Wednesday, 25 December 2013

Der Himmel über Sargans

Im September 2013, aufgenommen mit dem iPhone 4.

Wednesday, 18 December 2013

Swiss Autumn Colours

These pics were taken on 26 October 2013 on the way from Landquart via Malans and Jenins to Maienfeld. I do not think them remarkable as photographs, what intrigues me about them is what they show, and especially their colours.
We all know that photography is about framing, about selecting the right angle, and, probably above all, about the light. What amazes me about the light that my camera created is how different the colours are, and also, how quickly the light had changed for although I was walking for about two to three hours, the pics displayed were taken, roughly, in the course of maybe half an hour.
Needless to say, I do know that from one second to the next everything can change, and that does indeed include the light. Yet knowing is one thing, to be shown quite another. As Barry Lopez once phrased it: "I realized that just as the distance between what I saw and what I was able to record was huge, so was that between what I recorded and what people saw."
It does not cease to baffle me how the mind works: on my walk, all of a sudden a church (or was it a convent or maybe a chapel?) surrounded by trees came to mind, not a Swiss church though but one on the outskirts of Santa Cruz do Sul, a town in the Brazilian state of Rio Grande do Sul. I was astonished but did not feel like exploring the why, did not want to look for acceptable logic. Instead, I let the wondering pass and enjoyed what came next and then went again.

Wednesday, 11 December 2013

Los Angeles / New York

I've written about these two books before on this blog yet the ones I'm referring to now are previously unpublished editions, they come in a smaller format and belong to Taschen's Piccolo-series of which the publisher says: "192 pages distilling the best of the originals into pocket-sized books that won't put a dent in you wallet."
Going through these two small books I felt once again fascinated by the variety of photographs shown, the earliest from the 19th century. This is to say that spending time with these two handy volumes also means going back to see how things once looked ... and do not look anymore ...

For more, see here and here.

Jim Heimann
Los Angeles. Portrait of a City
Flexicover, 11,9 x 16,6 cm, 192 pages, 7,99 Euro

Reuel Golden
New York. Portrait of a City
Flexicover, 11,9 x 16,6 cm, 192 pages, 7,99 Euro

Taschen, Cologne 2013

Wednesday, 4 December 2013

Jan Windszus: Lissabon

"Jan Windszus' Bilder beeindrucken ... vor allem durch Sinnlichkeit. Man erkennt nicht in erster Linie, sondern empfindet", schreibt Nikolaus Gelpke im Vorwort. Das trifft es genau, jedenfalls war das auch meine Empfindung, obwohl, möchte man sogleich fragend hinzufügen: Ist das beim Betrachten von Fotografien nicht immer so? Kommt zuerst nicht immer die Empfindung? Sicher, doch eben nicht so direkt und sinnlich und intensiv wie bei diesen Lissabon-Bildern von Jan Windszus.
Copyright @ Jan Windszus 2013

Es hat seinen ganz besonderen Reiz, Bilder von einer Stadt zu betrachten, die man aus eigener Anschauung kennt, sich Szenen zeigen lassen, die man so nie gesehen hat und die einem doch eigenartig vertraut vorkommen, jedenfalls einige davon. Obwohl: sinnlich habe ich die Stadt nicht in Erinnerung, doch sinnlich wird sie mir hier gezeigt. Und genau deshalb spricht mich dieses Buch an: weil es mir ein Lissabon zeigt, das ich so nicht kenne. Und von dem ich mir vorstelle, dass ich es beim nächsten Besuch so suchen werde.
Copyright @ Jan Windszus 2013

Während ich Jan Windszus' Fotografien, die auf mich wie gemalt, ja wie Edward Hopper-Gemälde wirken, betrachte, läuft in meinem Kopf ein Film ab. Ich frage mich, was wohl als nächstes kommt, was die Folgebilder mir zeigen würden/könnten. Anders gesagt: ich nehme viele Aufnahmen in diesem Band als Standbilder eines Films war. Vermutlich, weil ich sie als gestellt, als unwirklich empfinde. Und als Sehnsucht ausstrahlend.
Copyright @ Jan Windszus 2013

Ich stelle mir vor, dass Jan Windszus Bilder einer melancholischen Stadt im Kopf hatte, als er diese Aufnahmen machte. Denn schliesslich sieht man, was man sich entschieden hat zu sehen, was man sehen will. Und wir, die Betrachter, kriegen zu sehen, was Fotograf und Verlag beschlossen haben, uns vorzulegen. Ich habe mich gerne auf diese fotografierten Stimmungen eingelassen.

PS: Neben dem bereits erwähnten Vorwort des Herausgebers Nikolaus Gelpke ist diesem schön gemachten Band auch ein gut geschriebener und kenntnisreicher Text von Karl Spurzem beigegeben, der allerdings keinerlei Bezug auf Jan Windszus' Fotografien nimmt.

Jan Windszus
 Mare Verlag, Hamburg 2013

Wednesday, 27 November 2013

Writing on the Wall

Writing on the Wall is a good read: well-written, entertaining, and informative. The point that the author is making could be summed up in this quote by Robin Dunbar: "Without gossip, there would be no society."

Mass media are a relatively recent phenomenon and only about 150 years old. Before that we had, as Tom Standage argues, social-media ecosystems. The first of them were the Roman media. "... the fortunes of Rome's vast territories depended to an inordinate extent on the personal ties between members of the Roman elite. Social gossip and political news were intertwined." Information was exchanged in person or by letters. There were also books but "no publishers, no copyright, and very few booksellers. Instead, books circulated from one reader to the next through recommendation and copying." During the Reformation, there were pamphlets, news ballads, and woodcuts. Later on, at the Tudor court, it was poetry that was used to communicate. "The circulation of poems in manuscript form provided a gossipy back channel behind the outward formality and strict rules of court life, and a conveniently ambiguous way to make political points." And then there were manuscript copies of speeches and parliamentary reports that circulated widely. And, again quite some years later, there were the coffeehouses, and ... in short: humans are wired for sharing and they do so with the means at their disposal.

When printing was invented and began to dominate the exchange of information, the agenda-setting became concentrated in the hands of a few. Eventually, the owners of radio and television took over and thus acquired a factual monopoly on the spread of news. This monopoly is now being broken up again by the internet. So back to the roots then? Not really for the exchange of social information in modern societies is hardly comparable to the one of ancient times. Nowadays, "various forms of media make possible gossip at a distance", to be physically present is not required anymore.

In Tom Standage's view, television has become "the most pervasive medium ever. The couch potato, vegetating in front of the flickering screen, emerged as a cultural cliché. Watching television, an entirely one-way, passive experience, became the very definition of inaction. Only sleeping involves less effort. The broadcast model considers the role of the radio listener and television viewer to be merely that of a passive consumer. This is as far as it is possible from a media system in which people create, distribute, share, and rework information and exchange it with each other. It is the opposite of social media."

Writing on the Wall provides a helpful perspective in regards to the role that social media play in triggering protests and revolutions. "Historically, it is clear that social media, in the form of pamphlets, letters, and local newspapers, played a role in the Reformation, and in the American and French Revolution. But it is also clear, from a distance, that its main function was to reveal and synchronize public opinion and expose the extent of the opposition to the incumbent regime. In each case, simmering resentments meant that revolution would have happened sooner or later anyway; the use of social media merely helped the process along." Agreed, yet this description of the impact of social media could equally be used to describe the role of mass media that produce often not more than loud noise that accompanies events that would also have taken place without them.

Tom Standage
Writing on the Wall
Social Media - The First 2,000 Years
Bloomsbury Publishing, London, New Delhi, New York and Sydney

Wednesday, 20 November 2013

Henrik Spohler: The Third Day

It felt like watching a science fiction movie when I began looking at these pics, and most of the time I had no clue what my eyes were showing me. Take, for instance, the above cover photo: the composition, the colours, the soundlessness (that I imagine) fascinate me. Christiane Stahl writes in her introduction: "... a brilliant green surface composed of grapefruit trees bores like a spear point in between a heat-singed steppe and a rocky mountain range immersed in blazing light. Above, a resplendently blue sky utterly devoid of clouds takes up more than half of the image. The desert lives, but the water does not come from above. The question immediately arises: Where does it come from, the moisture necessary for life? And how much of it is needed in these regions of the world to produce a single grapefruit?" I like her comment. It wouldn't have occurred to me that I was looking at grapefruit trees, and I'm not sure whether I would have asked the (admittedly obvious) water question. I had simply liked the pic for aesthetic reasons ... which, needless to say, is often not enough. And, in this case, it is definitely not enough, in this case, I need the accompanying information.
"Grim, Uncanny" is Friedemann Schmolls contribution entitled. I'm sure that "uncanny" is a good and suitable word for what I should feel ... yet I don't. I'm simply stunned, and I wonder, and surrender to the trance-like sensations caused by the endlessness, the uniformity of these "non-places", as the French ethnologist Marc Augé calls interchangeable places that aren't connected to any particular locale. Uniformity isn't an expression of which we think in positive terms, rather it has a somewhat negative connotation. Nevertheless, it also fosters transcendence, as I believe Christopher Isherwood once wrote. For uniformity replaces our desire to be unique, special, and very different from everybody else, it might even make our egotism disappear, for moments, that is. However, this is not what these pictures are all about ...
Since pictures do not speak for themselves, and since photographers often do not contribute much to how they want their pictures to be understood, it is sometimes helpful to turn to the accompanying texts, if there are any. The two texts in Henrik Spohler's The Third Day are informative and, especially the longer one by Friedemann Schmoll, useful. They make clear that the photos displayed should make us ask questions. I especially warmed to this one: "There is only the slightest hint that it involves the farming of nature. And who is actually doing the farming?" And, "The earth is round. Why should it be hacked up into nothing but square grids?"

Henrik Spohler
The Third Day
Hatje Cantz, Ostfildern 2013

Wednesday, 13 November 2013

Lee Miller als Modefotografin

Die Amerikanerin Elizabeth «Lee» Miller (1907–1977) wurde ab 1927 als Model von Edward Steichen und als Muse des Surrealisten Man Ray bekannt. Doch bald, sie lernte viel über Lichttechnik von George Hoyningen-Huene, machte sie sich selbst einen Namen als Porträt-, Mode- und Kriegsfotografin: Ihre Bilddokumente von der Invasion der Alliierten oder der Befreiung der Konzentrationslager Buchenwald und Dachau gingen um die Welt, setzten ihr psychisch jedoch sehr zu; ab 1947 zog sie sich vom Bildjournalismus zurück. Der nun vorliegende, reich illustrierte Band berichtet von Millers Tätigkeit als Model und als Modefotografin 1920 bis 1950. 
Foto Lee Miller, New York, 1932 
© Lee Miller Archives, England. All rights reserved.

Jedes Leben ist von Zufällen bestimmt. Im Falle der 19-jährigen Lee Miller hiess der Zufall Condé Nast, in dessen Arme sie in der Nähe der 5th Avenue stolperte, um einem Auto, das direkt auf sie zufuhr, auszuweichen. Der bekannte Verleger lud sie ein, ihn im Verlag zu besuchen und so wurde sie Mannequin. Einer Freundin gegenüber sagte sie über Condé Nast, er sei  "ein harmloser alter Bock", den man jedoch auf Abstand halten sollte. 

Lee Miller wurde eines der Lieblingsmodelle von Edward Steichen, "Nasts Cheffotografen und dem mit Abstand reichsten Künstler Amerikas. Neben seinem Jahresgehalt von 35 000 Dollar von Vogue und Vanity Fair verdiente er zusätzlich 20 000 Dollar als Art Director der Werbeagentur J. Walter Thompson (was einem heutigen Jahreseinkommen von etwa 7 Millionen Dollar entspricht)."

Kein Leben ist einfach. Doch manchen Menschen widerfahren Dinge, von denen andere glücklicherweise verschont bleiben. Lee Miller wurde im Alter von sieben vergewaltigt und mit einer Geschlechtskrankheit infiziert. Auch machte ihr Vater obsessive, zudringliche Nacktaufnahmen von der Kleinen. Dies scheint "Miller in die Lage versetzt zu haben, schon geringste eigene Gedanken und Gefühle auszuschalten, wenn sie Modell stand" und so zeigen denn auch die Bilder, für die sie Modell stand, "eine bezaubernde Entrücktheit", jedenfalls sieht das ihre Biografin so.
US-Soldatinnen bei einer Modenschau
Foto Lee Miller, Paris, Oktober 1944 
© Lee Miller Archives, England. All rights reserved.

Becky Conekin hatte auch Zugang zu bislang unbekannten Kontaktabzügen und Negativen, die, so schreibt sie, in der Modefotografie häufig die aufschlussreichsten seien: "In diesen unveröffentlichten Werken schimmert selbst in den gestellten Studioaufnahmen vor allem Millers wunderbarer Sinn für Humor durch. Verrückte Requisiten, die sie im Keller der Vogue-Studios aufgestöbert oder etwa auf dem Weg zur Arbeit bei Woolworths billig eingekauft hatte, belustigten sie ganz offensichtlich und weckten Erinnerungen an sorglose Tage am Strand."

Man findet viele gute Aufnahmen in diesem Werk, sei es von Lee Miller als Modell (unter anderem von George Hoyningen-Huene), sei es von Lee Miller als Fotografin. Ob sie wirklich zu den wichtigsten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts gehört, wie Becky Conekin im Vorwort behauptet, ist schwer zu sagen, nicht zuletzt, weil man nicht so recht weiss, wie denn das überhaupt gemessen werden könnte. Wie auch immer: die Beschäftigung mit dieser informativen Biografie lohnt allemal. Auch weil man sich dabei trefflich mit spezifisch fotografischen Fragestellungen auseinandersetzen kann: Etwa: Ist Bildbearbeitung wirklich, wie die Fotokritikerin Vicki Goldberg argumentiert, "zwangsläufig Bestandteil" des Handwerks? Oder: Hat Man Ray recht, wenn er behauptet, Fotografie sei keine Kunst, sondern eine Form des Malens mit Licht? Und: Weshalb sollte das Malen mit Licht keine Kunst sein können?

PS: Im Juli 1945 veranstaltete die britische Vogue ein Galadiner zu Ehren Millers. In seiner Laudatio sagte Harry Yoxall: "Lees Arbeit ... verkörpert die Quintessenz dessen, was wir während der letzten fünf Jahre mit Vogue erreichen wollten: eine Welt im Kriegszustand abbilden und unsere Leserinnen dazu ermutigen, ihre Rolle darin einzunehmen und sich nicht von Tod und Zerstörung unterkriegen zu lassen, sondern zu erkennen, dass dies nicht alles ist, dass Geschmack und Schönheit bleibende Werte darstellen." Und genau dies kann man in den in diesem Buch versammelten Modeaufnahmen erkennen.

Becky E. Conekin
Lee Miller
Fotografin, Muse, Model
Scheidegger & Spiess, Zürich 2013

Wednesday, 6 November 2013

Peter Beard

©Peter Beard, Courtesy of Peter Beard Studio

This is an extraordinary book  it is heavy (5 kilos on my scale), a stunning mix of pictures, a celebration of colours. In case you are   like me   not familiar with the work of Peter Beard: this tome is an invitation into his very personal way to document his interests – from African wildlife to celebrities. "This extravagant and magnificent book is a work of art in itself", somebody at L'Express magazine penned and this is indeed very well put.

We not only get to see many fabulous photographs, we also are shown stream-of-consciousness collages and excerpts from diaries that are very probably not meant to be read but to be perceived as illustrations.
©Peter Beard, Courtesy of Peter Beard Studio

Peter Beard grew up in privileged circumstances, went to Yale where he majored in art and, when asked to admit "that some of your photographs helped to define the terms in which the paradise that was Africa continues to be seen", said: "Believe me, a lot of it was just blind chance – sheer accident. And I always hope for really good accidents." Right, but you need of course to make yourself ready for them.

The combination of images you get to see in this tome is truly unique: shots of models mixed with shots of wildlife, pics of elephants, of a half-naked model on a pile of books near a river, of a dog fascinated by a painting on the wall, of the young Rolling Stones on tour and on stage ... 

Owen Edwards detects in Beard's photography "a kind of madness"   and I certainly concur. The most obvious to me however is that Beard is an obsessive collector. Again Edwards: " ... models and Masai, politicians and pop icons, brassiere ads and bleached bones, lions and lunatics, crocs and self-mockery, soup cans and severed heads, private heroes and public enemies, rhinos and blood smears, strippers and starvation. In urgent fugues, themes appear, then recur again and again in seemingly  endless variations. Beard, composer and conductor, constructor of contradictions, binds everything with meticulous drawings, the needlepoint of compulsive handwriting, even the mysterious intrusion of his own hands."
©Peter Beard, Courtesy of Peter Beard Studio

 Leafing through this book is a mesmerising and mind-boggling experience although I had no idea what to make of it for most of the time I did not even know what I was looking at. Not that it bothered me, I did not feel that I needed to know what my eyes were showing me, I simply enjoyed the trance-like state that these images evoked.

As much as many of these pictures inspired my imagination, after quite a long while spending time with them I wanted to know more. The picture index helped  well, to some extent, that is, I mean what I'm supposed to do with "Detail of Diary Page (Since 1977)" or "Running Giraffe, June 1960"?  I did however also learn that I was looking at pics of Karen Blixen or of Bianca Jagger.

In sum: an impressive Gesamtkunstwerk by an obsessive collector who doesn't shy away from contradictions but celebrates them.

Peter Beard
Taschen, Cologne 2013

Wednesday, 30 October 2013

Antoine Wagner

First things first: I very much warmed to the photos in this tome, especiallly because of the fantastic light, and particularly the light of the colour pics on the Julierpass. I felt slightly less enchanted about the foggy ones of the Gotthardpass and wondered whether they were probably meant as illustrations for a Sherlock Holmes movie.

Quite some of the pics (the ones of the Säntis, for instance) radiate an aura of impending drama, I also experienced sensations of awe and respect when meditating on the majestic nature of the Swiss Alps. I did however fail to see what connected these impressive pictures with the music of Richard Wagner.

This is how Antoine Wagner sees it: "The images selected for this book testify, how the scenery of his work often reminds one of the vistas he discovered on his hikes; most of the time alone. In my opinion it is impossible not to feel how this light, these clouds, this special atmosphere have influenced the setting for his myths and Gods."
Brunnen 2013 @ Antoine Wagner

It would be of course easy to criticise this photographic project for it goes without saying that Antoine Wagner cannot know what Richard Wagner saw and felt. In other words, these photographs can only show what Antoine Wagner wants us to look at, they probably have not much to do with what Richard Wagner experienced. On the other hand, there is indeed a special light and atmosphere in the Alps and that surely hasn't changed since Richard Wagner's days. That even includes things at the Faulhorn: "The rooms have stayed the same, so they say: no water, no heat; with a sore back, weak legs and bloody feet, only the 'schnapps' can warm you up."

I decided to put my scepticism aside and to give in to the sensations that these images evoke. And, I can confirm what Antoine Wagner states: "The contemplation of such desolate landscapes triggers introspection, a thirst for learning more about nature, almost an urge for searching to discover the essence of mankind."
Faulhorn 2013 @ Antoine Wagner

The photos in this work are the result of "a six-week journey, by foot, train and boat, starting at Lake Constance. After crossing glaciers, frozen lakes and fierce peaks", Antoine Wagner finally found his way to Zurich. These images are an invitation to imagine what Richard Wagner might have felt when in the Swiss Alps. I thought it to be an inspirational invitation.

Antoine Wagner
Wagner in der Schweiz
(Deutsch, English, Français)
Verlag für Moderne Kunst, Nürnberg 2013

Wednesday, 23 October 2013

Brigitte Lacombe

Brigitte Lacombe, writes stern-Artdirector Johannes Erler, "visualises something that you seldom see: the creative element, the moments when actors become characters, and rooms full of spotlights and cameras become scenes." This is nicely put yet even more convincing is his description of her work as "photographic cinema at its very best."
Copyright @ Brigitte Lacombe

The above scene is from Anthony Mingella's film version of Patricia Highsmith's novel "The Talented Mr. Ripley" which was nominated for five Oscars in 2000. Other scenes in this tome stem from Martin Scorcese's "Gangs of New York", Mike Nichols' "Charlie Wilson's War", Quentin Tarantino's "Inglorious Bastards", Fellini's "Casanova", Alan J. Pakula's "All the President's Men",  Robert Benton's "Kramer vs. Kramer", Wes Anderson's "The Life Aquatic with Steve Zissou", Simon Curts' "My Week with Marilyn", and, the one below, from Sofia Coppola's "Marie Anoinette" 
Copyright @ Brigitte Lacombe

Looking at these photographs often felt like being invited behind the scenes: I was allowed to see how a film was made. Brigitte Lacombe makes one really see and sense that. She does not reveal a hidden world, she instead offers her version of human beings who happen to earn their living by way of acting.

Lacombe's pictures, writes Jochen Siemens, "are free of any exclamatory gestures. They are quite literally workshop reports, pictures devoid of effects. Lacombe is economical in her use of zoom or wide-angle and is nearly always content with the available light. Her unagiated technique follows people's desire to 'see anyone who has done some extraordinary work or, if that is impossible, at least to hear from others what he looks like', as Arthur Schopenhauer once wrote with respect to the invention of photography."
stern Fotografie 73 includes Talent Booklet 06 featuring Tala Hadid's photos of a Berber village in the Atlas Mountains of Morocco and a cabaret brothel in New York. I felt immediately drawn to her thoughtfully composed pics that to me radiated warmth and empathy for the people portrayed.

Brigitte Lacombe
stern Fotografie Nr 73
PS: Some time ago, I was made aware of a magazine cover that showed the four female members of the Swiss Federal Council photographed by Brigitte Lacombe - the four ladies in their late forties, fifties were presented like they were about to go to a party where the motto was: look as youthfully and flashy as possible. My reaction? I burst out laughing. Here's the link.

Wednesday, 16 October 2013

Between Untervaz and Mastrils

These photos were taken on Sunday, 13 October 2013, in reversed order, photo number 3 was taken first. I did not take these pics, the camera, a Samsung L77, did. For they were taken against the light and so I couldn't see on the screen display what I had framed, I discovered it only later on and felt pleased. I still do although this has not so much to do with the photographs but with the wonderful nature and the memories and feelings that looking at it evokes. For this is how it feels: that I'm looking at nature, not at photographs of nature.

Wednesday, 9 October 2013

Fotografie: Die ganze Geschichte

Gleich vorneweg: Dies ist ein aussergewöhnliches, in jeder Hinsicht überzeugendes Werk. Das fängt bereits bei der Einführung an, in der Juliet Hacking unter anderem auf die Aufnahmen von Herbert Ponting anlässlich der britischen Antarktisexpedition von 1910 bis 1913 hinweist und feststellt: "Selbst unter solchen lebensfeindlichen Bedingungen war Ponting nicht bereit auch nur eine Handbreit von seinen ästhetischen Vorstellungen abzuweichen. Dies macht deutlich, dass die Fotografie ebenso sehr aus der menschlichen Vorstellungskraft schöpft wie aus der Realität." Ein Satz von grosser Wahrheit, bei dem zu verweilen sich lohnt. Wie auch bei der Erkenntnis des ehemaligen Kurators der Fotografieabteilung des New Yorker MoMA, John Szarkowski (1925-2007), der der Auffassung war, "Fotografien entsprängen nicht der menschlichen Phantasie, sondern seien bildlich geordnete Fragmente von Wirklichkeit, dargestellt aus individueller Sicht."

Dass Fotografie: Die ganze Geschichte ein tolles Buch ist, liegt nicht zuletzt daran, dass es unter anderem vorführt, wie Fotos gelesen/gesehen/interpretiert werden können und sollen. Mit anderen Worten: es ist auch eine Einführung in die Bilder-Lesekompetenz. Nehmen wir als Beispiel die drei Jungbauern von August Sander (1876-1964) aus dem Jahr 1914. Ein umfassendes Porträt der zeitgenössischen deutschen Gesellschaft, habe Sander beabsichtigt, lese ich da. Und: "Die drei jungen Männer versinnbildlichen die starken ländlichen Wurzeln, von denen Deutschland trotz rascher Industrialisierung geprägt war. Ihre modernen Anzüge und die Zigaretten deuten allerdings auf Veränderungen hin, die die traditionelle Lebensweise bedrohen." Schade nur, dass man nicht erfährt, ob es der Wunsch des Fotografen oder der Jungbauern war, sich in diesen Anzügen zu zeigen.
August Sander: Jungbauern

Unter dem Stichwort "Blickpunkte" werden Bildausschnitte erläutert. Im Falle der Jungbauern zeigt einer dieser Ausschnitte das Gesicht in der Mitte des Bildes, das wie folgt kommentiert wird: "Im Anflug eines Grinsens auf dem Gesicht in der Mitte bemerkt man die faszinierenden Gegensätze in Sanders Projekt. Die Lässigkeit des jungen Mannes spricht von dem Wunsch die bäuerliche Welt hinter sich zu lassen. Sein argwöhnischer Blick signalisiert Ablehnung gegenüber dem dokumentarischen Blick der Kamera." Ein anderer Ausschnitt zeigt die Spazierstöcke, zu denen man liest: "Die Spazierstöcke verstärken die dandyhafte Erscheinung der jungen Männer, verankern sie jedoch auch in der Erde. Stöcke, Kleidung und die Ähnlichkeit ihrer Posen lassen die Konformität der ländlich-bürgerlichen Lebensweise durchblicken und die Individualität der Modelle zurücktreten."

Verweilend bei diesen und ähnlichen Zuschreibungen, habe ich mich immer mal wieder gefragt, ob der Fotograf (der, es versteht sich, auch immer eine Frau sein kann), sich die Gedanken und Überlegungen eigentlich gemacht hat, die ihm da angedichtet werden. Anders gefragt: Fotografiert der Fotograf wirklich so reflektiert, wie seine Interpreten meinen? Oder sind seine Aufnahmen vor allem intuitiv entstanden? Oder sind sie eine Mischung von Reflexion und Intuition? Wie auch immer: ich finde die Interpretationen in diesem Band äusserst anregend, auch wenn ich mir recht sicher bin, dass der Fotograf sich gelegentlich wundern wird, was andere in seine Bilder hineinlesen.

Was mich an diesem Buch ganz besonders fasziniert, sind die vielen prägnanten Sätze, die es schaffen, höchst Komplexes anschaulich auf den Punkt zu bringen. Etwa über die dokumentarische Fotografie: "Der Begriff der Wahrheit spielt in der Fotografie lediglich eine rhetorische Rolle. So überzeugend ein Bild auch daher kommen mag, so kommuniziert es doch lediglich eine Botschaft, die von einem gesellschaftlichen, politischen, wirtschaftlichen, kulturellen und editorischen Kontext gestützt wird." Erhellend auch dieser Satz über Sebastião Salgado: "Salgado verwendet Schwarz-Weiss auf eine Weise, die der Kunstfotografie näher ist als dem Fotojournalismus."

Fotografie: Die ganze Geschichte ist ein höchst nützliches Werk. Ich will gerne gestehen, dass ich es mit einiger Skepsis (Die ganze Geschichte? Wirklich?) zur Hand genommen habe, denn ich mag die Bücher über Fotografie, mit denen ich mich beschäftigt habe, gar nicht mehr zählen und das heisst: ich rechnete nicht damit, überrascht zu werden  Doch ich hatte mich gründlich getäuscht, denn Fotografie: Die ganze Geschichte zeigte mir nicht nur ganz viele Bilder, die ich nicht kannte, sie informierte mich auch über ganz viele Aspekte der Fotografie (etwa: Fotografie und Tourismus, Performance und Partizipation, Topografien), denen ich bislang keine spezielle Aufmerksamkeit geschenkt hatte.

Fotografie: Die ganze Geschichte
Herausgegeben von Juliet Hacking
DuMont Buchverlag, Köln 2012

Wednesday, 2 October 2013

Thomas Florschuetz: Assembly

I had thought that I would find a photographic comparison of Le Corbusier's Chandigarh and Niemeyer's Brasilía in this tome for this was what the press release by the publisher had said. Instead I discovered a lot of photographs of elements of buildings and all of them called enclosures taken in Chandigarh, Agra, Delhi, Ahmedabad, La Jolla, Belo Horizonte, Rio de Janeiro, Brasilia, and Berlin.

Some of the pics enchanted me (and especially the one on page 137, it has no title but it says "Wonder Valley" in brackets and so I assume it was taken in Wonder Valley, California), others left me rather indifferent.

Since the photographer gives very scarce information, I guess that what I'm looking at is most probably considered art, by some. There is however a text by Alexander Klar that helped me understand what my eyes were showing me (on some occasions, that is, on the whole I felt it to be rather confusing).

Here's an example of an observation that I thought useful:
"Florschuetz's work inspires us to contemplate the relationship between interior and exterior. His pictures draw attention to the transitional realm from indoors to outdoors. This is a realm that can be read as a membrane which, while separating two distinct areas, still remains quite flexible, allowing each to be hinted at or manifested in the other."

And here's an example of a comment that borders on the absurd (for there are no users to be seen on these photographs):
"Florschuetzs views of reflective corridors, building lines leading off into the distance, and vast plazas show places that are obvious in function and whose users have evidentally installed themselves respectfully in the ideal architecture."

Nevertheless, there is something truly intriguing about Florschuetz's photos. It's to do with his eye for framing. To me, he creates an environment of his own, and it is one that appeals to me. And why is that? My best momentary guess is this: I perceive it to be the result of truly seeing, of contemplation.

Thomas Florschuetz
Hatje Cantz / Museum Wiesbaden
Hatje Cantz, Ostfildern 2013

Wednesday, 25 September 2013

Oscar Niemeyer

Oscar Niemeyer begeistert mich, auch wenn ich so recht eigentlich kaum etwas von ihm weiss. Es sind die Fotos von Bauten und Formen, die dieser Mann geschaffen hat, die mich gefangen nehmen, staunen und mein Herz jubeln lassen. Sie lösen etwas in mir auf, bewirken, dass ich mich frei fühle, zeigen mir Neues, Ungewohntes, meine Wahrnehmung Befreiendes. Siehe auch hier.

Diesem schön gemachten, von Alberto Riva herausgegebenen Büchlein ist ein Gedicht des türkischen Dichters Nazim Hikmet (1902-1963) vorangestellt, das mich sehr anspricht und ich hier wiedergeben will:

Das Leben ist kein Scherz,
so nimm es ernst
ernst in dem Masse,
dass du als Siebzigjähriger zum Beispiel
Olivenbäume pflanzt, nicht etwa, um
den Kindern sie zu hinterlassen, sondern
weil niemals an den Tod du glaubst, dabei
ihn fürchtend und nicht wenig, aber
das Leben auf der Waage überwiegt.

Niemeyer fand den Kapitalismus abstossend ("denn er bedeutet, dass einige alles haben und andere nichts und dass oft nur um des Besitzens willen anderen etwas weggenommen wird. All dies ist zutiefst ungerecht"), war sein Leben lang Kommunist und hat ein Menschenbild, das mein Herz erwärmt: "Wenn der Architekt am Zeichentisch sitzt, darf er nie vergessen, dass der Mensch nicht nur eine Maschine ist, die aufgeräumt und geschützt werden muss in einer stabileren Maschine namens Haus: Der Mensch ist vielmehr ein seltsames Lebewesen, das eine Seele und Gefühle besitzt, sich nach Gerechtigkeit und Schönheit sehnt und Trost und Anregung braucht."

Glück heisst für ihn, "mein Leben gemäss den eigenen Idealen und umgeben von Freunden zu verbringen." Dass das nicht nur einfach so dahin gesagt ist, unterstreicht Alberto Riva in seinem Nachwort: "... um einem Freund zuzuhören und mit ihm zu plaudern, hat er stets sogar seine Arbeit unterbrochen, selbst wenn die Termine drängten. Das ist für mich Grosszügigkeit: den anderen zur Verfügung zu stehen, nicht bloss als Geste sondern als Ansporn und konkrete Hilfe, wenn jemand etwas braucht, und immer Zeit für ein Gespräch zu haben."

"Wir müssen die Welt verändern" ist ein ganz wunderbares, mit ansprechenden Bildern ausgestattetes Büchlein, das mich sowohl für den Menschen Niemeyer als auch für seine Arbeit, die – und das ist bei grossen Künstlern nicht die Regel – eine Einheit bilden, eingenommen hat. Ganz besonders ist mir dabei geblieben, was der Architekt Jair Valera, der mehr als dreissig Jahre mit Niemeyer zusammengearbeitet hat, vor einigen Jahren gesagt hat: "Oscar Niemeyer gefällt auch einem Kind. Als ich meinen vierjährigen Sohn ins Museum von Niterói mitnahm, war er ganz begeistert davon. Das heisst: Mit seinen hundert Jahren ist Niemeyer noch in der Lage, ein vierjähriges Kind zu bezaubern."

Oscar Niemeyer
Wir müssen die Welt verändern
Verlag Antje Kunstmann, München 2013

Wednesday, 18 September 2013

Carlos Crespo: Badain Jaran

Carlos Crespo, born in 1973, is a freelance art photographer and photographer, I read, and assume that the distinction must have special relevance. I'm not really sure whether this distinction makes sense  generally speaking, that is  but looking at the photographs in this tome I'd say there is definitely something to it for they strike me as thoughfully composed, as interesting creations, in short: artfully done.

The photographs in this work "were created over the past years in the course of research trips to the Badain Jaran Desert southwest of the Gobi Desert. This remote desert in China is also home to the Biluthu. which at 1610 metres is the world's largest sand dune. Crespo set out on a journey through a region of our planet that until now – for political and other reasons  has virtually never been artistically explored", I learn from Cathérine Hug, curator at the Kunsthaus Zürich. 
Carlos Crespo not only took photos of the Inner Monglian desert, "what is now an autonomous region of the People's Republic of China", as Bill Kouwenhoven ("considered an expert in contemporary photography") informs me, but also of the people of the region. Again Kouwenhoven: "The people of the region have been caught in the competing interests of their Mongolian heritage and the drive by the Chinese authorities to bring modernity and progress at all costs." Although I very much liked the pics of the people and their habitat (they seemed taken with a sympathetic eye), the Chinese efforts "to bring modernity and progress at all costs" I was not able to detect.

I guess that the main reason I warmed so much to these photographs is my fascination for the desert. My first desert was the Namibian desert, the so far last one the Mojave desert. The dominant sensation that I recall was caused by the immense space: I felt liberated from civilisation, from the imperative "You Must". And, I felt entranced by how the wind had formed the environment. And this is precisely what Carlos Crespo creatively and convincingly documented.

Carlos Crespo
Badain Jaran
Scheidegger & Spiess, Zurich 2013

Wednesday, 11 September 2013

In Barcelona

"It is such a pleasure to see a happy man", approaches me a middle-aged woman at Barcelona Airport. She is all smiles and quite obviously recruiting victims for some survey. I smile back at her and say (for I had already been approached before), "No, I'm not living in Barcelona, and I'm not living in Spain either but I'm looking for the airport bus, can you help?" "Yes," she says and points at rolling stairs. "But really," she continues, "you not only looked happy, it was also the way you walked that made me feel that you were happy." Was I? Probably, and without even realising it. I had just changed money ...

The young couple next to me in the computer room of the hotel seem lost. The woman shows me a map and asks for a train station called Sants. Although I have no clue where that could possibly be I nevertheless look at the map and immediately see it. I'm probably more surprised than the woman is. We are from Kazakhstan, she says. And, we are Moslems, she adds. She looks oriental, is wearing shorts, sandals, and a sleeveless blouse.

Some time later, a short, stocky man in his sixties takes the place next to me and starts a conversation. He's from Egypt. I'm wondering what business he's in. He's retired, he says, he had been a diplomat and is quite opiniated. I'm myself diplomatic enough not to reveal what he confided in me.

Burger King at Plaza Cataluña/La Rambla. The guy behind the counter offers me to place my order in French, English, Italian and Spanish. What makes you think I could be French? I ask him ('cause that was what he had mentioned first). Well, the French always stand there silently and watch ...
Why does the little girl insist to sit on the pavement to drink her water? I ask the elderly woman accompanying her. She likes to play, and she has to have it her way, the woman says.

Wednesday, 4 September 2013


Es sei gleich gesagt: Ich kann beim besten Willen nicht verstehen, weshalb jemand freiwillig in den Krieg zieht. Für mich sind Kriegsfotografen Adrenalin-Junkies. Der Fotograf Michael Kamber sieht das nicht so. Warum also ging er in den Krieg? "Bei mir war immer Gewalt zu Hause", sagt er, "vielleicht mag ich sie deshalb." Eine ziemlich eigenartige Erklärung. Im Vorwort lese ich: "Für ihn ist es kein Foto, wenn in einem Krieg ein Soldat mit einem Sturmgewehr durch die Gegend läuft. Es ist erst dann ein Foto, wenn ein Mensch schiesst, explodiert oder blutet. Deshalb gehen Kriegsfotografen an die Front, sie warten auf Sprengfallen, sie hoffen auf Hinterhalte."

Man müsse wissen, schreibt Takis Würger, Reporter beim Spiegel, der das Vorwort beigesteuert hat, dass Fotografen für gewöhnlich keine grossen Redner seien, "besonders dann nicht, wenn es um ihre Ängste, Wünsche und Hoffnungen geht." Ein paar Seiten weiter wird dann Michael Kamber mit dem Satz zitiert: "Viele Fotografen sind grosse Geschichtenerzähler." Ja, was denn nun? Beides natürlich, doch glücklicherweise hat Kamber etwas mehr recht, jedenfalls machen einen die 18 Interviews in diesem Buch die Ängste, Wünsche und Hoffnungen der Fotografen gut nachvollziehbar.

Das erste Gespräch mit dem 1978 geborenen Deutschen Christoph Bangert, der im Irak fotografierte, als die berühmten Namen wieder abgereist waren, ist auf vielfältige Art erhellend: "Es gab im Irak damals keine permanenten Gefechte, Schiessereien oder ständige Explosionen - boom! boom! Nein, oft war es sehr, sehr ruhig., sehr viel komplizierter als in so einem Film." Etwas vom Schlimmsten sei die gewaltige Kluft zwischen den Amerikanern und den Irakern gewesen. Zudem habe die Kommunikation auch unter unfähigen Dolmetschern gelitten. Er mache seine Bilder, weil er sie für wichtig halte: "Du musst selbst entscheiden, was wichtig genug ist, um darüber zu berichten, nicht das, wovon du denkst, dass es dein Leser will. Das ist keine Anzeigenkampagne. Das ist Journalismus:" Eines von Bangerts eindrücklichsten Bildern vom Irakkrieg, so erfährt man, zeige einen Mann auf einem Müllhaufen, dessen Hals beinahe vollständig abgeschnitten ist. Das Foto wurde nie veröffentlicht, umso unverständlicher, dass es auch in diesem Band nicht gezeigt wird.

Die Einleitung zum Gespräch mit dem 1970 geborenen Marco di Lauro fand ich wunderbar eindringlich geschildert, doch die der Einleitung und dem Gespräch vorangestellten Sätze erweckten meinen Widerwillen: "Für mich ist ein getöteter Zivilist ein getöteter Zivilist zu viel, egal aus welchem Grund und von wem er getötet wurde. Ich bin gegen niemanden. Ich bin nur gegen die Verletzung der Menschenrechte." Ich halte diese Kombination von Sätzen für unreflektiert, ja für dumm. Wer solches äussert, fällt auf die Propaganda rein, die zwischen toten Zivilisten und toten Soldaten einen Unterschied macht. In der letzten Konsequenz bedeutet das, dass wer eine Uniform trägt, getötet werden darf. Das ist hirnrissig.

Das Bild von di Lauro, das einen Jungen zeigt, der über in einer Schule aufgereihte Tote springt, ist aussergewöhnlich und eindrücklich. Überhaupt ist die Bildauswahl dieses Bandes superb. Und illustriert damit, dass Kriegsbilder, von denen es doch angeblich zu viele gibt, als dass wir noch von ihnen berührt sein könnten, uns nach wie vor erreichen und bewegen können. Treffend sagt es auch der 1957 geborene Ed Kashi, Mitglied der Agentur VII: "Interessant, wie uns die Fotografie durchs Leben begleitet und uns Dinge zeigt, die wir ansonsten womöglich nicht erkennen würden."

Fotografen sind Augenzeugen: sie sind vor Ort und häufig nah am Geschehen. Selten erfährt man, was sie sich so für Gedanken machen. Und genau deshalb ist dieser Band zu empfehlen: weil man hier erfährt, wie Fotografen Konflikte, zu denen sie die Bilder beisteuern, erlebt haben. Was zum Beispiel der gerade erwähnte Ed Kashi zum Stammesdenken im Irak zu sagen hat, ist unbedingt lesenswert.

Bilderkrieger ist ein aufklärendes und aufklärerisches Buch: so wie hier habe ich zum Beispiel noch nie über den Irak gelesen. Zudem hat mein Bild vom Kriegsfotografen als Adrenalin-Junkie einen kleinen Riss bekommen. Und das meint. Kriegsfotografen auf Adrenalin-Junkies zu reduzieren ist zu kurz gegriffen, das Leben ist dann doch etwas komplexer. Konkret: "Man muss die Momente der Menschlichkeit zeigen, sei es einen Arzt, der seine Patientin in diesem Chaos weiterbehandelt oder eine Gemeinde, die sich gegen die Schrecken wehrt. Irgendetwas, das einem ein Gefühl der Hoffnung vermittelt, sonst ist es die totale Verzweiflung" (Ed Kashi). "Ich habe mich stets mehr dafür interessiert, was am Rande passiert, wie das Leben der Menschen berührt wird. Die Männer interessieren sich mehr für die Kämpfe. Mitch, mein langjähriger Freund, ist definitiv eher der Actionjunkie ..." (Stephanie Sinclair).

Bilderkrieger ist ein notwendiges Buch: aufrüttelnd und nachdenklich machend. "Manchmal denke ich, ich habe komplett versagt. Nicht eines meiner Fotos hat gezeigt, was im Irak wirklich geschehen ist"  (Andrea Bruce). "Für mich waren die definitiven Fotos bislang die Bilder, die Soldaten in Abu Ghraib aufgenommen haben" (Andrea Bruce). Das Foto, das mich am nachhaltigsten beeindruckt hat (zusammen mit der Bildlegende), ist das Hochzeitsfoto von Renee und Tyler Ziegel, der bei einem Selbstmordanschlag im Irak schwer verletzt worden war, es stammt von Nina Berman.

Michael Kamber
Ankerherz Verlag, Hollenstedt 2013

Wednesday, 28 August 2013


On Sunday afternoon, 18 August 2013, I went for a walk in Zurich-Altstetten; I love strolling around empty towns, particularly suburbs – they definitely remind me of ghost towns.

 When I was leaving the train station, my eyes registered the play of light on stairs leading up to an area of office buildings and apartment blocks.

Copyright @ Hans Durrer

Wednesday, 21 August 2013

Roger Grenier: A Box of Photographs

"But doesn't photography really begin with the first child who saw the sky, the trees, the prairies reflected in a drop of water? (...) Fixing the image afterwards was merely a chemical detail."

Thoughts like these make this book a revelation to me. And such wonderful observations from the early days of photography: "Anyone who owned a store had his picture taken in front of it."

The relation that people have with photographs couldn't be more different. There are the ones like the aged Shopenhauer who didn't tire of having photographs of himself taken, analysed and discussed. Then there are the ones like Balzac who hated being photographed. The most peculiar one I thought to be the American photographer Lisette Model who "locked up her photos at night, so their souls didn't come out to haunt her."

Roger Grenier's relation to photography started with his parents. They were opticians, and opticians at that time often added a photo-printing service to their main business. However, they, and particularly the mother, were not happy with the service for their clients asked too many questions, "they wanted to know why their pictures didn't turn out, were too dark, were too light." Nevertheless, young Roger acquired enough know-how from his father to work in a photo lab for a whole summer vacation.

A Box of Photographs is a memoir in brief chapters that revolve around photos. There was for instance the lieutenant who went mad and couldn't stop taking pictures: "We had the impression he was never going to stop, and we decided there must not be any film in his camera." Then there's the story of the precious photo of the train station at Tarbes that he cannot find anymore. And, his photographing paintings. And ...

In December 1940, still a soldier, he ended up in a regiment in Marseilles and sent to serve in Algeria. "The photos from North Africa immortalize scenes so incongruous that without these paper witnesses I would have forgotten them." Here's an cxample that has stayed with me: "The swamp water that was filtered through a handkerchief, for drinking."

Roger Grenier did not become a photographer but a writer. "Still, photography never stopped influencing my life." But photography was not only influencing him: it accompanied him, it directed him, it defined parts of his life.

Skiing on the Sancy, at Mont-Dore, he fell on his Voigtländer, which he was wearing around his neck. In Saint-Petersburg, getting out of a little boat after an outing on the Neva, he fell again on a camera. And, in August 1944, when the Germans were firing on people in Paris, he took photos, was stopped and searched, and the camera was taken from him. Grenier dryly comments: "They threw my Voigtländer in the gun turret of a tank. It was a return-to sender, actually, since this camera is German-made."

A Box of Photographs is a thoroughly enjoyable book. On its back you can read praise for another of his works, The Difficulty of Being a Dog. Interestingly enough, the very same praise would also be fitting for A Box of Photographs: "Utterly charming and irresistibly quotable", for instance. Or: "An alluring book full of philosophical and literary musings". Or: "Literate, light and lighthearted ..."

Roger Grenier
A Box of Photographs
The University of Chicago Press, Chicago 2013

Wednesday, 14 August 2013


"Plädoyer für eine differenzierte Berichterstattung" heisst der Untertitel dieses Buches von Martin Sturmer, und wer wollte da nicht zustimmen ... 

Ich habe selber einmal in Afrika gearbeitet, weiss nur allzu gut, dass Berichterstattung und Wirklichkeit vor Ort meist weit auseinander fallen (doch ist das so recht eigentlich bei fast jeder Berichterstattung so) und da ich überdies, viele Jahre ist es her, ein Buch mit Afrika Reportagen herausgegeben habe (Stefan Klein & Manja Karmon Klein: Die Tränen des Löwen), stürzte ich mich sofort aufs Literaturverzeichnis, um zu sehen, ob denn dieses Buch dort auch verzeichnet war ... doch, nein, es war nicht da. Und auch die anderen Journalisten Bücher, von denen ich einiges über diesen Kontinent gelernt hatte, waren nicht aufgeführt. Drei ganz unbedingt lesenswerte will ich hier erwähnen: Andrea Böhm: Gott und die Krokodile, Keith B. Richburg: Jenseits von Afrika, Michela Wrong: In the Footsteps of Mr. Kurtz. Zudem fehlt da noch ..., doch nein, das bringt nichts, und überhaupt hat der Autor schliesslich ganz viele Bücher gelesen, die ich wiederum nicht gelesen habe ...

Es gibt Bücher, die mag man nicht zu Ende lesen, weil einen die Lektüre ganz einfach zu sehr nervt. Für mich ist Martin Sturmers Afrika! so ein Buch. Schon seines Ansatzes wegen. Was meine ich damit? "Lässt sich ein differenzierter Afrika-Journalismus angesichts redaktioneller Sparmassnahmen überhaupt noch bewerkstelligen?", fragt Sturmer und fährt fort: "Meine klare Antwort: Ja. Wie? Durch einen einfachen Wandel der Perspektive. Ich bin überzeugt, dass die Zukunft der deutschsprachigen Afrika-Berichterstattung in den fähigen Händen afrikanischer Medienprofis liegt." Gut möglich, dass er recht hat, doch ich will mir den afrikanischen Kontinent nicht von Afrikanern erklären lassen, genau so wenig wie ich mir Amerika von Amerikanern oder die Schweiz von Schweizern erklären lassen will. Anders gesagt: mich interessiert die Perspektive von aussen. Zugespitzt formuliert: ich lerne mehr über die Schweiz von Nicht-Schweizern als von Schweizern (dass es da Ausnahmen gibt, versteht sich). Das Gewohnte aus Distanz zu sehen, bedeutet häufig, es klarer zu sehen (siehe auch: Warum rennen hier alle so?)

Die schlechte Presse, die Afrika in den deutschsprachigen Medien hat, so Sturmer, schade vor allem im Hinblick auf:
"° die Wirtschaft des Kontinents, insbesondere den Handel und den Tourismus
° die Spendenbereitschaft bei humanitären Krisen und die Akzeptanz von Entwicklungszusammenarbeit
° das gesellschaftliche Zusammenleben mit Menschen afrikanischer Herkunft in deutschsprachigen Ländern."

Dreht man das Argument um, müsste man schliessen, die Aufgabe der Medien sei, der Wirtschaft zu dienen, die Entwicklungszusammenarbeit sowie das interkulturelle Miteinander in deutschsprachigen Ländern zu unterstützen. Wirklich?

Afrika! ist ein Buch darüber wie einige, der politischen Korrektheit verpflichtete Akademiker zur Zeit die Welt sehen. Das geht von der Verwendung von akzeptablen Bildern bis zum Gebrauch korrekter sprachlicher Ausdrücke. So seien etwa "Animisten, Buschmänner, Pygmäen" bedenkliche Ausdrücke, "die auf anthropologische, rassistische oder imperialistische Konzepte zurückgehen." Laurens van der Post empfand übrigens die Bezeichnung "a white bushman" als Ehrentitel. Und für die Bildauswahl von Afrikabeiträgen gelte "Ähnliches wie für die Nachrichtenselektion – Negativismus ist das Kernmotiv." Ganz so, als ob das sonst im Journalismus anders wäre ...

Die verzerrte Darstellung von Afrika sei medial konstruiert, lese ich. Und stimme zu. Doch mit Afrika hat das wenig zu tun. Wer von den Medien eine unverzerrte Sicht der Dinge verlangt, versteht nicht, wie die Medienwelt tickt.

Martin Sturmer
Plädoyer für eine differenzierte Berichterstattung,
UVK, Konstanz 2013

Wednesday, 7 August 2013

Barbara Klemm: Fall of the Wall 1989

When approaching a book, I usually start with the introduction. In the case of Barbara Klemm's Fall of the Wall 1989 I would however advise to skip the intro and go directly to the photos.
It is the very first pic in this convincing work that did it for me, that made my senses connect to what the image showed: Border Fortification, Bernauer Strasse, Berlin 1971, the caption reads. It is a black and white photograph that might have been taken in November, fog and mist cloud the lifeless scene, the dominant colour is grey, the street lamps stand in line as if they were soldiers at a military parade.

But why skip the info? Well, let me give you the first paragraph and then you will probably understand:
"A charge that cultural critics level at producers and mediators is that their images convey information that deliberately blurs the boundary between being and appearance, encouraging viewers to form ideas about the world that are far removed from the realities of life. The history of photojournalism contains many an instance where the technological miracle that is the snapshot served to disseminate manipulative and distorted visual information. The children and grandchildren of photography – print media, television, and the internet – have made the bad reputation of photojournalism and photo reportage worse by promoting the circulation of images that were neither true to reality nor had any artistic value that justified their existence beyond the day they were published."

In case you don't understand why I think that this is, well, to put it mildly, not worth my time: "blurs the boundary between being and appearance"?! I mean, that is what photography is all about. The "bad reputation of photojournalism and photo reportage"? I've never been aware of such a bad reputation and do not think at all that it is true. Anyway, I prefer to experience the effect Klemm's photographs have on me. The first sensation that I'm conscious of is that I like to look at them. They do not bore me. Quite the contrary, they make me feel curious. And, I say this with a certain wonder, I'm suprised that it is like that for the topics photographed do not strike me as out of the ordinary: remnants of the wall, the Brandenburg Gate, Wall Tourism in 1990, Kohl and Genscher waving, a youngster on a bike in Berlin-Kreuzberg. What is it that these black and white pics (and the fact that they are in black and white certainly constributes to it) radiate something magical, something surreal. No idea, really, but as strange as it seems: there is an aura of timelessness about these documents that capture moments in time that happened only then and there.

I was in Berlin on the day the wall fell, I have written about it. I did not see what Barbara Klemm decided to record and it doesn't cease to amaze me that one can be at the same event and experience it so differently. And, I do of course know that much of what I see in these photographs I do bring to them. I know for instance a bit about the two German states, I have been to Berlin before, once to the Eastern part, quite often to the Western part. Yet Barbara Klemm makes me see a fall of the wall that is somehow new to me.

Looking at these photographs feels like watching a movie ... but with a difference ... for I can decide how long to stay with a certain pic. At this very moment: With a shot that shows Egon Krenz in front of Altes Museum. At first glance (when I concentrate on Krenz and the people behind him), there is nothing notable about this picture but the more time I spend with it the more I begin to see (I concentrate now on the statue I see in the back, almost on the same line as Krenz) that this is a truly remarkable composition. And, there are lots of such convincing compositions in Barbara Klemm's Fall of the Wall 1989.

Barbara Klemm
Fall of the Wall 1989
Nimbus Books, Wädenswil 2011

Wednesday, 31 July 2013

Lucien Clergue: Brasília

In seinem Nachruf auf Oscar Niemeyer schreibt Lucien Clergue, "dass Oscar aufs Fliegen stets allergisch reagierte." Als er einmal einen Unfall hatte, musste er unverzüglich per Hubschrauber in eine Klinik überführt werden. Das ging jedoch erst, nachdem er mit einem Schlag ausser Gefecht gesetzt worden war.
Ebenfalls aus dem Nachruf erfährt man, dass Niemeyer Clergues Aktfotos sehr mochte. "In seinem Büro an der Copacabana hängt noch jenes Foto mit den drei Frauenakten am Strand, das er all seinen Besuchern zeigte. Sie sind seither die Hüterinnen des Tempels."
Lucien Clergue, geboren 1934, ist Fotograf, Autor und Filmemacher und hat 1968 zusammen mit Michel Tournier in Arles die "Rencontres Internationales de la Photographie" (heute "les Recontres d'Arles") begründet. Unter dem Titel "Die Vision von Schönheit und Harmonie" schreibt die Kunsthistorikerin Eva-Monika Turck: "Clergue, der in Arles durch enge, verwinkelte Gassen, die den Himmel und die Sonne abschirmen, von der Arena zu seinem Wohnhaus hinaufsteigen muss, ist geblendet vom weiten grenzenlosen Raum Brasílias." Man glaubt das zu spüren, wenn man diese Fotos betrachtet.
Es sei immer "die innerste Triebfeder der Leidenschaft von Clergue, verborgene Strukturen und Formen zu erkennen, sichtbar zu machen und zum Sprechen zu bringen", so Eva-Maria Turck. Im Falle von Brasília liegen die Strukturen und Formen allerdings keineswegs verborgen, sondern offen da. Es ist der Blickwinkel, unter dem Lucien Clergue diese Strukturen und Formen zeigt, der bestechend ist. Der Mann hat ein aussergewöhnliches Auge für Komposition.
Speziell interessant fand ich, dass ein Kapitel mit "Architektur inspiriert Fotografie" und ein anderes mit "Fotografie inspiriert Architektur" überschrieben ist, denn dieses Wechselspiel meint man in diesen Bildern in der Tat ganz ausgeprägt wahrzunehmen.

Die in diesem Band versammelten Fotos stammen aus den 1960er-Jahren. Neben Ansichten des fast leeren und surreal anmutenden Busbahnhofs, der geschwungenen Bögen des Palácio da Alvorada, der ganz wunderbar in Szene gesetzten Plastik As Banhistas von Alfredo Ceschiatti, der Präsidentenkapelle, der Kathedrale, Wohnhäusern der oberen Mittelschicht etc. etc., finden sich auch ein paar Aufnahmen des Anti-Brasília der Armen.

Brasília gemahnt an Science Fiction; als die Stadt am 21. April 1960 eingeweiht wurde, ist "diese Vision der fortschrittsgläubigen Moderne" Wirklichkeit geworden.

Lucien Clergue
Hatje Cantz, Ostfildern 2013