Wednesday, 17 May 2017

Sibylle Bergemann: Beauty and Doubt

Lily, Berlin, 2009

It doesn't happen often that I feel immediately drawn to the photographs I'm looking at. And, even less often such photographs are by one and the same person.

It was in 2011 that I came across Sibylle Bergemann. It was a collection of polaroids which fascinated me for I didn't think it possible that they could radiate poetic quality – but they do. 

The tome Sibylle Bergemann 1941 - 2010 not only shows photographs that I can't take my eyes off, it also comes with most impressive texts. Here's how Sonia Voss comments on the cover (shown above):  "Midnight blue walls, dress the color of light. Seated in the corner of a room, illuminated by the half-light of a window, off-camera to the left, a woman traces the diagonal of a frame. Her arms extended the length of her body, the folds of her skirt spread carefully in front of her, she is tipped back on a bench, photographed slightly from above, delivered up to the lens. Her eyes are closed: one sees only their graceful design, large black accents, shadowed lids. Thus styled, she shrinks from our grace. Offered up, she seduces us and simultaneously resists us. From the interior world in which she has taken refuge, we get to know nothing. The deepest thing in man, Paul Valéry wrote, is the skin."

Wonderful! Words like these help me see what I would very likely have missed.
Dakar, 2001

I feel deeply touched by Sibylle Bergemann's photographs, by virtually all of them. I'm not sure why yet I can identify here the most prominent sensation that I'm experiencing when spending time with them: a kind of vague longing.

It's probably also to do with what Jutta Voigt expressed like this: "Every portrait is also a self-portrait of this photographer with the literary gaze; she sees what she knows and feels: beauty and doubt." And a distinct sadness, I feel like adding.

Quite some of Sibylle Bergemann's pics reminded me of paintings, especially the color photographs. There's an elusive magic that they exude and that makes me pause.
Lily, Margaretenhof, 2009

This tome was published on Sibylle Bergemann's 75th birthday in August 2016. It contains mostly portraits and man-made environments (buildings, broken-down cars). The last chapter shows a photo documentary of the creation (from 1975 until 1986) of the Marx and Engels Monument.

"After the fall of the Berlin Wall, the sculpture of Friedrich Engels, dangling from a crane, was frequently viewed in photo-historical reception as a symbol of the GDR's dismantlement. At the time the image was taken, however, the sculpture was held to be a portrayal of construction. Bergemann commented laconically: 'We just showed how it really was.'"
Das Denkmal, Berlin Februar 1986

The texts come in German, English, and French; the translations are excellent.

Sibylle Bergemann 1941 - 2010
Zum 75. Geburtstag / On her 75th Birthday / Pour son 75e anniversaire
Kehrer Verlag, Heidelberg 2017

Wednesday, 10 May 2017

World Press Photo 2017

Burhan Ozbilici for The Associated Press

"Trust is at the heart of what we do and can never be taken lightly. World Press Photo relies on visual journalists to give us the information necessary to verify their photographs and stories. They all do so willingly. We play our part by having a rigorous verification process that ensures our winners are as accurate as possible. Together we produce the best in visual journalism", writes Lars Boering, Managing Director, World Press Photo Foundation.

Trust is indeed important, it is essential. Not just in press photography but in very probably everything. Boering's claim to "produce the best in visual journalism" is however not much more than a claim (or wishful thinking) for there are no hard criteria as to what may be "best". Moreover, making such a claim doesn't exactly inspire the aformentioned trust that photojournalism relies upon but risks eroding it.

To be more specific: I'm not even sure that Burhan Ozbilici's World Press Photo of the Year 2017 is a good photograph. Don't get me wrong: I think the story of this assassination (the combination of photographs and the accompanying text and captions) deeply irritating and moving. In other words: excellent photojournalism. But a good photograph? In my view, a good picture is more than a snapshot, factors such as light and composition need to figure prominently.

I very much liked what Stuart Franklin, Chairman of the 2017 Jury, had to say for I thought his elaborations informative and clarifying. "Viewing the pictures, and despite a desire for objectivity, differing filters are applied by each juror. These relate to aesthetics, news value, cultural bias, social or environmental significance and so forth. Personally, I looked for an empathetic eye, and am very pleased to have found that in so many of the photographs that made the cut. Photographs need to be of a professional standard and uncontrived, although the People category is open to the established practice of portraiture. Despite efforts to counter stereotypes, they sometimes slip through. The tension between art and journalism, deeply embedded in the medium, is also an unavoidable contingent."
Tomás Munita for The New York Times

When selecting the pics for this blogpost, I decided to let myself be guided by instinct. The above picture shows members of the Ejército Juvenil del Trabajo, a youth auxiliary wing of the Revolutionary Armed Forces, waiting along the road to Santiago de Cuba at dawn for Castro's funeral procession to pass.

Needless to say, impulses do not always come out of the blue. The reason I feel drawn to this pic might have to do with the fact that I sort of have a special relationship with Cuba for, many years ago, I got married in La Habana.
Daniel Berehulak for The New York Times

This is what Rodrigo Duterte's anti-drug offensive in the Philippines looks like. The photo shows Jimji Bolasa (6) crying before funeral parlor workers remove the body of her father, Jimboy, who was found dead after being abducted by unidentified men.
Sergey Ponomarev for The New York Times

Residents of Mosul flee the city in November 2016.

There were many more pics that I thought captured touching moments. World Press Photo 2017 presents a veritable tour d'horizon to the trouble spots of this world and in so doing reminds us of what we need to be reminded of. For photographs in combination with explanatory words can help us feel the pain and sufferings of our fellow human beings.

World Press Photo 2017
Schilt Publishing, Amsterdam 2017

Wednesday, 3 May 2017

Tuol Sleng Genocide Museum

From 1975 to 1979, the Khmer Rouge were responsible for the death of approximately 2 million people. They died because of political executions, disease, starvation, and forced labour. The then notorious Security Prison 21 (S-21) serves today as a museum, the Tuol Sleng Genocide Museum.

Shaded Memories by photographer Ann-Christine Woehrl shows how she sees the museum and what she wants us to see, to look at, to think about and reflect upon. This is what I at least suppose ... for she does not comment on her photographs. There are however others who contributed texts to this tome; the most informative is by journalist Anne-Laure Porée.
Tuol Sleng Main Gate

Having read a number of books on the murderous Khmer Rouge regime, I do have a fairly good idea what that period in Cambodian history is about or, in other words, I sort of know what I'm looking at when going through the pages of Shaded Memories: Nevertheless, I'm stunned and irritated (to put it mildly), how such a tome can be presented with practically no background information. 

Well, one might argue, photographs are an invitation to ask questions. And, if you take this tome into you hands and start to wonder what these photographs are all about, then it will be inevitable for you to learn about the Cambodian genocide.
So what do we get to see? Photographs of prisoners (male and female, young and old), dead persons, skulls of executed prisoners, cell blocks, razor wire, cell keys numbering, an interrogation room, a stairwell, a food bowl, bones and clothes of victims, a scene from a propaganda video ... Needless to say, without the captions I would have often been at a complete loss.

Quite some of the pics are thoughtfully, and cleverly, taken. The hearing of case 002/02, for instance, is illustrated by earphones hanging in front of a wall. Or Human Rights Day that shows a faceless uniformed man holding a walkie-talkie while approaching an iron fence.
The idea to document what one was touched by in a museum, and especially in such an extraordinary museum such as Tuol Sleng, I regard as a laudable and most useful undertaking. What I do however miss in this tome is the voice of the photographer for pictures do not speak for themselves. They can't. They need a voice. And preferably the voice of their creator. Without being told about the feelings and thoughts of the photographer, I'm left to guessing. That is fine, of course, but I definitely expect more from a photo book.

Ann-Christine Woehrl
Shaded Memories
Edition Lammerhuber, Baden, Austria 2017

Wednesday, 26 April 2017

waterforms

„My photography depends on access to protected open spaces and would not be possible without it. It is the quiet, natural landscape that inspires and nurtures. Behind that experience is the dedication and advocacy of local and national conservation groups, along with all who value land protection and contribute in any way“, writes Dorothy Kerper Monnelly in the acknowledgements section of her „waterforms“

There are two major subjects that „waterforms“ portrays: the forms and patterns that water creates on the land and the ice patterns that form in fresh water streams. Both are subjected to changes in temperature and powerful winter winds. „I quickly learned that to photograph ice patterns, the critical extra ingredient is warm clothes!“

Dorothy Kerper Monnelly also writes (in her artist's statement) that „Fine Art Photgraphy is the language of the inner eye – the inner self that responds without knowing. It is an intuitive dialog that speaks as an image. It is a search for truth ... for the song!“

„waterforms“ starts with a series of pictures with captions such as „Ice Pattern 26, Ipswich, MA, 1/2016“, „Ice Pattern 25, Saco River, NH, 12/2014“ or „Ice Pattern 13, Ipswich, MA, 1/2003“. Without knowing that I'm looking at ice patterns I would have very probably never guessed it. In other words, I'm glad I'm told that there are ice patterns in front of my eyes although the additional caption information is probably more of interest to the photographer (reminding her when and where the picture was taken) than to the reader.

For the full review, please see here

Wednesday, 19 April 2017

Daniel Rohner: Dialog mit Mi Fu

Der 1955 in Basel geborene Fotograf und Kunstmaler Daniel Rohner, lese ich in der Presseinformation, sei in die Rheinschlucht zwischen Reichenau und Ilanz hinabgestiegen und habe am Churer Hausberg, dem Calanda, und im Laufental fotografiert. Ich war gespannt, sehr sogar, denn diese Gegenden sind mir bekannt, ganz besonders die Rheinschlucht zwischen Reichenburg und Ilanz, wo ich oft zu Fuss unterwegs bin. Beim ersten Durchblättern von Dialog mit Mi Fu war meine Überraschung gross: Was ich sah, hatte ich so noch nie gesehen, jedenfalls nicht bewusst. Beim zweiten und dritten Hinschauen entdeckte ich dann einige wenige mir nicht ganz unvertraute Ansichten. Mit anderen Worten: Die Beschäftigung mit Daniel Rohners Aufnahmen zeigten mir wiedereinmal, weshalb Fotografien zu betrachten horizonterweiternd sein kann: Diese Bilder zeigten mir Ansichten und Sichtweisen, die mir gefielen und die mir sonst wohl entgangen wäre. 
Aus dem Begleittext von Andres Pardey erfahre ich unter anderem, dass Mi Fu, der von 1051 und 1107 gelebt hat und als einer der Väter der chinesischen Tusche- und Aquarellmalerei gilt, "als derjenige, der die Landschaften mit ihren vernebelten Tälern und den spitzen, hintereinander geschichteten Hügelzügen als einer der Ersten so dargestellt hat, wie wir sie gemeinhin von Bildern kennen."

Da macht also einer in der Schweiz Fotos im Stile eines chinesischen Malers (oder zumindest von diesem inspiriert), denkt es so in mir. Ein interessanter Ansatz, nicht zuletzt, weil es in China Landschaften gibt, die einen an die Schweiz erinnern. Jedenfalls ist es mir während eines mehrmonatigen Aufenthalts in der Provinz Fukkien so ergangen. Doch wie muss ich mir das Vorgehen des Fotografen vorstellen? Ist er mit einem Bild im Kopf hingegangen und hat dann versucht, dieses in der Schweizer Realität zu finden? Oder hat er ganz einfach genau hingeschaut und (vielleicht beeinflusst von an Mi Fu geschulten Sehgewohnheiten) gesehen, was vor langer Zeit auch Mi Fu so ähnlich gesehen haben mag?
Lothar Ledderose macht in seinem Beitrag "Reisende zwischen Giessbächen und Bergen" auf zwei Landschaftsbilder (das eine entstand um das Jahr 1000 und stammt von Fan Kuan, das andere, datiert 1072,  von Guo Xi) aufmerksam, die an Daniel Rohners Fotos gemahnen und hält fest: "Über die Jahrhunderte hinweg besteht eine eigentümliche Affinität zwischen den Werken der song-zeitlichen Maler Chinas und den suggestiven, enigmatischen, mit bewundernswerter fotografischer Technik gestalteten Bildern von Daniel Rohner. Auch er zeigt eine unberührte Bergwelt: schroffe Felsen, komplexe Oberflächen in unendlich vielfältigen Abstufungen von Grau, wabernde Nebel, winzige Behausungen; auch seine Fotografien führen uns die schöpferischen, kosmischen Kräfte der Natur vor Augen."

Mich erstaunen die Gemeinsamkeiten von Malern, die vor gut 1000 Jahren in China lebten, und dem Schweizer Fotografen Daniel Rohner nicht, denn wir Menschen haben mehr miteinander gemein, als uns bewusst (und möglicherweise lieb)  ist. Üblicherweise betonen wir die Unterschiede. die geografischen, die kulturellen und die zeitlichen. Für mich hat Daniel Rohner mit diesen Fotos sein Augenmerk auf das Verbindende gelegt.
Der dritte Textbeitrag stammt von Andrin Schütz. Er ist mit "Transformationen des Augenblicks" überschrieben und führt unter anderem aus: "Bleibt der Bildraum – trotz zuweilen nahezu naturalistischer Fasssung – dem historischen Asiaten stets Idealraum und diesseitige Metapher des jenseitig Metaphysischen und Philosophischen, scheint sich Rohner vorerst ganz auf die diesseitige Realität zu konzentrieren." Nun ja, das ist bei Fotografen so recht eigentlich zwangsläufig der Fall. Schliesslich können Fotografien nur abbilden, was zu sehen ist.

Daniel Rohner
Dialog mit Mi Fu
Kehrer Verlag, Heidelberg Berlin 2017

Wednesday, 12 April 2017

Essays über Fotografie und Medien

Die Annahme, dass Medien, wenn sie es denn wirklich wollten (und einige wollen das in der Tat und geben sich auch ent­sprechend Mühe), die Wirklichkeit abzubilden vermöchten, wird zwar allgemein angenommen, ist deswegen jedoch noch lange nicht wahr. Wahr ist, dass die Medien die Wirklichkeit, die in den Medien vorkommt, erst schaffen. Sie tun dies, zuallererst, indem sie auswählen, was sie zeigen wollen und, vor allem, was sie nicht zeigen wollen. Sie definieren Bezugspunkte, stellen Ordnung und Sinn her, geben Kontext vor. Die Realität wird ersetzt durch eine Medienrealität – und diese wird zu einem Selbst­gänger, da sich die Medien vorwiegend daran orientieren, was andere Medien machen.

... aussergewöhnlich an den Essays ist die Breite, Intensität und das persönliche Engagement des Autors, das stets präsent ist, namentlich dann, wenn Durrer auch seine Befindlichkeit als Publizist einfliessen lässt, der sich mit den Mechanismen, wie Bilder wirken, auseinander setzt. Wer so kenntnisreich argumentiert, schöpft aus einem Fundus, der weit über das fotografische und journalistische Metier hinaus geht.
Henri Leuzinger in www.fotointern.ch

Bei diesem Buch handelt es sich um einen Nachdruck der Originalausgabe von 2011.

Hans Durrer
Essays über Fotografie und Medien
Somedia Buchverlag, Edition Rüegger, 2016

Umfang: 122 Seiten, broschiert
ISBN-Nr.: 978-3-7253-0966-5

Wednesday, 5 April 2017

Johann Schär, Dorffotograf, Gondiswil

"So guet!", dieses Cover, war meine erste Reaktion auf diesen schön gestalten (abgerundete Coverecken und Inhaltsseiten sowie Fadenheftung) Band und es dauerte eine ganze Weile, bis ich meinen Blick wieder von dem Porträt auf dem Umschlag lösen konnte. Ja, je länger ich hinschaute, desto fasziniernder fand ich dieses Bild – sowohl die Komposition als auch die Kleidung und den Blick des jungen Mannes. 

Markus Schüpf vom Fotobüro Bern, dem dieser Band zu verdanken ist, hat sich für eine Gliederung in Ortsbilder, Landleben, Augenblicke, Werken, Kohle und Fernab entschieden. Als ich mir die Bilder zum ersten Mal ansehe, denke ich bei den Ortsbildern ganz automatisch an appenzellische Wandteppiche (ich weiss zu diesem Zeitpunkt noch nicht, dass Gondiswil im Kanton Bern liegt). Mit anderen Worten: Bildlegenden sind wichtig, möglichst aussagekräftige. "Kleines Mädchen mit Kuh, um 1925", die Legende, die der untenstehenden Aufnahme (dieses ganz wunderbare Foto allein lohnt den Kauf dieses Buches!) beigegeben ist, ist nicht nur (abgesehen vom Jahr) überflüssig, sondern fast schon absurd. Sicher, ich weiss, man arbeitet eben mit dem, was man vorgefunden hat und weiss eben häufig wenig bis gar nichts über die Entstehung der Aufnahmen ... Trotzdem: Bilder, die selbst erklärend sind, brauchen keine Legenden. 
Markus Schüpf weist in seinem höchst anschaulichen und informativen Text unter anderem darauf hin, "dass bei Schär Hochzeitsfotografien vergleichweise rar sind. Offensichtlich nahmen die Gondiswiler dafür lieber die Dienste professioneller Fotografen in Anspruch. Rührend sind die Aufnahmen älterer Menschen und Paare sowie von kranken und beeinträchtigten Menschen. Will man den Zeitungsmeldungen glauben, die im 'Unteremmentaler' regelmässig erschienen, war Gondiswil ein Dorf mit besonders vielen teils hochbetagten Menschen. Schliesslich wuurde Schär hn und wieder geholt, wenn es darum ging, Tote zu fotografieren."
Wie es bei Fotobüchern oft der Fall ist, so kann der Begleittext so recht eigentlich meist ohne die Bilder auskommen. Der Text liefert häufig nur den Kontext, ein direkter Bezug zu den einzelnen Bildern ist selten. So auch im vorliegenden Band, der allerdings einleitend erläutert, wie es zu diesem Buch gekommen ist. Das ist höchst verdienstvoll.

Fotos anzuschauen beziehungsweise Bilder zu lesen ist ein sehr subjektiver Vorgang. Damit er nicht nur subjektiv bleibt, braucht es möglichst viele Informationen zu den Bildern, den Verhältnissen der Zeit und zum Fotografen. Schär war um 1900 offenbar der häufigste Name in Gondiswil, weshalb man denn auch zu Übernamen griff, um die verschiedenen Schärs voneinander zu unterscheiden. Der Fotograf Johann Schär lief unter "Dängi Hannes", war ein einziger Sohn, der mit einer jüngeren und einer älteren Schwester zusammen auf dem elterlichen Hof aufwuchs. Wie sein Vater amtete er während vieler Jahre als Genossenschaftssekretär.
"Wie die meisten Dorf- und Wanderfotografen hatte sich Schär das Fotografieren weitgehend selbst beigebracht." Seinem Onkel sei ein friedfertiger Charakter eigen gewesen, schreibt Wilhelm Iff, was wahrlich eine gute Voraussetzung ist für einen Dorffotografen, der, wie ja auch der Lokaljournalist, ständig darauf bedacht sein muss, es sich mir den Leuten nicht zu verderben.

Bei den Porträts fällt nicht zuletzt auf, dass da kaum einmal jemand lacht oder lächelt. Man zeigt zwar stolz, was man hat, doch die heutzutage gängige Auffassung, dass das Leben fun zu sein habe, hat Gondiswil um 1900 eindeutig noch nicht erreicht.
Johann Schär, Dorffotograf, Gondiswil zeigt nicht nur, wie etwas einmal gewesen ist, sondern auch wie die Menschen sich damals dargestellt sehen wollten. Ein rundum gelungenes Zeitdokument!

Markus Schürpf
Johann Schär
Dorffotograf, Gondiswil
1855-1938
Limmat Verlag, Zürich 2017