a soldier, or a wounded child. What we see is, he reminds us in delightfully numerous ways, is a photograph. Without context, he insists, what we can learn from a photograph is likely to be less than what we can understand if the image is accompanied with text of some kind. Especially with digital images, he says, we need to know something about who made the photograph, where and when it was made, and perhaps we are justified in our desire to know why this image moment is in our daily newspaper. If we are not given this information, we need at least to develop a habit of asking ourselves these questions. Durrer's essays advance the long conversation about the nature of photography, what it can and cannot tell us, and how we might reflect on these images.
Emelle Sonh, photo-artist, San Francisco

We have to be cautious, Hans Durrer admonishes us, to think a press photo by itself neatly reflects the real world. It may present itself as such, but a press photo never speaks for itself. Each time we look at a photograph we are forced to construct its meaning from the context within which it is placed. Leading us through a well-chosen series of case studies, Hans Durrer skillfully instills our attentiveness towards the unspoken messages of press photography.
Ger Tillekens, editor of "Studies in Photography" at Soundscapes,
Online Journal on Media Culture, Groningen, The Netherlands

Hans Durrer
Framing the World
Photography, Propaganda and the Media
Alondra Press, Houston 2011
http://www.alondrapress.com/
A Kindle eBook by Amazon
A Nook eBook by Barnes & Noble

Schreiben in Quito

2011-04-24T00:01:00.001+02:00

Ich kann schreiben, weil ich ein Esposo in Quito bin. In der Schweiz hätte ich niemals den Mut dazu gehabt. Ich hätte dem Druck meiner Richter, als Anwalt in ihrem Saal Plädoyers in Scheidungsprozessen zu halten, nicht widerstanden. Ich hätte gemeint, wie Karl eine Karriere machen zu müssen. Vermutlich wäre ich ebenfalls bald wie eine ausgepresste Zitrone gewesen.

Beim Schreiben hätte ich ständig den Blick des Nachbarn auf meinem Bildschirm gespürt. Wie hätte ich erklären sollen, dass ich jetzt ganz einfach schreibe? Die Erwartungen und Muster daheim hätten mich erstickt. Ich hätte geglaubt, mich rechtfertigen zu müssen. Spätestens im Kapitel ‚Am Rockzipfel’ wäre ich in Solothurn eingebrochen.

Als Esposo nehme ich mir die Freiheit zu tun, was ich will. So bleibe ich vorerst auf meiner Bank sitzen. Ich zähle Rosen. Ich beobachte, wie sich ein Paar küsst. Ich grüsse eine ältere Dame, die ihren Hund spazieren führt. Ich sehe, wie ein Gärtner den Park pflegt. Ich höre eine Ambulanz im Hintergrund. Ich fotographiere eine Statue, die an die Opfer aus dem Bürgerkrieg und der Diktatur erinnert. Ich bin dankbar, dass ich Lima als Esposo sehen darf und nicht mehr als Delegierter des IKRK die Schattenseiten des Lebens erleben muss. Ich freue mich auf Lilian.

Um drei Uhr verlasse ich meine Bank. Ich gehe zurück in unsere Mietwohnung, setze mich ans Pult und mache einen Neuanfang mit dem Esposo in Quito.

Auszug aus: "Der Esposo - Ein Ehemann in Quito" von Marcel von Arx, erscheint im September 2011 im Karin Fischer Verlag, Aachen

Dennis Hopper: Photographs 1961-1967

2011-04-20T00:01:00.009+02:00

It was James Dean who urged his friend Dennis Hopper to start taking photographs – and what you get to see in this heavy (over 4 kilos on my scale) tome proves that this was a really good idea. As Piers Morgan most convincingly penned: „A stunning new book with intimate behind-the-scenes movie-set photographs. It's an extraordinary book, almost paparazzi in its feel, yet way too artistic for that genre.“

However, I'm not sure how much time Piers Morgan spent with this book because there is much more to see than these fabulous movie star shots that instilled in me the strange sensation of having lived through these times although I'm a bit too young for that. It is not the first time that old photographs seem to radiate something from my past when in fact they were taken long before I was born. It's probably to do with the fact that when young we tend to look at pictures (the same goes for movies) of people and scenes from a past before we were born.

The title of this formidable work is somewhat misleading for we do not only get to see photographs that Dennis Hopper took from 1961 to 1967 but also lots of shots of Dennis Hopper (many by William Claxton) and of others, from the fifties, and .... but let me be slightly more specific: this volume starts with „The Taos Incident“, a text by Walter Hopps that explains why it is that we get to see these photographs (and how come that they do exist at all). Then follows a chapter entitled „Visions of Dennis“ (which of course shows lots of pictures of Dennis), followed by photographs („Abstract Expression“) that demonstrate Hopper's early influences:“ ... I was a product of Abstract Expressionism and Pop Art.“ These pics left me rather cold, quite contrary to the ones presented next: great scenes from „On the Road“ (some of his most convincing are from Mexico: „Mexico always held a fascination for me“, he says and it can be felt) and quite some remarkably intimate shots from „Inside Hollywood" with, among other images, pictures of 1712 North Crescent Heights, the Hopper's new house (the famous Bel Air fire in 1961 had burned their old house to the ground) that Andy Warhol described as „furnished like an amusement park“.

Then there are also (some amazing) shots from the New York and the West Coast art scene, followed by a truly impressive chapter called „The Scene“ that is about the coming together feeling of the sixties with pics of, for example, Buffalo Springfield, and Martin Luther King addressing a crowd in Selma, Alabama.

The book concludes with "In the Moment", over one hundred pages that pay hommage to Dennis Hopper's life and career with rather unique pictures - Hopper and Michelle Phillips fully dressed in a bathtube in Taos, a most remarkable shot by Dennis Stock on the set of "The Last Movie", Hopper directing a simulated sex scene for Hustler magazine ... and many more ...

Dennis Hopper: Photographs 1961-1967
Edited by Tony Shafrazi
Text by Dennis Hopper, Walter Hopps, Victor Bockris, Jessica Hundley
Taschen, Cologne 2011
www.taschen.de

Elaine Ling Photography

2011-04-17T00:01:00.012+02:00

Cuban Garden @ Elaine Ling

It were Cuban pictures that I first laid eyes on when I came across Elaine Ling's homepage - I immediately sensed something special, these pics seemed to capture the magic that I felt at times when in Havana. In fact, Havana, in retrospect, feels more magical than it felt during the times I was there. And I'm sure that one of the factors that contributes to this is that the photographs are in black and white.

Homage to Ghenghis Khan @ Elaine Ling

Elaine Ling has been around: on her site you will find photographic impressions of Tibet (in colour), Nomadic Mongolia (in black and white) and the Namib Desert (in black and white). And then there are colour shots from Kiev, and from Quito, black and white pics of Baobab trees in Mali and South Africa and then there are the shots of stones, and of buddhism ... how do you photograph buddhism? I wondered ... well, I suggest to check out Elaine's homepage.

What is it that makes her images special to me?
Their meditative quality, I'd say.
And, what do I mean by that?
I do not only look at them, I do spend time with them. I let my mind wander, and wonder, before it returns almost effortlessly to the picture.

High Noon, Namib Desert @ Elaine Ling

Who is this woman who is seeking „the solitude of deserts and abandoned architectures of ancient cultures“? I've asked myself and learned that she was born in Hong Kong and has lived in Canada since the age of nine. „She studied the piano, the cello and medicine“, an interesting and pretty rare combination, isn't it?

Upon graduating from Medical school, Elaine worked as a physician. „She was based in specialized Northern hospitals and flew into isolated communities, from the Eastern to the Western Arctic, from the northeast coast of Newfoundland to the northwest coast of British Columbia.“

Hopefully she was able to take pictures on these trips. I for one would be eager to see them, and to spend time with them.

Elaine Ling Photography
http://www.elaineling.com/

René Burri: Brasilia

2011-04-13T00:01:00.005+02:00

The first picture you get to see when you open this formidable tome shows you the view from behind the steering wheel of a bus and what you see in front of you is a road where a car has just started to overtake a truck while above, in the sky, you see an airplane that is coming towards you. On the next page a map is displayed that shows the way from Rio de Janeiro to Brasilia, followed by photographs that show vehicles, roads and aerial views from 1958 and 1960 - to find out what your eyes are showing you, you need to turn to the captions that are found on pages 211 pp (most photo books do not put their captions next to the photos - a common but nevertheless incomprehensible practice, especially in the case of documentary photography).
Then follows a text by Clarice Lispector where one reads: "I look at Brasilia the way I look at Rome: Brasilia began with a final simplification of ruins. The ivy has not yet grown.- Besides the wind there is another thing which blows. It can only be recognized in the supernatural rippling of the lake.- Wherever you stand, you have the impression of being on the margin of a dangerous precipice. Brasilia stands on the margin."

I must admit I'm at a complete loss as to what these words mean yet I kinda like them because I have decided to like Clarice Lispector since I discovered her while in Brasil. How come? I warmed to a photo of her, I guess, and I do very much like this quote of hers: "Eu escrevo sem esperança de que o que eu escrevo altere qualquer coisa. Não altera em nada... Porque no fundo a gente não está querendo alterar as coisas. A gente está querendo desabrochar de um modo ou de outro..."

Some photos are in black and white, others are in colour - and quite some of them are impressive, as documents and as compositions. One of my favourites is a black and white one, taken in 1960, on page 70 that shows two leafless trees in the foreground, a couple (he is holding a briefcase, she an umbrella) in the distance, and an apartment building in the background while a storm seems to be brewing. As much as I'm taken with this pic, its title or caption "Utopia becomes Reality" is beyond me. Another pic that I very much like can be found on pages 160/161: it is a colour shot of five people (four males, one female, of different ethnicity) looking attentively in one direction, they are probably watching a football game. Since I can't be sure (and since I would like to know what my eyes are registering) I turn to the caption on the last pages of the book where I read: "Crowds in Brasilia, 1977. The picture exemplifies Brazil's ethnically mixed and tolerant society." Apart from the fact that "crowds" is probably not the most appropriate word for these five spectators, this caption (and the previous one - there are many more of this kind in this tome) makes one wonder why they are so uninspired - and uninspiring? Is it because photographers can't write? In the case of René Burri this doesn't hold - just read his well-told Brasilia story on page 201. By the way, there is also another informative text to be found in this book, Arthur Rüegg's elaborations entitled "René Burri's Journeys to Brasilia.

But let's get back to the photos: they were taken between 1958 and 1997 and invite you to visually visit one of the most fascinating cities on the planet. My wish to go and see for myself how this place must feel like has once again grown stronger.

The photos displayed here show convincingly how Brasilia came into being. The way they were arranged for presentation demonstrates great care and sensibility. Too bad that the same care and sensibility was not extended to the captions.

René Burri: Brasilia
Edited by Arthur Rüegg
Scheidegger & Spiess, Zurich 2011

Adriana & die Sterne

2011-04-10T00:01:00.005+02:00

Bei meinem letzten Besuch in Adetswil, überreichte mir meine Nichte Adriana, sie ist drei, ein Geschenk.

Was ist drin?, fragte ich.
Ein Stein, sagten sie und ihre 4jährige Schwester Norena unisono.
Ich nahm den Stein raus und sagte: sehr schön.
Du musst ihn mir wieder geben, sagte Adriana. Du kannst das Geschenkpapier (mit Sternen drauf) behalten, dann kannst du die Sterne anschauen.
Und das tue ich jetzt.

PS: Später dann erfahre ich von Stefan, Adrianas Papi, dass sie vor dem Zubettgehen immer Sternengeschichten hören will und mir so recht eigentlich das Geschenkpapier mit den Sternen drauf hat schenken wollen, doch da man schlecht nur das Papier schenken kann, hat sie eben einen Stein darin eingewickelt.

The Golden Gate Bridge

2011-04-06T00:01:00.002+02:00

Fotografen A-Z

2011-04-03T00:01:00.003+02:00

Fotografen A-Z?! Was für ein Unterfangen!? Wie wählt man da aus? Nach welchen Kriterien? Muss so eine Auswahl nicht immer lückenhaft sein? Kann eine solche Bewertung und Gewichtung eigentlich etwas anderes als willkürlich sein?

Vollständigkeit sei nie angestrebt worden, schreibt Hans-Michael Koetzle im Vorwort. Und: "Gerade in der strikten Auswahl, in der Beschränkung sollte die Stärke eines Buches liegen, das sich als eine Art Pantheon versteht. Aufnahme gefunden haben demnach Fotografinnen und Fotografen, deren Beitrag zu einer Kultur des fotografischen Bildes ausser Frage steht, deren Werk international rezipiert, präsentiert und diskutiert wird - durchaus auch kontrovers. Berücksichtigt wurden Künstler vornehmlich aus Europa und den USA. Aber auch Fotografinnen und Fotografen aus Afrika und Lateinamerika sind prominent vertreten. Japan nicht zu vergessen, dessen Fotoszene mehr und mehr international Beachtung findet. In der Summe formt sich so eine Geschichte der Fotografie im 20. Jahrhundert - entlang geraffter Künsterviten, die ihrerseits ein bewegtes Jahrhundert reflektieren."

Man kann dieses imposante Werk natürlich auch anders als ein Geschichtsbuch sehen - als eine Schatztruhe zum Beispiel. Zugegeben, das eine schliesst das andere nicht aus, doch für mich hielt dieser Band in erster Linie Entdeckungen bereit. So war mir etwa der 1922 in Bern geborene und 2005 daselbst verstorbene Kurt Blum bisher kein Begriff und ich war beeindruckt von seinen Aufnahmen aus "Lebendiger Stahl", aus dem Jahre 1960.

Ganz wunderbar auch die Bildauswahl für die 1909 in Berlin geborene und 2001 in Zollikerberg, Schweiz, gestorbene Marianne Breslauer. Frank Weyers schreibt zu ihrem Stil: "Die Fotografin Marianne Breslauer wählt oft entfernte, hoch gelegene Standpunkte, um Landschaften oder Plätze und die sie bevölkernden Menschen zu überschauen. Dabei konzentriert sich ihr fotografisches Auge auf strukturelle Details, die Schwingung eines Quais am Ufer der Seine oder das Zick-Zack eines Treppengeländers. Sie verleihen ihren Bildern eine formale Ordnung. Eine oft dramatische Licht-Schattenführung, der Einfluss Man Rays, verstärkt diese Wirkung."

Beeindruckt (meine Auswahl hier ist vollkommen willkürlich) war ich zudem von Mario Garruba, einem, so las ich, führenden Bildjournalisten im Italien der 1950er und 1960er-Jahre, dessen Namen, auf dem Gebiet der Reportage, man "neben den von Eugene Smith, Édouard Boubat, Micha Bar-Am, Werner Bischof, Robert Capa und Henri Cartier-Bresson setzen" könne, wie Diego Mormorio meint und damit sicher recht hat, obwohl ich von Édouard Boubat und Micha Bar-Am noch nie gehört habe. Übrigens: Boubat lässt sich in diesem Band nachschlagen (und man findet dort bestätigt, was Mormorio behauptet), Bar-Am hingegen nicht. Und beeindruckt war ich auch von Flor Garduño, die in 1957 in Mexiko-Stadt geboren wurde, im schweizerischen Stabio lebt und ausschliesslich Indios fotografiert. Sowie vom Italiener Mario Giacomelli (1926-2000), bei dessen Aufnahmen man instinktiv merkt, dass es sich um Kunst handelt. Und von Candida Höfer, geboren 1944 in Eberswalde und heute in Köln lebend, über die Susanne Lange treffend festhält, sie kreiere, "ausgehend von der vorgefundenen Objektwelt, neue und in dieser Form nur im Bild existierende Räume (...) Diese werden von der Künstlerin nicht inszeniert, offenbaren jedoch das oftmals auch surreal anmutende erzählerische Potential und die Selbstinszenierungskraft scheinbar alltäglicher, von Menschen geschaffener Strukturen und Raumkonstellationen." Und von dem Chilenen Sergio Larrain (geboren 1931), wegen seinem Band Valparaiso, einer meiner Lieblingsstädte ... und und und ... wie gesagt, dieser Band ist eine Schatztruhe, er lädt zum Entdecken ein ..

Hans-Michael Koetzle
Fotografen A-Z
Taschen, Köln 2011

In Good Light

2011-03-30T00:01:00.004+02:00

"Homelessness - one of the topics we tend to think concerns only others: people who failed for one reason or another; people who are not in control of their lives; people who we think are fundamentally different from us. Yet are they?"

This is how Karen Sinsheimer begins her foreword into this most impressive collection of photographs of - we are told - homeless people. I have no reason to doubt that what my eyes are showing me are indeed homeless people but I probably wouldn't have guessed so had I not been told. As photographer Roger Eberhard opines: if you place people in front of a grey background and photograph them in proper lighting, "you cannot tell that their social standing differs from ours." Right, and Eberhard has done a superb job in demonstrating just that. What however slightly undermines his convincing accomplishment is the fact that all the people portrayed (the vast majority are men) are made known only by their first names - Reg, John, Edward, Hugo and so on - whereas photographer, curator and essayist, the other contributors to this tome, are introduced with first name, family name, the year they were born (and where), some of their accomplishments etc. etc. In other words, giving me a bit of background of the lives of the people shown here would have been more than just a good idea, it would have been helpful.

From Karen Sinsheimer we also learn that Roger Eberhard "made a contract with and paid each participant" and that "each person was given free rein to pose and offered the opportunity to include any props or significant others they desired." I briefly wondered whether the dog one guy was holding would be considered a prop or a significant other ... well, come to think of it, probably both.

Copyright@Roger Eberhard

"Roger Eberhard sees the people he portrays the way they want to be seen and portrayed. He sees their dignity ... They are happy top be preceived and to recognize themselves in the perceptions of others", writes Bernhard Schlink in his essay - and that is exactly what I also felt when looking at these photographs.

"In good light" invites us to look at people we usually tend to ignore. Spending time with these photographs brought homeless people in the streets of San Francisco to mind. I had looked at them in passing and briefly wondered how they lived. However, I hadn't paid as much attention to them as I had to these photographs.

"The camera is an instrument that teaches people how to see without a camera", Dorothea Lange once said. To which I would add: Looking at photographs can teach us to look at the real world with a changed perspective. And that is certainly true for these photographs of homeless people.

In Good Light
Photographs Roger Eberhard
Foreword Karen Sinsheimer
Essay Bernhard Schlink
Scheidegger & Spiess, Zurich 2011

Segantini

2011-03-27T00:01:00.004+01:00

Giovanni Battista Emanuele Maria Segatini (der sich erst in Mailand, als er dort studierte, in Segantini umbenannte) gilt als der Maler der Bündner Berge. "Voglio vedere le mie montagne", sollen seine letzten Worte gewesen sein als er 1899, gerade erst 41-jährig, in einer Berghütte auf dem Schafberg starb.

Diese Berge nun, so wie er sie gesehen und gemalt hat, zeigt uns dieser schön ausgestattete Band der Beyeler Museum AG, Riehen/Basel. Doch dieser Band zeigt uns mehr als Berge und Stimmungsbilder vom Leben in der Bergwelt: wir finden darin auch Porträts, Selbstporträts, Bilder von fischenden Knaben, von Booten, einer Brücke und vielem anderen mehr, und Fotos, ja Fotos, die erst vor kurzem gefunden worden sind, sowie erhellende Texte, in denen wir unter anderem lesen: "Die so wichtig gewordene ökologische Bewegung gründet nicht zuletzt auf Bildern wie den von Segantini geschaffenen Bergwelten" (Ulf Küster). Man staunt (und fragt sich, ob man das glauben soll), liest weiter und erfährt: "Segantini arbeitete vornehmlich draussen in der Landschaft, die ihm Atelier und Arbeitsort zugleich war" (Beat Stutzer). Annie-Paule Quinsac konkretisiert das dann so: "Segantini dachte und komponierte umgeben von Natur mittels Farbe, Volumen und Textur. Er benutzte lange Pinselstriche, mit denen er die Formen gleichsam flocht, und erzeugte mithilfe von Komplementärfarben wie in einem Gobelin oder mit kurzen, in nervöser Manier auf die Leinwand schraffierten Strichen Leuchtkraft."

Die Leuchtkraft von Segantinis Bildern ist in der Tat aussergewöhnlich. Man schaue sich etwa an, wie er "Il Naviglio a Ponte San Marco" an, oder "Ave Maria a trasbordo" oder "Costume grigionese" oder ... gemalt hat.

Patrick Stoffel kommt in seinen Betrachtungen zur Bergwelt zum Schluss, dass Segantinis Alpenbilder "oszillieren zwischen einem in der menschlichen Praxis beheimateten Lebensraum Alpen, der den Menschen aufnimmt und hegt, und einer dieser Praxis entzogenen Sphäre, worin die Alpen dem Menschen als das Andere des Lebens schweigend entgegentreten." Blättert man nach diesen Sätzen weiter und lässt die unmittelbar nachfolgenden Bilder ("La raccolta del fieno", "Primavera sulle Alpi", "Ramo di cembro", Pianta di cembro") auf sich wirken, kann man diese Einschätzung bestens nachvollziehen.

Wie es Segantini einmal selber formulierte: "Ich strebte immer weiter hinauf in die Höhen. Von den Hügeln ging ich zu den Bergen unter die Bauern, die Hirten, zu den Bewohnern des Hochgebirges. In jenem Lande lenkte ich kühner mein Auge auf zur Sonne, deren Strahlen ich liebte, die ich mir erobern wollte. Hier war es, wo ich am tiefsten die Natur in ihren lebendigsten Formen und in ihren leuchtendsten Farben studierte."

Was übrigens ganz speziell lohnt in diesem Band, ist der Text von Diana Segantini, der Urenkelin des Malers, die im Segantini-Haus in Maloja lebt und sich "auf die Texte und Briefe der Bündner Periode" konzentriert. Hier ein Auszug aus einem Brief an die italienische Schriftstellerin Neera: " (...) ich (habe) wirklich gelebt, ohne in den Büchern zu studieren, sondern immer beobachtend und nachdenkend. Ich habe die sogenannte Welt gekannt und all ihre sozialen Schichten nicht von fernher, sondern ich lebte darin als Mitglied und erfuhr so alle ihre Leidenschaften, ihre Schmerzen, ihre Freuden, ihre Hoffnungen, (...) ich habe die ganze unendliche Ebene der Traurigkeit und des Schmerzes durchschritten. (...) Ich blieb davon angeekelt, verzagt und müde, mit verlorenem Glauben, zerrissenen Herzens und mit der klaren Vorstellung zurück, dass die Gesellschaft ein elendes Ding sei, und nur da, wo sie nicht böse, dumm und empfindungslos ist, das Leben Wert haben kann durch den Genuss intellektueller Empfindungen. Das ist der Grund, weshalb ich einsam wurde." Seine Urenkelin ergänzt diese Passage mit folgenden Sätzen: "Seine südliche Herkunft, die Staatenlosigkeit, sein Temperament und sein Einstehen für Gerechtigkeit und Schwächere bringen ihm aber Neid und Missgunst in kleinen katholischen Savognin ein."

Summa summarum: ein Band, der wärmstens empfohlen sei.

Segantini
Hatje Cantz, Ostfildern 2011
http://www.hatjecantz.de/

Photography & Illusion

2011-03-23T00:01:00.002+01:00

But certainly for the present age, which prefers the sign to the thing signified, the copy to the original, representation to reality, the appearance to the essence ... illusion only is sacred, truth profane. Nay, sacredness is held to be enhanced in proportion as truth decreases and illusion increases, so that the highest degree of illusion comes to be the highest degree of sacredness.
Ludwig Feuerbach

It is not that we mistake photos for reality, we prefer them to reality. We cannot bear reality, but we bear images - like stigmata, like children, like fallen comrades. We suffer them. We idealize them. We believe them because we need what we are in them.
David Levi Strauss: The highest degree of illusion.

In downtown San Francisco

2011-03-20T00:01:00.001+01:00

Now when I walk in downtown San Francisco, where Muybridge walked and photographed, it sometimes seems that all the tourists are videotaping and all the locals are talking on cell phones. That is to say, the tourists will only experience the place later; the locals have entered a disembodied private space in public, a space they share with those who are not there and that shuts out those who are.

Rebecca Solnit: River of Shadows. Eadweard Muybridge and the technological Wild West

The View from Tiburon

2011-03-16T00:01:00.014+01:00

San Francisco as seen from Tiburon.

What comes first to mind when you think of California? I asked my younger brother Thomas when I recently visited him in Fairfax where he has been living for quite some years.
Space, he said.
Back in Sargans, this is what that my mind is now constantly returning to: the lack of space in Switzerland.

By the way, the photo was taken from the top of a hill that - with its lush grass and occasional rocks - reminded me of places up in the Swiss mountains (the ones where you will also get to feel space) although, come to think of it, more because of the occasional rocks than of the lush grass.

Indian Traffic

2011-03-13T00:01:00.000+01:00

Bildanalyse

2011-03-09T00:01:00.001+01:00

"In Analogie zur menschlichen Kommunikation habe ich ein neues Modell zur Analyse der Kommunikation mit Bildern entwickelt: das Vier-Augen-Modell der Fotografie", schreibt Martin Zurmühle, der in Luzern ein Architekturbüro und in Ebikon bei Luzern ein Fotostudio sowie eine Fotoschule betreibt. In Analogie zur menschlichen Kommunikation? Damit meint er das Vier-Ohren-Modell von Schulz von Thun. Noch nie davon gehört? Ich auch nicht und so lese ich denn: "Nach diesem Modell enthält jede Nachricht vier Botschaften (Sache, Selbstkundgabe, Beziehung, Appell). Das Kommunikationsquadrat beschreibt die Mehrschichtigkeit einer menschlichen Äusserung." Und in den Worten von Friedemann Schulz von Thun: "Wenn ich als Mensch etwas von mir gebe, bin ich auf vierfache Weise wirksam. Jede meiner Äusserungen enthält, ob ich will oder nicht, vier Botschaften gleichzeitig: eine Sachinformation (worüber ich informiere), eine Selbstkundgabe (was ich von mir zu erkennen gebe), einen Beziehungshinweis (was ich von dir halte und wie ich zu dir stehe), einen Appell (was ich bei dir erreichen möchte)." Das leuchtet zwar ein, beruht jedoch, wenn dies die menschliche Kommunikation beschreiben soll, auf einem Denkfehler, da wir weder wissen noch wirklich kontrollieren können, wie das, was wir aussenden, ankommt - und darauf kommt es bei der Kommunikation ja wesentlich an.

Für die Bildanalyse, auf die Martin Zurmühle es überträgt, ist dieses Modell so recht eigentlich viel geeigneter. Zurmühle unterscheidet hier eine Form-Ebene, das meint die Sach- beziehungsweise Inhaltsvermittlung mittels Punkten, Linien, Kurven, Flächen, Muster, Farben etc.; die Erzähl-Ebene, das meint, dass Bilder uns Einblicke in bekannte und unbekannte Welten vermitteln - man denke etwa an Reisereportagen; die Gefühls-Ebene, bei der, um ein Beispiel zu nehmen, häufig mittels Körpersprache Stimmungen und Seelenlagen ausgedrückt werden sowie die Ich-Ebene, die uns Informationen über den Fotografen liefert (Sujet-Wahl etc.).

Was für einen praktischen Nutzen hat nun dieses Modell?
"Durch die Kombination mehrerer 'Augen' gewinnen unsere Bilder an Kraft. Wir sprechen so den Betrachter umfassend an und unsere Fotografien werden spannender und wirkungsvoller."
Hat Martin Zurmühle recht mit seiner These? Ganz klar Ja. Wer sich selber davon überzeugen will, soll sich die Analyse des Polarlichts auf den Seiten 26 und 27 vornehmen.

Kurz darauf, auf Seite 29, steht dann zu lesen:
"Die Fotografie ist ein Teil der Bildenden Kunst. Lange Zeit stritten die Gelehrten darüber, ob Fotografien überhaupt Kunst sein können, da sie ja durch eine 'Maschine' erzeugt werden. Heute ist diese Frage geklärt und die Fotografie als Kunstform anerkannt." Das ist Blödsinn. Nicht mal die Frage, was Kunst ist, ist geklärt.
Zudem: Dass der Autor auf derselben Seite ein Zitat von Susan Sontag aufführt ("... ist die Fotografie keineswegs eine Kunstform"), darauf jedoch keinerlei Bezug nimmt, ist befremdlich.

Doch das sind Details, das Buch als Ganzes ist nicht nur eine erfreuliche Sache, weil es gestalterisch sehr schön gemacht ist, sondern auch, weil es auf vielfältigste Art informiert und anregt. So hält der Autor etwa im Kapitel "Bildanalyse" fest, dass die Fotografie (entgegen der Annahme vieler) nicht in der Lage ist, die Realität abzubilden. Sechs Punkte hat er ausgemacht, in denen sich die Wiedergabe der Realität in der Fotografie von unserer eigenen Wahrnehmung unterscheidet. So macht die Fotografie flach, rahmt ein, hält die Zeit an, setzt einen Fokus, verstärkt die Kontraste und verändert die Farben. "Die Fotografie ist keine naturgetreue Wiedergabe sondern eine Interpretation der Realität."

Das Buch ist in sechs Kapitel unterteilt. Neben dem bereits erwähnten "Bildanalyse", das von der "Kommunikation in der Fotografie" handelt, finden sich noch "Kommunizieren mit Bildern: Vom Vier-Ohren-Modell zum Vier-Augen-Modell", "Das Form-Auge: Die Gestaltung der Bilder mit geometrischen Formen", "Das Erzähl-Auge: Bilder, die etwas erzählen, sprechen uns stärker an", "Das Gefühls-Auge: Durch das Ansprechen der Gefühle die Wirkung der Bilder verstärken" sowie "Das Ich-Auge: Eine eigene, gut erkennbare und starke fotografische Sprache entwickeln."
Unter letzterem trifft man dann zum Beispiel auf ein Unter-Kapitel mit dem Titel "Motivlose Fotografie", das Aufnahmen von Helmut Gollmann vorstellt, der auf die Frage, weshalb er sich dem Motiv entziehe und was er damit ausdrücken wolle, antwortet: "Eine gute Frage {na ja}. Ich möchte meine Bilder eigentlich nicht intellektuell ausdeuten. Vielleicht nur soviel: mich interessiert ein sogenannt schönes Hauptmotiv im Bild nicht. Ich finde es viel spannender, wenn alle Bildteile die gleiche Gültigkeit haben und nicht sofort klar ist, warum diese Motiv fotografiert wurde." Ihn reize vor allem das Unfotogene, fügt er dann noch hinzu.
Ein weiteres Unter-Kapitel handelt von den Fotocollagen von Ulli Staiger, ein anderes von Fotodokumentationen, noch ein anderes von ... es ist erstaunlich, was für verschiedene Blickwinkel und Herangehensweisen an die Fotografie uns Martin Zurmühle, der zu jedem Thema einen anderen Fotografen porträtiert, hier zeigt - mein persönlicher Favorit war das Unter-Kapitel mit dem Titel "Silhouetten: Wirkungsvolle Schattenbilder gestalten". Was mich jedoch vor allem für diesen Band einnimmt, ist, dass es von praktischem Wert ist: man lernt in der Tat, wie der Autor das in der Einleitung verspricht, wie man die Wirkung, die das Bild beim Betrachter erzielt, beeinflussen und steuern kann.

PS: Auf Martin Zurmühles Homepage erfährt man auch, dass "Die MAGIE der Fotografie oder das GEHEIMNIS herausragender Bilder - BILDANALYSE nach dem Vier-Augen-Modell" beim Deutschen Fotobuchpreis 2011 Sieger in der Kategorie "Fotolehrbücher" (Siegertitel Silber) wurde.

Martin Zurmühle
Die MAGIE der Fotografie oder das GEHEIMNIS herausragender Bilder - BILDANALYSE nach dem Vier-Augen-Modell
Vier-Augen-Verlag, Luzern 2010

On spirituality

2011-03-06T00:01:00.001+01:00

"Someone said to me in Dublin: masses are down, confessions are down, but funerals are up!" She laughs. "Religion. You see, I rebelled against the coercive and stifling religion into which I was born and bred. It was very frightening, and all pervasive. I'm glad it has gone. But when you remove spirituality, or the quest for it, from people's lives, you remove something very precious. Ireland is more secular, but it went to their heads: a kind of hedonism. They're free, yes, but questions come with freedom. What about conscience? Conscience is an essential thing." She didn't see the crash coming, but she knew no good could come of the boom. "It generated an ethos of envy. I'll never forget walking along by St Stephen's Green [Dublin]. There was a big hoarding with an advert on it for a motor car. 'Enjoy the begrudgery,' said the slogan. It was very cynical, but very true. Not a healthy sign."

From Rachel Cooke: "Edna O'Brien: 'A writer's imaginative life commences in childhood'", the Observer, 6 February 2011.

Frédéric Chaubin: CCCP

2011-03-02T00:01:00.001+01:00

CCCP stands for Cosmic Communist Constructions Photographed and is one of the most amazing photobooks I've ever come across. Why do I say that? First of all because such Soviet buildings were totally unknown to me - I've always thought of Soviet architecture as a monotony in grey. Secondly, because many of these constructions look as if from outer space. Thirdly, because I'm stunned that Frédéric Chaubin managed to discover, and photograph them. I mean, the territory of the former Soviet Union is immense, so how did he make this fascinating tome possible?

It all started with a second-hand book bought on a sidewalk in Tbilisi in August 2003 - published twenty years earlier, it surveyed seventy years of architecture in Soviet Georgia. Glancing through the pages, Chaubin felt attracted to two buildings, discovered that they were located in Tbilisi and so he went to see and photograph them.

A few months later, he met a woman in Lithuania. "Working alongside her architect husband, she had helped to build a monumental health center there in the 1970s. The construction work took ten years. The building went up in the middle of the woods, near the border with Belarus, and was made, she told me, with total freedom. A homage to the work of Gaudi, she said." Gaudi? Indeed, check out the pics of the Druskininkai spa yourself.

But how come such buildings were possible? Wasn't the former Soviet Union a tightly regulated bureaucracy were nothing could be done without endless permissions? Chaubin offers the following hypothesis: "the inertia of the Soviet machine, too busy putting off its own demise, let the work it commissioned on its margins float free of its control. In this sense it is surely no coincidence if most of these specimens came into existence on the fringes - the Polish border, the Caucasus, or on the Black Sea." Makes sense, doesn't it? Yet Chaubin offers also a counter-hypothesis: "these projects were not ignored but actively encouraged ... Russia under Andropov suddenly grew bolder." And this equally makes sense - see also the spread of the Andropov Villa on pages 228/229.

"The fact is that in Russia the most Neanderthal conformism always coexists with the boldest avant-gardes", as Chaubin sums it up nicely. Many thanks for showing us the latter.

Frédéric Chaubin
CCCP
Cosmic Communist Constructions Photographed
Taschen, Cologne 2011

René Burri

2011-02-27T00:01:00.017+01:00

Die März-Ausgabe zum 70. Geburtstag von DU ist René Burri gewidmet, nein, nicht ausschliesslich, doch hauptsächlich; sie erscheint mit zwei verschiedenen Titelbildern.

Fällt der Name René Burri, denke ich seit meiner Zeit in Brasilien immer an sein São Paulo-Bild, Männer auf dem Dach, aus dem Jahre 1960. Sieht man sich dieses an (ja, ich spreche von mir), fragt man sich nicht mehr, ob Fotografie Kunst sei, man weiss es. Genauer: man ist sich gewiss, dass Fotografien wie diese zweifellos Kunst sind. Früher jedoch, als ich mich oft in Kuba aufhielt, dachte ich bei René Burri immer an seine Aufnahme von Che Guevara, aufgenommen in Havanna, 1963. Blättere ich nun durch dieses ganz wunderbare DU-Heft, gibt es neben den beiden gerade erwähnten Bildern, noch ein paar andere, von denen ich annehme, dass sie mir wohl künftig in den Sinn kommen werden, wenn der Name René Burri fällt: die Arbeiterfamilie in Brasilia aus dem Jahre 1960 etwa, oder der ägyptische Militärkonvoi am Mitlapass in Ägypten (1967), oder die Feuerwehrübung in Tokio (1972), oder ...

Warum mich gewisse Bilder erreichen, warum sie mir bleiben, vermag ich nicht wirklich zu sagen. Sicher, ich kann Vermutungen anstellen und im Falle der gerade erwähnten Aufnahmen erkläre ich es mir mit Burris Auge für Komposition, seiner Fähigkeit des Einrahmens. Dieser Mann versteht zu sehen und das meint, dass seine Augen nicht nur passiv aufnehmen, sondern aktiv gestalten. Und zwar auf eine Art und Weise, die mich anspricht und, da bin ich mir recht gewiss, wohl nicht nur mich.

Man findet nicht nur tolle Bilder in diesem prächtigen Heft, man findet auch Texte. Etwa eine DU-Zeitreise mit René Burri und Dieter Bachmann, von 1988 bis 1998 DU-Chefredaktor, in dem sich unter anderem der Satz findet: "René und die Fotografie sind sozusagen nicht unterscheidbar." Und auch auf diese schönen Ausführungen trifft man da: "Wahrscheinlich gibt es zwei Arten von Reisenden. Die einen denken sich in der Fremde immer nach Hause. Unter diesen sind viele Schriftsteller, und so bedeutende wie Gottfried Keller oder James Joyce. Die anderen müssen immer dort zu Hause sein, wo sie gerade sind - das sind die ewigen Migranten, und mit ihnen die Reporter, und sehr oft die Fotografen. Omnia sua secum portans: Sie tragen alles auf sich, was sie brauchen. Ich würde mich nicht wundern, wenn es das Wort burri in irgendeinem Hopi-Dialekt geben würde, und es würde 'unterwegs' bedeuten."

Und dann gibt es da noch ein tolles Interview, das die "Kulturjournalistin und Publizistin" (warum nicht einfach Publizistin?) Daniele Muscionico mit René Burri führte, das ich nicht zuletzt deswegen toll fand, weil die Fragerin den Leser mit bildreichen Einsprengseln an der Atmosphäre teilhaben lässt, in der sich die beiden unterhalten haben.

Neben einem vollständigen Faksimile der Erstausgabe von Burris Klassiker "Die Deutschen" gibt es noch drei weitere Texte zu diesem Ausnahmekönner im Heft - "Galerie der nicht geschossenen Bilder" (Erinnerungen Burris an Bilder, die er hätte machen können, doch nicht gemacht hat, ergänzt mit gescheiten Bemerkungen zum Fotografieren von Brigitte Ulmer); "Duckling breast with oranges" von Guido Magnaguagno, ehemaliger Vizedirektor am Kunsthaus Zürich, der - zerschnipselte Bilder einer zerschnipselten Welt kündigt ein Zwischentitel treffend an - ziemlich wild in der Gegend rumschwadroniert und dabei auch beim Collagisten Burri landet sowie aufschlussreiche Aufzeichnungen über den doppelten (schwarz-weiss/farbig) Burri.

www.du-magazin.com

Inszenierte Wahrheiten

2011-02-23T00:01:00.016+01:00

Die Annahme, dass Medien, wenn sie es denn wirklich wollten (und einige wollen das in der Tat und geben sich auch entsprechend Mühe), die Wirklichkeit abzubilden vermöchten, wird zwar allgemein angenommen, ist deswegen jedoch noch lange nicht wahr. Wahr ist, dass die Medien die Wirklichkeit, die in den Medien vorkommt, erst schaffen. Sie tun dies, zuallererst, indem sie auswählen, was sie zeigen wollen und, vor allem, was sie nicht zeigen wollen. Sie definieren Bezugspunkte, stellen Ordnung und Sinn her, geben Kontext vor. Die Realität wird ersetzt durch eine Medienrealität – und diese wird zu einem Selbstgänger, da sich die Medien vorwiegend daran orientieren, was andere Medien machen.

Hans Durrer
Inszenierte Wahrheiten
Essays über Fotografie und Medien
Rüegger Verlag, Glarus/Chur 2011

Umfang: 122 Seiten, broschiert
Preis: Fr. 24.00 / € 15.50 (D)
ISBN-Nr.: 978-3-7253-0966-5

The Bedouin Temper

2011-02-20T00:01:00.002+01:00

Enough has been said of the Bedouin ethos to make us understand one additional juxtaposition which it impresses on the Bedouin mind, and which found its way from there into the Arab mind in general. The juxaposition is that of activity-passivity. The typical Bedouin's life alternates between relatively long periods of passivity, of spending all day in what the Italian mind, with a similar appreciation and inclination, considers the "dolce far niente" "the sweet doing nothing," and brief spurts of frantic activity best exemplified by the ghazw. The Bedouin temper is characterized by sudden flare-ups, which can easily lead to violence and even murder, followed by remorse and long periods of tranqulity, inactivity, almost apathy. This alternation between two poles has been observed and commented upon by numerous students of the Arabs, for it is characteristic not only of the nomads but also, although to a lesser degree, of the settled people, villagers and city dwellers alike. Even in semi-Westernized Arab society, in a generally friendly gathering, such sudden, violent outbursts of temper occur not infrequently, but they cause only a momentary flurry, since everybody knows they mean nothing serious, and that the even flow of give-and-take will return after what normally proves to be but a short interruption.

Raphael Patai: The Arab Mind

World Press Photo 2011

2011-02-16T00:01:00.003+01:00

On 11 February 2011, the jury of the 54th World Press Photo Contest selected the picture shown on the cover of Time magazine below as the World Press Photo of the Year 2010.

On 1 August 2010, I had posted the following:

The cover of Time magazine's issue of 9 August 2010 shows a shocking picture of an 18-year-old Afghan woman whose nose was hacked off as punishment after she fled an abusive husband, we learn from the photographer Jodi Bieber. In fact, not only her nose was cut off but also her ears.

Next to the picture there is the headline (that serves as a caption) that says: "What happens if we leave Afghanistan".

The columnist Tom Scocca, on the Slate website, called the picture "gut-wrenching" but suggested that "a correct and accurate caption would be 'What is still happening, even though we are in Afghanistan'".
I couldn't agree more.

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I now feel like adding a postscript for I've just come across "What's right with this picture?" by Susie Linfield's piece in Dissent magazine:

"... it is bad faith of the worst sort to argue that withdrawal would somehow help the women of Afghanistan; or would rescue them from lives of almost unimaginable pariahdom, misery, poverty, physical pain, poor health, ignorance, and degradation; or would not take away even the minimal gains that have been made. Equally bad, I think, is the pretense that a “deal” with the Taliban won’t somehow come at women’s (and children’s) expense. Let’s at least call barbarism by its right name—which is just what the Time photograph did."

I do agree, this is exactly what the Time photograph is all about. Yet the text next to the photograph ("What happens if we leave Afghanistan") is an entirely different story. There is no doubt in my mind that withdrawal would clearly not help Afghan women; there is however equally not a doubt in my mind that the Nato governments clearly did not send their troops there because they care about Afghan women. And so, when Susie Linfield asks "What's right with this picture?" the answer is: everything - and the World Press Photo 2011 award is well deserved. It is the caption that is wrong, it should have read: this is what is happening in Afghanistan.

Mitch Epstein

2011-02-13T00:01:00.004+01:00

"If the photographer is able to capture the momentum in which the accidental reveals something fundamental, his photograph will not only describe a singular event; it will also, at its best, become a document of universal relevance. The photographs by Mitch Epstein definitively possess this double transparency: they are, to a great degree, typical of their time, not only due to the motifs they depict, but also because they reflect the atmosphere and social climate of the moment in which they were made", writes Christoph Schreier in "Structure and Contingency in Mitch Epstein's Photographic Work".

Okay then, let's take a look at the photograph on the cover: does it really reveal something fundamental, is it a document of universal relevance? After having spent quite some time with this shot, in different moods, during the day and at night, I'm not so sure. In fact, I'm at a loss whether this photo (it shows the Hoover Dam Bypass Project, Nevada, and was taken in 2007) reveals anything more than it shows: an unfinished highway bridge somewhere in the mountains.
Stephan Berg, who wrote the essay "Empathy and Distance", disagrees: " ... the astonishing thing about Mitch Epstein's large photo series American Power (2003-08) is that everything these images want to say can actually be seen in them. The subtexts of this series are not claims that need to be brought to the photographs from the outside; instead they find their correlation directly on the image surface."
Well, judge for yourself.

By the way, don't get me wrong, I do like this picture - for the simple fact that it pleases my eyes.

Photographs are often considered comments on situations/events and, of course, sometimes they are, and quite obviously so - just think of the pics that showed people celebrating on the Berlin Wall the night it came down. More often, however, we need context explainers to enlighten us about the significance of what is unfolding in front of our eyes: they rarely talk about the feelings they've experienced when looking at, and into, the photographs they are elaborating on, instead they let us know what we do not see but will have to take into account in order to understand what our eyes our showing us - so they claim. Such texts (together with an interview with Mitch Epstein) can also be found in this tome.

My approach is different: photographs attract me or they don't. My interest in exploring the ones that do not speak to me is almost zero which is why I concentrate on, and spend time with, the ones that appeal to me. Let me give you an example from "State of the Union"
It strikes me as a very intimate pic, I perceive the two young girls in their bikinis as vulnerable in these surroundings although the two guys (they look like cleaners) do not appear to be threatening. On the other hand, they do not seem to leave the two girls alone either. Why don't they move on and let them do their phone call unobserved? Or do they somehow belong to the girls? Could it be that one of the girls (are they sisters, are they friends?) needed to urgently call home and the two men had shown them where the phone was? Idle speculation. We can't know what we are looking at if the photographer doesn't tell us how the photo came about. Yet the intimacy, the vulnerability, the fragility that many of the photos in this tome (especially when humans are shown in their not so natural surroundings) radiate, can be felt by everyone, I believe - and that is a remarkable achievement.

PS: I've sent the above text to the San Francisco photo-artist Emelle Sonh and then the following exchange ensued.

Emelle Sonh:
I think the freeway photo on the cover, along with the book title is not only clear, but blatant to the point of being cliché. The State of the (U.S.) Union is not going anywhere ... is broken, has inadequate energy to continue "making roads" - a path - America, famous for it's cars - no more freeways being built - if you drive on this abruptly unfinished road as though the freeways of old America were the strong routes they once were ... you will fall off the end ... maybe fatally so ... Bold blatant visual image to my mind.
The girls and guys is more ambiguous, though maybe with a larger image, I could feel more in it. I don't necessarily feel the girls' vulnerability, but the interpretation of this one could go in many directions. A title might help, as you often say. This is a good example of "there is no right answer when viewing images" and so long as it is not used to sell coca-cola, I am fine with the ambiguity.

Hans Durrer:
I think you're right in regards to "blatant to the point of being cliché" but would still argue that all this is brought to the picture ... what is there is still nothing but an unfinished bridge. I guess my different stance has also to do with my refusal to simply go along with other people's implicit (and too often clichéd) assumptions. In other words, if this guy had in mind what you (probably rightly) assume he had there would have been definitely many more ingenuous ways to illustrate that ... a car stuck in a pothole, for instance, or whatever ... ....

Emelle Sonh:
I agree the photo is of an unfinished freeway - period. We bring interpretation/meaning - always... and, I also agree that the blatant, cliched expression of his idea was not very imaginative, deep or subtle ... or layered ... personally, I'd prefer the pothole - at least less obvious expression of the obvious - American Decline.

Mitch Epstein
State of the Union
Hatje Cantz, Ostfildern 2010

Photographing Starlings

2011-02-09T00:01:00.002+01:00

A flock of starlings gather over the derelict West Pier in Brighton.
Photographer: Mike Hewitt/Getty

Even as an ardent birdwatcher, I'll confess that a single starling is a rather drab sight. But you can capture stunning images of starlings if you see them in a new light. In summer, the drabness of their dark plumage melts away to reveal an iridescent show of greens and purples. In winter, the birds a completely different look as the plumage becomes spangled with white spots.

In my opinion, the best way to see starlings is just before dusk when flocks – known as murmurations – gather in autumn and winter skies for one of our most celebrated wildlife spectacles. Sometimes up to 1 million birds - from a radius of 20 miles - join vast flocks that twist and turn against the fading light, creating a pageant of ephemeral, ever-changing patterns - like smoke on a breeze.

Many of the birds will have travelled to the UK from Scandinavia, or even Russia, to join starlings that have nested in the UK. Starlings gather in huge flocks to spend the night in safety in reedbeds, or on buildings, such as Brighton pier. It's always been a slight mystery to me why these birds put on such a prominent display before roosting for the night. The primary aim of creating a large flock is to confuse predators, such as peregrine falcons or sparrowhawks: so, why do starlings advertise their presence so obviously?

The ecologist in me says they are probably encouraging others into the roost site, creating an ecological advantage for the starling's survival. However, my fun-loving side yearns to believe that starlings put on a Red Arrows show just because they can.

These spectacles happen at specific sites across the UK from October to early spring, allowing anyone with a camera, or even a mobile phone to capture an impression of this aerial ballet. However your image will strip away most of the sensations that you felt at the time; the chattering of a million calling birds; frost nipping at your nose and toes; or perhaps the scent of distant bonfires.

So how do you create an image that best captures the impressions of the event? Firstly, think about the location. Try to position yourself on the eastern side of the action. As the sun sets in the west, standing facing the sunset will allow you to include the sun, or sunlit clouds, as a backdrop for your composition. Even on a cloudy day, the light in this part of the sky will be brighter and will last for longer after sunset.

Think about how you frame your picture; including a distant church spire; a line of trees; or some other feature on the horizon will lend your picture a sense of scale and also a sense of location. You could also include other spectators for added human interest. Consider whether you want to capture a single image or create a sequence of pictures. Locking the camera on a tripod could enable you to take a set of pictures with the same framing. Including the same foreground while capturing the different patterns of the swirling flocks is one way of trying to describe the choreography of these.

Photographers with a little more technical know-how might want to create more impressionistic images. You have a choice where you can use a fast shutter speed to freeze each bird or use a slow one, allowing the movement of each bird to register as a streak across the frame.

However you choose to capture the event, be sure to take a few minutes to soak up the atmosphere of the event before the birds tumble from the sky and settle down for the night.

Grahame Madge: 'Flocks of starlings make for spectacular photographs' in the Guardian, 1 November 2010

Geschichte der Photographie

2011-02-06T00:01:00.010+01:00

"Geschichte der Photographie" baut auf der George Eastman House Collection auf, deren photographische Sammlung insgesamt über 400,000 Artefakte verfügt. Da es unmöglich ist, diese alle in einem Band zu versammeln, bietet "Geschichte der Photographie" einen thematisch und chronologisch geordneten Überblick.

Das Museum im George Eastman House wurde 1949 gegründet. Es war - nach Walton Sipleys "American Museum of Photography" - das zweite, der "Photography" gewidmete Museum, sein erster Kurator war der Photographie Historiker Beaumont Newhall.

Ein ungeheurer Reichtum an vielfältigstem Bildmaterial, erläutert und ergänzt mit höchst informativen Texten, zeichnet diesen Band aus. So erfährt man etwa, dass in ihren Anfängen die Photographie in Ägypten in der Hand meist wohlhabender Amateure sowie "Individuen wie Louis de Clercq und Maxime Du Camp, die offizielle oder halboffizielle Unterstützung von verschiedenen staatlichen oder wissenschaftlichen Stellen erhielten", gelegen hatte, doch in den 60er und 70er Jahren des 19. Jahrhunderts begannen Einheimische aktiv zu werden. So besass der Ägypter J. Pascal Sébah von den 1870er bis in die 1890er Jahre eines der grössten Photostudios in Konstantinopel und schickte regelmässig Photographen los, um ägyptische Sehenswürdigkeiten aufzunehmen. "Die fortgesetzte Präsenz der von Einheimischen geführten Ateliers, die aufgrund ihrer Vertrautheit mit den Bräuchen und Sprachen des Landes Zugang zu Orten hatten, der herumreisenden Touristen und Photographen nicht gewährt war, vergösserte den Bestand an Bildern aus diesen Regionen."

Étienne Jules Marey
Chronophotographische Studie eines Mannes beim Stabhochsprung,

1890-1891

Im Kapitel "Welt der Tatsachen" liest man dann den Satz, der wohl auch heute noch für die meisten von uns, und trotz unseres Photoshop-Wissens, Gültigkeit hat (jedenfalls gefühlsmässig): "Ihre vermeintliche Authentizität verlieh ihr {der Photographie} den Nimbus eines wissenschaftlichen Beweises." Und im Kapitel "Photographie im öffentlichen und im privaten Leben" erfährt man, dass Victor Hugo, weil er Napoleon III öffentlich angeprangert hatte, zusammen mit seiner Familie von 1851 bis 1870 auf der Insel Jersey im Exil leben musste und dort, zusammen mit seiner Frau Adele, ein Album mit 41 Photographien zusammenstellte, als Geschenk für die Tochter von Hausgästen, die sie beherbergt hatten. Man lernt aber noch weit mehr in diesem Kapitel, etwa, dass oft Haustiere photographiert wurden oder dass es im viktorianischen England meist Frauen waren, die Photoalben zusammenstellten oder ... die Fülle an Interessantem, Spannendem und Anregendem ist eindrücklich, nicht zuletzt, weil, so lesen wir: "In keinem anderen künstlerischen Medium haben Amateure einen solch bedeutenden Beitrag geleistet wie in der Photographie."

À propos Kunst: Julia Margaret Cameron, die erst im Alter von 49 Jahren zur Photographie gekommen war und sich mit Porträtaufnahmen einen Namen machte, wird im Kapitel "Künstlerische Ambitionen" mit dem Satz zitiert: "Es ist mein Bestreben, die Photographie zu veredeln und ihr den Charakter und die Wirkung einer Hohen Kunst zu sichern, indem ich das Wirkliche und Ideale verbinde und trotz aller Verehrung für Poesie und Schönheit nichts von der Wahrheit opfere." Wer wissen will, wie das in der Praxis aussah, findet Informationen dazu hier.

Mein persönliches Lieblingskapitel ist "Das photographierte Objekt". Hier finden sich unter anderen die wunderbaren Aufnahmen von Edward Weston (1886-1958). Zu meinen Favoriten gehören das Tomatenfeld von 1937 und die Dünen von Oceano von 1936, aber auch Tina Modottis Frau von Tehuantepec und Imogen Cunninghams Magnolienknospe (beide von 1929), Alexander Rodtschenkos Moskau von 1927, László Moholy-Nagys ... doch Halt, Stopp, bevor ich jetzt noch alle anderen in diesem instruktiven Band versammelten Aufnahmen aufzähle ...

Geschichte der Photographie
Von 1839 bis heute
Taschen, Köln 2010

Should we look?

2011-02-02T00:01:00.006+01:00

In "Warsaw, Lodz, Auschwitz", one of the chapters of her recommendable The Cruel Radiance, Susie Linfield remarks that "it is probable that no state and no army have ever been as intent on self-documentation as the Nazi state and the Nazi army: a well equipped propaganda team of writers, photographers, and filmmakers accompanied every German unit sent to the front. And, far from home, Nazi soldiers met likeminded folk who shared their twin interests in taking photographs and tormenting Jews."

Many of these photographs still exist. Should we look at them, or should we not?

There are critics who say we should not. In the words of Susie Linfield: "These critics, who might be called the 'rejectionists,' claim that such photographs - taken, obviously, without the victims' consent and designed to degrade - are not just documentations of cruelty but are the acting-out of cruelty. In this they are surely right. What makes their stance problematic, however, is their further insistence that to look at such photographs, as opposed to taking them, can only revictimize the victims and recreate the original crimes. In their view, we are all Nazis now - or will be if, like Lot's wife, we dare to look backwards at things we shouldn't."

Not my view at all. Firstly, I do not like (and do not need) to be told what I should look at. Secondly, I'm not in favour of censors who will decide what I can see and what not. Thirdly, no, I will not look a every picture just because I can - why anyone, for instance, would want to witness a beheading on the internet is beyond me.

Probably more compelling reasons for not giving in to the rejectionists' view are offered by Susie Linfield: "Why can we not see through these photographs and regard them as revelations, rather than fortifications, of fascist values? Why can we not view these images actively and critically rather than in mute, stupid obedience?"