Grazie a voi.

"Die italienische Migration dokumentiert sich selbst", lese ich auf der Website des Limmat Verlags. Was für eine tolle Idee! durchfährt es mich, Fotos von italienischen Gastarbeitern (wie sie damals genannt wurden) zu zeigen, die diese von sich selber und ihren Familien gemacht hatten. Kein Blick von aussen, sondern die Innenansicht, die ich mir natürlicher, unverkrampfter, direkter vorstelle. Doch ist sie es? Verstellen sich die Menschen nicht ganz automatisch, wenn sie wissen, dass sie fotografiert werden?

Grazie a voi. versammelt Fotografien von Familien und Einzelpersonen zusammen mit Aufnahmen von Fotografen, die an offiziellen Anlässen und Festen der italienischen Gemeinschaft aufgenommen worden sind. Gerade heute, wo man, trotz besseren Wissens, gelegentlich den Eindruck hat, Migration sei entweder etwas gänzlich Neues oder liege schon so weit zurück, dass sie höchstens für spezialisierte Historiker ein Thema sein könne, ist das ein besonders aktueller Band.

Zur Erinnerung: Nach dem Zweiten Weltkrieg gab es in Italien nicht für alle Arbeit. Nicht wenige versuchten, auch der höheren Löhne wegen, ihr Glück in der Schweiz. Auch warben Schweizer Firmen in Italien aktiv um Arbeitskräfte. Schon damals galt, was auch heute gilt: Die Menschen folgen dem Kapital.

Die Herausgeber haben die Bilder thematisch gegliedert: Arbeit, Familie, Bildung, Vereine usw. Ganz besonders angesprochen hat mich die Kategorie "Eleganz", wo auch dieser schöne Satz zu finden ist: "Dem Stigma des Fremden setzen sie Eleganz und Lässigkeit entgegen." Das Titelbild illustriert das bestens; die Legende dazu lautet: "Giuseppe bittet seine Cousine Pierina, ihm wieder einmal gutes italienisches Essen zuzubereiten, damit er den Gürtel nicht noch enger schnallen müsse." Se non è vero, è  ben trovato.

Die Aufnahmen in diesem Band entstammen dem Zeitraum zwischen dem Zweiten Weltkrieg bis in die 1980er Jahre und sind nicht nur ein eindrückliches Zeitdokument, sondern zeigen unter anderem auch auf, wie der junge politisch engagierte Gymnasiast Raniero Fratini, der seit dreissig Jahren als Kulturredaktor für das Schweizer Radio in Lugano (RSI), damals die Migranten in der deutschen Schweiz porträtierte.

Am Ende des Bandes finden sich auch "Gedanken der zweiten Generation", unter denen man auch so erhellende Sätze wie diese von Larissa Alghisi Rubner findet: "Unsere Eltern haben uns etwas mitgegeben, das Eliteschulen oder Kulturreisen nicht lehren. Nämlich dass man die Wahl hat, unbefriedigende Umstände hinter sich zu lassen, um – etwa in einem anderen Land – etwas Besseres zu suchen und das Beste daraus zu machen."

GRAZIE A VOI.

Ricordi e Stima – Fotografien zur italienischen Migration in der Schweiz

A cura di / Herausgegeben von

Marina Widmer

Guliano Alghisis

Fausto Tisato

Rolando Ferrarese

Limmat Verlag, Zürich 2016

Kuwait: A Desert on Fire, by Sebastião Salgado

Hundreds of oil wells (between 605 and 732 were reported) had been sabotaged and set alight by the Iraqi army near the end of its occupation of Kuwait between early August 1990 and late February 1991. "It felt as if the end were nigh. With the sun obliterated by dark smoke, a Dantean landscape stretched as far as the eye could see. The horizon itself was marked by torches of fire where burning oil leapt from the lifeless desert. And all around, thick pillars of crude oil spewed into the sky before falling back to earth to form treacly black lakes that, without warning, could become gigantic infernos", writes Sebastião Salgado in his introduction. He also mentions what can't be seen or imagined when we allow these forceful photographs to sink in, "the noise, a deafening roar that only grew louder as I came closer to the source of this cataclysm", the sabotaged and now burning oil wells.

Photograph: Sebastião Salgado/Amazonas/Taschen

One day, near the Greater Burgan oil field in the Ahmadi district, Salgado came across what had once been a royal menagerie where he found one large bird covered in oil and where he also saw this once powerful stallion reduced to a sad skeletal figure in search of grass to eat.

Photograph: Sebastião Salgado/Amazonas/Taschen

The workers's task was not only hard and difficult but also very risky – "the metal tools they were using on iron wellheads could produce a spark that would relight the fires." Moreover, there were the toxic fumes. the slippery ground, the smoke and the oil lakes built to receive spilled oil that could easily ignite; one also had to be wary of land mines and unexploded cluster bombs.

Photograph: Sebastião Salgado/Amazonas/Taschen

Photographs are essentially documents that show us how things once looked. So why is this book published twenty-five years after the drama it portrays? When Salgado studied his archives, he realised that many of these photos had never been published. "But, more important, I felt the images had a timeless quality; they were taken in 1991, but they could be taken today or tomorrow if a similar disaster occurred."

Salgado dedicated this book "to the few hundred fearless men from a handful of nations who brought courage and talent and risked their lives and limbs to halt one of the worst environmental catastrophes in recent memory. for me, they were the true heroes of the First Gulf War."

Sebastião Salgado

KUWAIT

A Desert on Fire / Eine Wüste in Flammen / Un Désert en Feu

Taschen, Cologne 2016

Copacabana Palace

Copacabana Palace, I learn from the introduction, is the best known hotel in Rio de Janeiro. Yet this is not what this work is about. It is about a never completed housing project on the western outskirts of Rio that is also called Copacabana Palace. "More than 1000 people – 'sem teto, sem terra' – without roof or land – live here in very difficult circumstances and in extreme poverty, threatened by violence and disease".

The pictures, photographer Peter Bauza writes, were taken over a period of eight months. He also notes that in the beginning it wasn't easy to go about this project – he first had to earn the trust of the block leaders. Eventually, he became part of the place, otherwise these pictures could not have been taken.

Flipping through the pages of this classical coffee table book that consists of 200 pages of photographs and one page (actually three pages, one in English, one in German, and one in Portuguese) of textual background information, I'm often not really sure what to think of it. I mean: Why should I look at, for instance, a completely run-down neighbourhood, the shittiest of living circumstances or sleeping people?

I know, I know, photographers are also voyeurs (and the ones who look at photographs often are too) yet it doesn't feel right to look at, say, a blurred photo of a couple making love as part of a documentary project. To be able to take such photographs is not a good enough reason to actually take and publish them. So why am I shown these pictures?

"Anyone who goes there first notices the stench, a mix of sewer, swamp and burnt rubbish. Between the six buildings you come across dead animals, bags of faeces, discarded plastic toys and, every so often, heaps of old rubbish", Peter Bauza writes.

He was most impressed by the resident's will to survive. Most photographs, however, do not show that. Well, how could they anyway? To me, the vast majority of the pictures show more hopelessness than hope.

It goes without saying that the publisher sees this differently. "Peter Bauza's superbly perceptive pictures form a highly poetic tale of their lives, their everyday moments of joy and sadness, their needs and illusions, but also of beauty and strength and the co-existence community that has emerged in these precarious circumstances."

To me, the most convincing pictures are the portraits on the pull-out page in the middle of the book. Here it is clear that there was some collaboration between photographer and the ones portrayed. These people, although they posed, don't look like they want to please. And, that is pretty rare, I think.

Peter Bauza

Copacabana Palace

Edition Lammerhuber, Baden, Austria 2016

Shadows on the mountain range

These photos were taken on 4 October 2016, in the late afternoon, during a rather stiff breeze on the Lukmanier Pass in Southeastern Switzerland.

Photography Reinvented

From Sarah Greenough's introduction to this beautiful work I learn that Robert E. Meyerhoff and Rheda Becker „began to collect photographs somewhat accidentally“. Many of the ones assembled in „Photography Reinvented“ – a rather pretentious title, I think, for I fail to see in what this would show – I feel much attracted to, especially the ones by Thomas Struth, Candida Höfer, Anselm Kiefer, and Andreas Gursky.

„Photography Reinvented“ is a rare and exceptional book. Because of the picture selection, because of how the photos were arranged, because of the elegant format. Most of all, however, because of the texts by Sarah Greenough, Diane Waggoner, Andrea Nelson, Philip Brookman, and Leslie Ureña that accompany the images. Not only are they very well written, they do to me what most texts on photography miss to do – they pull me in, they make me feel involved in what is driving the photographer.

Here's an example by Sarah Greenough: „From the moment she arrived in New York City in 1993 as a thirty-year-old art student, Vera Lutter was entranced with her new home. Although she found the country 'largely foreign' and her neighborhood 'really bad,' the city itself was intoxicating and liberating. 'I was overwhelmed by the sheer magnitude of the place and the speed,' she later asserted, the 'mix of people and culture ... the general energy, the light, and the ways the city presents itself ... New York was absolutely new to me, and I was profoundly inspired by it all.“

That is exactly how I felt when arriving in Bangkok in 1988 as a thirty-five-year-old who had just given up his job as managing director of an academic publishing company in Switzerland. No wonder did I immediately identify with Vera Lutter's excitement and eagerness to discover her surroundings.

***

How does one come up with a collection of photographs? Does one start with an idea, a concept, a business plan? In the case of Robert E. Meyerhoff and Rheda Becker it started with Rheda visiting the Alte Pinakothek in Munich, in 2004, where she first saw Albrecht Dürer's Self-Portrait. „Yet she was startled when she went from there to the Pinakothek der Moderne and saw Thomas Struth's photograph Alte Pinakothek, Self-Portrait, Munich, 2000, in which he presented himself admiring the same painting she had seen only moments before.“ When, two years later, she told Bob „of her experience and delight in Struth's perceptive examination of the spectator's place in the museum, he remembered seeing this same photograph on display in New York. Shifting gears from decades of collecting paintings and drawings, Bob resolved to acquire it and together they embarked on a new passion. Although it took them more than a year to find a print of Struth's photograph, that visit to the Alte Pinakothek sparked their interest in forming a collection of photographs.“

Every collection of photographs, I assume, is first of all a group of pictures with personal meanings to the owners. Yet, if it were just that (and yet again: I would think in most cases, if not in all, this is precisely what it is – and this, needless to say, is just fine with me; there hasn't to be anything more, as far as I'm concerned) why would that be of interest to, say, a museum? Well, the personal meaning of photographs might become somewhat less personal if the owners share the stories of why the photographs are special to them. And, they might eventually find out that what is so special to them can be equally special to others too. Maybe for other reasons, but what do we know about the reasons that drive us anyway?

Sarah Greenough sees it differently. This is after all her job as senior curator and head of the department of photographs at the National Gallery of Art in Washington. For her The Collection of Robert E. Meyerhoff and Rheda Becker „is more than just a group of pictures with personal meanings to the owners; it is an intriguingly complex and telling collection of photographs“. On the one hand, she notices „a remarkable diversity“, on the other hand, however, she points out the similarities – several of the photographers are closely associated with the Düsseldorf School of Photography, all but one attended art schools.

As instructive as I do find the texts in this tome, I do fail to see what ties these artists together. The „deep engagement that the artists in the Meyerhoff-Becker Collection have with history“ and that „they have drawn on the art of the past to invent a new course for contemporary photography in the twenty-first century“ is so generally put that it is almost meaningless and so Sarah Greenough proposes to look „at several pictures made at key moments in the last forty years.“ How she and her collaborators do that, and report on it, is educative and illuminating. Especially when they provide background information about how the photos came about for, in my view, to learn about the process of taking photographs (how was „the object“ approached?; how, if at all, was the scene prepared?; in what mood was the photographer when taking the pic?) is preferable to highly sophisticated interpretations that often are not much more than widely accepted (and rather academic) knowledge that is brought to the picture – and, as always, with the benefit of hindsight.

„Photography Reinvented“ is an extraordinary book!

PS: A selection of pics you will find here

Photography Reinvented

The Collection of Robert E.Meyerhoff and Rheda Becker

National Gallery of Art, Washington

Princeton University Press, Princeton and Oxford 2016

http://press.princeton.edu/

Jeder Moment ist Ewigkeit

Jeder Moment ist Ewigkeit ist ein Titel, der sich auch für ein Selbsthilfebuch eignen würde. Dass er auch für das Buch einer Fotojournalistin passt, macht deutlich, dass unsere Zuordnungen willkürlich sind und dass, was in einem Kontext gilt, oft auch in einen anderen passt, vorausgesetzt, man ist bereit zu sehen, dass die Grundfragen in allen Bereichen und gestalteten Zusammenhängen eigentlich immer dieselben sind. Konkret: Im Spirituellen wie in der Philosophie, in der Biologie wie in der Fotografie gilt: Jeder Moment ist Ewigkeit – und natürlich auch das Gegenteil.

Lynsey Addario hat ihre Arbeit oft in Krisengebiete und damit auch in gefährliche Situationen geführt. "Nach einigen Tagen auf der einsamen Wüstenstrasse stiess eines Morgens plötzlich ein Kampfhubschrauber auf uns herab. Im Tiefflug nahm er alle wahllos unter Beschuss und überzog uns mit einem Maschinengewehrhagel. Die verstreute Schar der Aufständischen erwiderte sein Feuer mit ihren Kalaschnikows." Das war in Libyen gewesen, im März 2011.

Von Robert Capa ist der entsetzlich blöde Satz überliefert: "Wenn deine Fotos nicht gut genug sind, warst du nicht nah genug dran." 1954 trat er in Vietnam auf eine tödliche Landmine. Lynsey Addario zitiert den Satz und stimmt ihm zu, fügt jedoch bei. "Doch wenn man nah genug dran war, war man in der Schusslinie. In jener Woche sah ich, wie einige der besten Fotografen, Leute, die in Tschetschenien, Afghanistan und Bosnien gearbeitet hatten, aufgaben, nachdem die ersten Bomben gefallen waren." Sie bleibt, trotz eigener Zweifel. Bei diesem Aufstand dabei zu sein, gibt ihr ein Hochgefühl.

Lynsey ist 13 Jahre alt, als sie von ihrem Vater ihren ersten Fotoapparat geschenkt bekommt. Sie ist damals zu schüchtern, um ihre Kamera auf Personen zu richten und nimmt stattdessen Blumen, Friedhöfe und menschenleere Landschaften auf. Später studiert sie an der University of Wisconsin in Madison Internationale Politik. Während eines Auslandjahres an der Universität von Bologna entdeckt sie das Reisen. "Je mehr ich reiste, desto mehr sehnte ich mich nach einem Leben als Reisende."

Nach dem Studienabschluss macht sie in New York ein Praktikum bei einem Modefotografen und arbeitet abends als Kellnerin. Mit dem gesparten Geld macht sie sich auf nach Buenos Aires. Sie will Spanisch lernen und Südamerika bereisen. "Die Fotografie gab meinem Reisen einen Zweck."

Bei einer Salgado-Ausstellung wird ihr plötzlich bewusst, "was ich wollte: mit Fotos die Geschichten von Menschen erzählen, ihrer Menschlichkeit so wie Salgado gerecht werden, und beim Betrachter dasselbe Mitgefühl wecken, das ich im Augenblick der Aufnahme empfand. Ich bezweifelte, dass ich je imstande sein würde, solchen Schmerz und solche Schönheit einzufangen, aber meine Leidenschaft war geweckt. Ich ging durch die Ausstellung und weinte."

In New York gibt ihr die AP (Associated Press) regelmässig Arbeit. Ein Fotograf namens Bebeto, der an den Wochenenden als Bildredakteur arbeitet, wird ihr Mentor. "Er erklärte mir, wie man in einem Raum am Fenster oder an einer leicht geöffneten Tür nach dem Licht sucht. Er lehrte mich Komposition. Er zeigte mir, wie man den Kamerasucher nicht nur mit dem Gegenstand, sondern auch mit wichtigen Kontextinformationen füllt, um das Bild an seinem Ort zu verankern."

Es sind unter anderem solche Sätze, die mir dieses Buch wertvoll machen. Anders gesagt: Jeder Moment ist Ewigkeit ist auch wesentlich ein Buch über das Fotografieren. Aber ist das nicht selbstverständlich bei einer Fotojournalistin? Ist es nicht ...

Sie erkundigt sich bei AP, ob es in Südasien Arbeit für sie gebe, macht sich nach Indien auf. "Ich fragte mich nicht, ob es ein Fehler gewesen war, nach Indien zu gehen. Ich hatte das Gefühl, in New York mein Leben vergeudet zu haben."

Jeder Moment ist Ewigkeit bietet einen anderen als den üblichen Medien-Blick auf die Krisengebiete der letzten Jahre, weil Addario auch die Bedingungen schildert, unter denen ihre Bilder entstehen. Etwa wie sie in Pakistan, umgeben von Hunderten enthemmter Männer, das war nach 9/11, bei Protestkundgebungen gegen die US-Regierung aggressiv attackiert wurde (ich fühlte mich an die Silvester-Übergriffe in Köln erinnert) oder wie schwierig es ist, Menschen zu fotografieren, zu deren Leben man mangels fehlender Sprachkenntnisse oder aufgrund von Verboten, keinen wirklichen Zugang hat.

Lynsey Addarios spannende, lehrreiche, inspirierende und mit zahlreichen Fotos illustrierte Geschichte ist die Pressebild-Aufklärung, die wir nötig haben und leider viel zu selten ist.

Lynsey Addario

Jeder Moment ist Ewigkeit

Als Fotojournalistin in den Krisengebieten der Welt

Econ Verlag, Berlin 2016

The Floating Piers

From 18 June to 3 July 2016, Christo's and Jeanne-Claude's floating piers could be experienced in Italy's Lake Iseo. 100,000 square meters of shimmering yellow fabric, carried by a modular floating dock system of  220,000 high-density polyethylene cubes, undulated with the movement of the waves as The Floating Piers rose just above the surface of the water.

Thousands of people flocked to Northern Italy to participate in this unique event. In fact, all of Christo's and Jeanne Claude's projects are pretty unique and always attract the masses. I can't think of other artists who so regularly manage to surprise us.

The Floating Piers is an interesting and highly informative tome that documents the coming into being of this 3-kilometer-long walkway. You not only get to see photographs that show how crews are installing the various parts of the project but also quite some drawings and collages that give you an idea of what the artists originally had in mind. Last but not least, you get to see how visitors enjoy this fabulous work of art.

What I especially like about this project is that it not only displays the results of an artistic endeavour but that it also lets you take part in the process of creation.

Christo and Jeanne-Claude

The Floating Piers

Lake Iseo, Italy, 2014-2016

Taschen, Cologne 2016